Musicstyle

Mangue Beat

2008-02-22T15:17:00.000-08:00

Manguebeat (também grafado como manguebit ou mangue beat) é um movimento musical que surgiu no Brasil na década de 90 em Recife que mistura ritmos regionais com rock, hip hop, maracatu e música eletrônica.
O objetivo do movimento surgiu de uma metáfora idealizada por Zero Quatro, ao trabalhar em vídeos ecológicos. Como o mangue era o ecossistema biologicamente mais rico do planeta, o Manguebeat precisava formar uma cena musical tão rica e diversificada como os manguezais. Devido a principal bandeira do mangue ser a diversidade, a agitação na música contaminou outras formas de expressão culturais como o cinema, a moda e as artes plásticas. O Manguebeat influenciou muitas bandas de Pernambuco e do Brasil, sendo o principal motor para Recife voltar a ser um centro musical, e permanecer com esse título até o momento.
Com o surgimento de várias bandas no cenário recifense, gravadoras como Sony, Virgin e outras famosas, deram início a uma contratação de bandas que se incluíam nesse cenário Mangue.
Notáveis bandas do gênero manguebeat incluem Mundo Livre S/A, Mombojó, Cordel do Fogo Encantado e Nação Zumbi.
Movimento musical surgido na cidade de Recife, no começo dos anos 90, quando bandas como Chico Science & Nação Zumbi e Mundo Livre S/A decidiram misturar a música pop internacional de ponta (o rap, as várias vertentes eletrônicas e o rock neopsicodélico inglês) aos gêneros tradicionais da música de Pernambuco (maracatu, coco, ciranda, caboclinho etc.). Originalmente chamado de Mangue Bit (bit entendido como unidade de memória dos computadores), o movimento teve seu primeiro manifesto, Caranguejos com Cérebro, escrito pelo ex-punk Fred 04 (do Mundo Livre) e Renato L, publicado pela imprensa local em 1992. "Imagem símbolo: uma antena parabólica enfiada na lama. Ou um caranguejo remixando Anthena, do Kraftwerk, no computador", explicavam.
O "núcleo de pesquisa e produção de idéias pop" articulado por essa juventude recifense tinha como objetivo "engendrar um circuito energético, capaz de conectar as boas vibrações dos mangues com a rede mundial de circulação de conceitos pop". Surgia a denominação de "mangueboys e manguegirls". "(...) São indivíduos interessados em: quadrinhos, TV interativa, antipsiquiatra, Bezerra da Silva, hip hop, midiotia, artismo, música de rua, John Coltrane, acaso, sexo não-virtual, conflitos étnicos e todos os avanços da química aplicada no terreno da alteração e expansão da consciência", dizia o manifesto.
No começo dos anos 80, Chico Science (ou melhor, Francisco França) era integrantes da Legião Hip Hop, equipe de dança de rua que imitava os breakers americanos. Com o guitarrista Lúcio Maia e Alexandre Dengue, participou do grupo de rock pós-punk Loustal. Da fusão do Loustal com o bloco de samba-reggae Lamento Negro, surgiu no começo dos anos 90 a Nação Zumbi, que estreou nos palcos de Recife em junho de 91. A Soparia de Roger (citado por Chico Science na música Macô)e o bar Arte Viva, em Boa Viagem, acolheram as primeiras manifestações dos mangueboys.
Propagada por Chico e pelo Mundo Livre, logo a batida do Mangue (Mangue Beat) estaria chegando ao Sudeste, onde, depois de algumas entusiasmadas reportagens em jornais, as principais gravadoras do país se interessaram por aquela novidade vinda de uma cidade nordestina de forte tradição musical que quase duas décadas antes havia revelado seu último grande produto pop: Alceu Valença. A Sony contratou Chico e a Nação Zumbi e o selo Banguela Discos (dos Titãs) ficou com o Mundo Livre.
Em 1993, seriam lançados, respectivamente, seus discos de estréia, Da Lama ao Caos e Samba Esquema Noise (título que logo denunciou a influência de Jorge Ben – seu disco de estréia se chamou Samba Esquema Novo – sofrida pelo Mundo). Com as músicas A Cidade e A Praieira, bem-engendradas fusões de rap com maracatu, a Nação saiu à frente em termos de reconhecimento popular – isso, apesar de os dois discos terem sido igualmente muito bem recebidos pela crítica musical de todo o país.
No rastro da duas bandas, vieram outros grupos de Recife dedicados às misturas do pop com a música regional: Jorge Cabeleira e o Dia em Que Seremos Todos Inúteis, Mestre Ambrósio, Cascabulho, Sheik Tosado. Houve outras, porém mais tradicionalmente roqueiras, como Devotos do Ódio (banda punk da favela de Alto José do Pinho), Querosene Jacaré e Eddie, e algumas filiadas ao rap, como o Faces do Subúrbio (também do Alto) e Sistema X.
O Abril Pro Rock, festival anual que inicialmente se restringia à cena de Recife, aos poucos abriu seu espaço para bandas (principalmente as novas) de todo o país, acabando por se tornar o mais importante evento da nova música pop do Brasil. Paralelamente à cena mangue, Recife também viu o cinema ganhar fôlego, com produções como o Baile Perfumado, dos diretores Paulo Caldas e Lírio Ferreira, que teve trilha sonora feita por Chico e o Nação, Fred 04, Mestre Ambrósio, entre outros.
Destaque absoluto da cena de Recife, Chico Science & Nação Zumbi ganharam o país e embarcaram em 1995 numa bem-sucedida turnê européia ao lado os Paralamas do Sucesso – em alguns shows, foram até a atração principal. Em 1996, lançaram sua obra-prima, o disco Afrociberdelia, em que o maracatu da banda ficou mais eletrônico e internacional, com participações especiais de artistas como Gilberto Gil, que gravou na faixa Macô. O primeiro sucesso do disco, Maracatu Atômico (de Jorge Mautner e Nelson Jacobina) fazia outra ligação com a geração anterior da MPB.
Meses depois, no dia 2 de fevereiro de 1997, Chico morreu num acidente de carro em Recife, deixando órfã toda uma geração de mangueboys e manguegirls. Alguns apostaram que seria o fim desse movimento, freqüentemente comparado ao Tropicalismo. Mas os artistas do Mangue Beat procuraram outros caminhos dentro da diversidade. Aparaceram trabalhos elogiados como o do ex-percussionista do Mundo Livre Otto (Samba pra Burro, eleito o melhor disco de 1998 pela Associação Paulista dos Criticos de Arte), do DJ Dolores e da cantora e tecladista Stella Campos.

Repente

2008-02-22T15:02:00.000-08:00

Repente (conhecido também como desafio) é uma tradição folclórica brasileira cuja origem remonta aos trovadores medievais. Especialmente forte no nordeste brasileiro, é uma mescla entre poesia e música na qual predomina o improviso – a criação de versos "de repente".
O repente possui diversos modelos de métrica e rima, e seu canto costuma ser acompanhado de instrumento musical - normalmente o dedilhar de uma viola de sete ou dez cordas.
No Brasil, a tradição medieval ibérica dos trovadores deu origem aos cantadores – ou seja, poetas populares que vão de região em região, com a viola nas costas, para cantar os seus versos. Eles apareceram nas formas da trova gaúcha, do calango (Minas Gerais), do cururu (São Paulo), do samba de roda (Rio de Janeiro) e do repente nordestino. Ao contrário dos outros, este último se caracteriza pelo improviso – os cantadores fazem os versos "de repente", em um desafio com outro cantador. Não importa a beleza da voz ou a afinação – o que vale é o ritmo e a agilidade mental que permita encurralar o oponente apenas com a força do discurso.
A métrica do repente varia, bem como a organização dos versos: temos a sextilha (estrofes de seis versos, em que o primeiro rima com o terceiro e o quinto, o segundo rima com o quarto e o sexto), a septilha (sete versos, em que o primeiro e o terceiro são livres, o segundo rima com o quarto e o sétimo e o quinto rima com o sexto) e variações mais complexas como o martelo, o martelo alagoano, o galope beira-mar e tantas outras. O instrumental desses improvisos cantados também varia: daí que o gênero pode ser subdividido em embolada (na qual o cantador toca pandeiro ou ganzá), o aboio (apenas com a voz) e a cantoria de viola.
Cordéis musicados
O repente se insere na tradição literária nordestina do cordel, de histórias contadas em caudalosos versos e publicadas em pequenos folhetos, que são vendidos nas feiras por seus próprios autores. Uma tradição que, por sinal, inspirou clássicos da literatura brasileira, como o Auto da Compadecida, de Ariano Suassuna, e Morte e Vida Severina, de João Cabral de Melo Neto. O repente foi para o Sudeste em meados do século XX, junto com a migração de nordestinos para os grandes capitais. Chegou a São Paulo em 1946 com o alagoano Guriatã de Coqueiro (Augusto Pereira da Silva) e, no Rio, instalou-se na Feira de São Cristóvão.
O gênero se imiscuiu na MPB, sendo usado em trabalhos de artistas tão diversos quanto o cantador Elomar, o roqueiro Raul Seixas e o cantor paraibano Zé Ramalho. Subterraneamente, o repente tradicional, de violeiros-cantadores em duelo, sobreviveu graças a nomes como Oliveira das Panelas (vencedor, em 1997, do 1º Campeonato Brasileiro de Poetas Repentistas), Mocinha da Passira, Valdir Teles, Lourinaldo Vitorino, Sebastião da Silva, Azulão, Miguel Bezerra, Otacílio Batista, Ivanildo Vila Nova, Zé Cândido, Ismael Pereira e Natan Soares. Apontado por alguns como inspirador do rap (rhythm'n'poetry – ritmo e poesia) americano (que nasceu do improviso falado sobre bases musicais alheias), o repente encontrou seus pontos em comum com o gênero importado nos anos 90, em músicas dos grupos recifenses Faces do Subúrbio e Sistema X.

Axé music

2008-02-22T14:53:00.000-08:00

O Axé Music, ou simplesmente Axé, é um gênero musical surgido no estado da Bahia na década de 1980, durante as manifestações populares do carnaval de Salvador,que mistura a Marcha das Músicas Latino-caribenhas com Frevo pernambucano, forró, Maracatu, Reggae e Calypso, que é derivado do Reggae.
No entanto, o termo Axé Music é utilizado erroneamente para designar todos os rítmos de raízes africanas ou o estilo de música de qualquer banda ou artista que provém da Bahia. Sabe-se hoje, que nem toda música baiana é Axé, pois lá há o Olodum, um rítmo da África do Sul, Samba de Roda e Pagode produzidos por algumas bandas, Calipso, proveniente do Caribe e Samba-reggae, uma novidade.
A palavra "axé" é uma saudação religiosa usada no candomblé e na umbanda, que significa energia positiva. Expressão corrente no circuito musical soteropolitano, ela foi anexada à palavra da língua inglesa music pelo jornalista Hagamenon Brito para formar um termo que designaria pejorativamente aquela música dançante com aspirações internacionais.
Com o impulso da mídia, o axé music rapidamente se espalhou pelo país todo (com a realização de carnavais fora de época, as micaretas), e fortaleceu-se como indústria, produzindo sucessos durante todo o ano.
As origens do axé estão na década de 1950, quando Dodô e Osmar começam a tocar o frevo pernambucano em rudimentares guitarras elétricas (batizadas de guitarras baianas) em cima de uma Fobica (um Ford 1929). Nascia o trio elétrico, atração do carnaval baiano que Caetano Veloso chamou a atenção em 1968 na canção "Atrás do Trio Elétrico". Mais tarde, Moraes Moreira, dos Novos Baianos, teria a idéia de subir num trio (que era apenas instrumental) para cantar – foi o marco zero da axé music. Paralelamente ao movimento dos trios, aconteceu o da proliferação dos blocos-afro: Filhos de Gandhi (do qual Gilberto Gil faz parte), Badauê, Ilê Aiyê, Muzenza, Araketu e Olodum. Eles tocavam ritmos africanos como o ijexá, brasileiros como o maracatu e o samba (os instrumentos eram os das escolas de samba do Rio) e caribenhos como o merengue.
Com a cadência e as letras das canções de Bob Marley nos ouvidos, o Olodum criou um rítmo próprio que misturava Axé, Música Latina, Reggae e também Música Africana, estilo com forte caráter de afirmação da negritude, que fez sucesso em Salvador dos anos de 1980 com artistas como Lazzo, Tonho Matéria, Gerônimo e a Banda Reflexus – as canções chegavam ao Sudeste em discos na bagagem dos que lá passavam férias. Logo, Luiz Caldas (do trio Tapajós) e Paulinho Camafeu tiveram a idéia de juntar o frevo elétrico dos trios e o ijexá. Surgiu assim o "Deboche", que rendeu em 1986 o primeiro sucesso nacional daquela cena musical de Salvador: Fricote, gravado por Caldas. A modernidade das guitarras se encontrava com a tradição dos tambores em mistura de alta octanagem.
Axé é uma saudação religiosa usada no candomblé e na umbanda, que significa energia positiva. Depois que Daniela Mercury chegou ao Sudeste com o show que a estouraria nacionalmente, O Canto da Cidade, tudo o mais que veio de Salvador começou a ser chamado de axé music. Em pouco tempo, os artistas deixaram de se importar com a origem debochada do termo e passaram a dele se aproveitar. Por exemplo, a Banda Beijo, do vocalista Netinho, simplesmente intitulou de Axé Music o seu disco de 1992. Com o impulso da mídia, essa trilha sonora da folia de Salvador rapidamente se espalhou pelo país (com os carnavais fora de época, as micaretas) e fortaleceu-se como indústria, produzindo sucessos o ano inteiro ao longo dos anos 90. Testadas no calor da multidão na Praça Castro Alves e na Ladeira do Pelô, as músicas dos blocos e bandas responderam por alguns dos grandes êxitos comerciais da música brasileira na década. O ano de1998 foi, particularmente, o mais feliz para os baianos: Daniela Mercury, Banda Eva, Chiclete com Banana, Araketu, Cheiro de Amor e É o Tchan venderam juntos nada menos que 3,4 milhões de discos. Uma nova geração de estrelas aparecia para o Brasil Chiclete com Banana (que vinha de uma tradição de bandas de baile, blocos afro e trios elétricos) e Margareth Menezes, a primeira a engatilhar carreira internacional. Enquanto o axé se fortalecia comercialmente, alguns nomes buscavam alternativas criativas para a música baiana. O mais significativo deles foi a Timbalada, grupo de percussionistas e vocalistas liderado por Carlinhos Brown (cuja Meia Lua Inteira tinha estourado na voz de Caetano), que veio com a proposta de resgatar o som dos timbaus, que há muito tempo estavam restritos à percussão dos terreiros de Candomblé.

Guarânia

2008-02-22T14:47:00.000-08:00

Guarânia é um gênero musical de origem paraguaia, em andamento lento, geralmente em tom menor. As canções mais conhecidas são: Índia, Ne rendápe aju, Panambi Vera e Paraguaýpe criado orquestra sinfônica modo baseado em poemas, canções com sinfônico accompaniments. O gênero seduz as populações urbanas, mas não no interior. Isto é provavelmente devido ao interesse das pessoas por estilos mais rápido como a Polka ou o Purahéi Jahe'o.
Na biblioteca do Instituto de Biociências, Letras e Ciências Exatas, da Universidade Estadual Paulista - UNESP, de São José do Rio Preto-SP, há uma dissertação de mestrado, "Cascatinha e Inhana: uma história contada às falas e mídia", de autoria de Alaor Ignácio dos Santos Júnior, cujo tema é abordado com propriedade.
Foi criada em Assunção pelo músico Jose Flores, em 1925, com o fim de expressar o caráter do povo paraguaio. Isto foi acompanhado por ritmos e melodias para lento e melancólico canções. Em algumas das canções que segue a natureza do heróico povo paraguaio.
Desde a sua criação, a Guarania tornou-se o mais importante fenômeno musical do Paraguai no século XX através de temas como Jejuí, Kerasy, Arribeño Resay, o que gerou imediata aceitação e afeto.
Acredita-se que a guarânia tenha sido introduzida no Brasil pelos próprios paraguaios, especialmente na divisa com o Mato Grosso do Sul, quando vieram para o Brasil a trabalho, durante do Ciclo da Erva Mate. Há naquele Estado traços predominantes na música folclórica, que se enquadram perfeitamente à harmonia da guarânia.
A guarânia foi introduzida na música popular brasileira através do trabalho de pesquisa realizado por Raul Torres, Ariovaldo Pires, Mário Zan e Nhô Pai, em sucessivas viagens ao Paraguai. Torres foi responsável por uma das guarânias de maior sucesso no Brasil, "Colcha de retalhos", gravada por Cascatinha e Inhana. A mesma dupla fez um mega-sucesso com outra guarânia, "Índia", de José Asunción Flores e Manuel Ortiz Guerrero, em versão de José Fortuna. A partir da década de 40 tornou-se um dos gêneros mais utilizados pelos compositores da música sertaneja como mais uma forma para fazer sucesso. Ganhou mais popularidade a partir da gravação, em 1951, do disco 78 rpm "Índia" (de José Asunsión Flores e Manoel Ortiz Guerrero), que trazia como segunda música a canção também paraguaia "Meu primeiro amor" ("Lejanía"), ambas com versão de José Fortuna.
ritmo tipicamente latino, originaria dos países do hemisfério sul como o Paraguai e a Bolívia. Foi através dos estados que fazem fronteira com estes países que a guarânia foi introduzida no Brasil. Fez muito sucesso na música popular brasileira entre as décadas de 40 a 60 e ainda é muito presente na música sertaneja. Esse ritmo está baseado em um compasso ternário.
Guarânia, como o nome indica, vem de Guarani. Estilo musical típico do Paraguai, é também muito tradicional no Chile, Peru, Colômbia, afinal, América do Sul... muito apreciada no Brasil, seu rítimo está presente na maioria das músicas sertanejas e outras canções românticas.

Emo

2008-02-22T14:31:00.000-08:00

Emo (abreviação do inglês emotional) é um gênero de música derivado do Hardcore. O termo foi originalmente dado às bandas do cenário punk de Washington, DC que compunham num lirismo mais emotivo que o habitual.
Existem várias versões que tentam explicar a origem do termo "emo", como a que um fã teria gritado "You´re emo!" (Você é emo!) para uma banda (os mitos variam bastante quanto a banda em questão, sendo provavelmente o Embrace ou o Rites of Spring).
No entanto, a versão mais aceita como real é a de que o nome foi criado por publicações alternativas como o fanzine Maximum RocknRoll e a revista de skate Thrasher para descrever a nova geração de bandas de "hardcore emocional" que aparecia no meio dos anos 80, encabeçada por bandas da gravadora Dischord de Washington DC, como as já citadas Embrace e Rites of Spring, além de Gray Matter, Dag Nasty e Fire Party.

Nesta época, outras bandas já estabelecidas de hardcore, como 7 Seconds, Government Issue e Scream também aderiram à esta onda inicial do chamado "emocore", diminuindo o andamento, escrevendo letras mais introspectivas e acrescentando influências do rock alternativo de então.

É importante lembrar que nenhuma destas bandas jamais aceitou ou se auto-definiu através deste rótulo. A palavra "Emo" é vista como uma piada ou algo pejorativo e artificial.

O gênero (ou pelo menos o clássico estilo de Washington, o DC sound) primeiramente explorado por bandas como Faith, Rites of Spring e Embrace tem suas raízes no punk rock.

O próximo passo na evolução do gênero veio em 1982 e durou até 1993 com as bandas Indian Summer, Moss Icon, Policy of Three, Still Life e Navio Forge. A dinâmica calmo/gritado ("quiet/loud") freqüentemente ouvida em bandas recentes tais como Seatia e Thursday tiveram suas raízes nestas bandas. No que diz respeito a voz, essas bandas intensificaram o estilo emocore. Muitas delas sempre fizeram uso de berros e gritos durante a apresentação, e motivo para muitos fãs de hardcore depreciarem os fãs de emo como "molengas"¹ ("wimps", "weaklings").

Assim como foi infundida uma nova intensidade para o emocore, o emotional hardcore levou essa intensidade a um nível extremo. A cena teve início entre 1991 e 1992 com as bandas Heroin, Portraits of Past e Antioch Arrow que tocavam um estilo caótico, com vocais abrasivos e passionais².
Após a supervalorização inicial da intensidade e da sonoridade caótica, o emotional hardcore sofreu um processo de "desacelaração". As bandas Sunny Day Real Estate e Mineral basearam seu estilo no Rites of Spring, outra banda do gênero emo.
Nota-se uma nova tendência emo em abandonar o punk distorcido em favor de calmos violões. Na cultura alternativa diz-se que alguém é ou está emo quando demonstra muita sensibilidade.
No Brasil, o gênero se estabeleceu sob forte influência norte-americana em meados de 2003, na cidade de São Paulo, espalhando-se para outras capitais do Sul e do Sudeste, e influenciou também uma moda de adolescentes caracterizada não somente pela música, mas também pelo comportamento geralmente emotivo e tolerante, e também pelo visual, que consiste em geral em trajes pretos,Trajes Listrados, Mad Rats, Cabelos Coloridos e franjas caídas sobre os olhos.

Habanera

2008-02-22T14:24:00.000-08:00

A habanera, ou havaneira em algumas traduções para o português, é um estilo de musical de dança criado em Havana (Cuba).
A habanera, cujo nome deriva da cidade de onde é oriunda (La Habana, em espanhol), foi a primeira música genuinamente afro-latino-americana, que foi levada de Cuba para salões europeus por volta do século XVII. Foi sofrendo alterações em sua estrutura básica devido aos arranjos que lhe deram os músicos da Europa e assim, alterada, voltou às Américas através dos imigrantes portugueses e espanhóis.
É uma música de compasso binário, com o primeiro tempo fortemente acentuado, com uma curta introdução seguida de duas partes de oito compassos cada uma, com modulação do tom crescente
Da habanera derivam diversos rítmos como o maxixe brasileiro e o tango argentino. Também deu origem ao vanerão dos gaúchos.
É uma dança que foi também algumas vezes aproveitada no repertório erudito, sendo o exemplo mais famoso a habanera da ópera Carmen, de Georges Bizet.
habanera, ou havaneira em algumas traduções para o português, é um estilo de musical de dança criado em Havana (Cuba).
A habanera, cujo nome deriva da cidade de onde é oriunda (La Habana, em espanhol), foi a primeira música genuinamente afro-latino-americana, que foi levada de Cuba para salões europeus por volta do século XVII. Foi sofrendo alterações em sua estrutura básica devido aos arranjos que lhe deram os músicos da Europa e assim, alterada, voltou às Américas através dos imigrantes portugueses e espanhóis.
É uma música de compasso binário, com o primeiro tempo fortemente acentuado, com uma curta introdução seguida de duas partes de oito compassos cada uma, com modulação do tom crescente
Da habanera derivam diversos rítmos como o maxixe brasileiro e o tango argentino. Também deu origem ao vanerão dos gaúchos.
É uma dança que foi também algumas vezes aproveitada no repertório erudito, sendo o exemplo mais famoso a habanera da ópera Carmen, de Georges Bizet.

Maxixe

2008-02-22T13:55:00.000-08:00

O Maxixe (também foi conhecido por Tango brasileiro) é uma dança de casal brasileira que esteve em moda entre o fim do século XIX e o início do século XX. Dançava-se acompanhada da forma musical do mesmo nome, contemporânea da polca e dos princípios do choro e que contou com compositores como Ernesto Nazareth e Patápio Silva. Mas o maior nome na composição de maxixes foi, sem dúvida, o da maestrina Chiquinha Gonzaga.
Teve a sua origem no Rio de Janeiro na década de 1870, mais ou menos quando o tango também dava os seus primeiros passos na Argentina e no Uruguai, do qual sofreria algumas influências. Dançada a um ritmo rápido de 2/4, notam-se também influências do lundu, das polcas e das habaneras.
Tal como o tango, este estilo foi também exportado para a Europa e Estados Unidos da América, no início do século XX.
O samba e a lambada são dois exemplos de danças que devem algumas contribuições de estilo ao Maxixe.
Originado de procedimentos empregados pelos músicos de grupos de choro e bandas de coretos do Rio de Janeiro desde a década de 1860, o futuro gênero de música popular chamado de maxixe ia surgir a partir de 1880 acompanhando a maneira exageradamente requebrada de dançar tal tipo de execução, principalmente de polca-tango. Isso poderia ser comprovado quando, a 17 de abril de 1883, na cena cômica intitulada Aí, Caradura!, o ator Vasques mostrava um carioca, em cuja casa se realizava um baile, a incitar seu convidado caradura (hoje cara de pau) a demonstrar suas habilidades de dançarino dizendo: "Vamos, seu Manduca, não me seja mole: eu quero ver isso de maxixe!" O que realmente acontecia obedecendo a seguinte rubrica do texto: "A orquestra executa uma polca-tango, e ele depois de dançar algum tempo, grita entusiasmado: – Aí caradura!". Ao que acrescentava a indicação: "(Canta: No maxixe requebrado/ Nada perde o maganão!/ Ou aperta a pobre moça/ Ou lhe arruma um beliscão!)".
Foi, pois, o estilo de tal forma malandra e exagerada de dançar o ritmo quebrado da polca-tango que acabaria por fazer surgir o maxixe como gênero musical autônomo, ao estruturar-se pelos fins do século XIX sua forma básica: a exageração dos baixos – inclusive pelos instrumentos de tessitura grave das bandas – conforme o acompanhamento normalmente já cheio de descaídas dos músicos de choro. Ou, como explicava no artigo Variações sobre o Maxixe o maestro Guerra-Peixe, "melodia contrapontada pela baixaria, passagens melódicas à guisa de contraponto ou variações e, em alguns casos, baixaria tomando importância capital".
Definido como gênero autônomo, o maxixe, contaminado pelo preconceito em relação ao baixo nível social em que surgira – os forrobodós ou bailes populares também chamados de maxixes –, continuaria a ser cultivado musicalmente até inícios do século XX, muitas vezes encoberto pelos nomes de tango ou tanguinho (caso dos tangos pianísticos de Ernesto Nazareth). E, enquanto dança, progressivamente submetido à estilização dos seus passos – como logo faria o bailarino Antonio Lopes Amorim Diniz, o Duque – a fim de permitir sua aceitação nas salas e salões das classes média e alta. Transformada em número obrigatório do teatro de revistas (desde o quadro Um Maxixe da Cidade Nova, da peça O Bilontra, de Artur Azevedo, de 1866), a dança do maxixe seria levada para a Europa no início dos 1900 para tornar-se – sob o nome de tango brasileiro – uma onda da moda, favorecida por sua atração de coisa exótica. E isso a ponto de estimular compositores locais a tentar o gênero, como aconteceria com o francês Charles Borel Clerk com sua criação intitulada La Matchichinette, consagradora da novidade: "C’est la chanson nouvelle/ Mademoiselle/ C’est la chanson que esguiche/ C’est le matchiche".
A maior prova da repercussão alcançada pelo maxixe na Europa, porém, seria fornecida pela literatura. Em suas Memórias escritas na década de 1960, o escritor soviético Ilia Ehrenburg, ao recordar no capítulo Infância e Juventude, no primeiro volume, da agitada vida russa de 1905, lembrava que, já então, "em lugar da mignone e da chacona da minha infância, as moças estudavam, diante das assustadas mamães, o cake-walk e o maxixe". Em outro livro de memórias – este do escritor Paul Léautaud, no Journal Littéraire – o ensaista e cronista recordava uma recepção na casa de Mme. Dehaynin, num domingo de novembro de 1905, em que, após o jantar, "a senhorita Marcelle Dehaynin, acompanhada ao piano por sua mãe, dançou para nós o cake-walk, o matchice etc. E ainda antes da Primeira Grande Guerra, enquanto Georges Courteline dedicava uma de suas pequenas cenas cômicas ao diálogo de suas parisienses a discutir futilidades como infidelidade dos maridos, festas e o maxixe, o poeta Jean Richepin – segundo revelava o cronista Alvaro Moreyra em 1914 – provocava a Academia Francesa com uma conferência sobre o tango e o maxixe.

Valsa

2008-02-22T13:50:00.000-08:00

A Valsa é uma dança de compasso ternário (ritmo) (3/4) com origem em danças camponesas tradicionais austríacas.
Durante meados do século XVIII, a “allemande”, muito popular em França, já antecipava, em alguns aspectos, a valsa. Carl Maria von Weber, com as suas "Douze Allemandes", e, mais especificamente com o "Convite à dança" (também conhecido por "Convite à valsa"), de 1820, pode ser considerado o pai do gênero.
Originalmente dançada como uma das figuras da contradança, com braços entrelaçados ao nível da cintura, tornou-se logo uma dança independente com contato mais próximo entre os parceiros. No fim do século XVIII a antiga dança campesina passou a ser aceita pela alta sociedade - especialmente pela sociedade vienense.
Embora conhecida desde o século XV, quando surgiu na Alemanha, a valsa só seria aprovada na Europa no início do século XIX, quando se expandiu como uma das danças de salão mais apreciadas no mundo ocidental. Foi por essa época (1808) que a família real portuguesa a trouxe para o Brasil. Gênero ternário, o primeiro a ser dançado por pares enlaçados, a valsa adquiriu formas distintas ao adaptar-se ao gosto dos países que a importaram. Assim aconteceu no Brasil, onde está presente em todos os níveis musicais, do folclórico ao erudito, destacando-se principalmente no popular.
A mais antiga notícia que se tem de valsas brasileiras encontra-se no diário de Sigismund Neukomm, músico austríaco que viveu no Rio de Janeiro entre 1816 e 1821. Lá, nos dias 6 e 16/11/1816, estão registrados a realização de uma fantasia sobre uma pequena valsa e os arranjos para orquestra, com trios, de outras seis compostas por S.A.R., o príncipe Dom Pedro. Pertenceria assim a Sua Alteza Real, o então jovem príncipe, depois Imperador Pedro I, a primazia da autoria de valsas no Brasil.
Embora viesse a se tornar um dos gêneros mais difundidos, a valsa só começou a se firmar entre nós na segunda metade do século XIX, a princípio como composição instrumental e depois, já na virada do século XX, como canção. A partir de então consolidou-se como forma preferida de música romântica, hegemonia que só veio a perder no final da década de 1940 para o samba-canção. Seu prestígio chegou a influenciar a própria modinha, que acabou adotando o padrão três-por-quatro. Fizeram valsas no século XIX compositores como Salvador Fábregas, Francisco Libânio Colás, João Batista Cimbres, Antônio dos Santos Bocot, o erudito Carlos Gomes e os grandes Ernesto Nazareth, Chiquinha Gonzaga e Anacleto de Medeiros.
A palavra tem origem no alemão Walzen, que significa girar ou deslizar. É uma dança de compasso ternário (3/4) com acento no primeiro tempo e um padrão básico de passos-passo-espera, resultando em um deslizar vivamente pelo salão.
Note-se que o nome da música que acompanha a dança também é valsa. Os compositores mais famosos do estilo são, sem dúvida, os Strauss. O estilo foi depois reinterpretado por compositores como Chopin, Brahms e Ravel.
A valsa chega ao Brasil com a corte portuguesa em 1808, e seria a dança de salão de preferência da elite do Rio de Janeiro até a chegada da polca em 1845. Ao longo da segunda metade do século XIX ela continuaria tendo grande aceitação e seria, nas palavras do pesquisador José Ramos Tinhorão, um dos "únicos espaços públicos de aproximação que a época oferecia a namorados e amantes”.
Entre os compositores brasileiros que se destacaram neste gênero temos: Villa Lobos, Carlos Gomes, Chiquinha Gonzaga, Ernesto Nazaré, Pixinguinha, Tom Jobim e Chico Buarque, entre outros. Apesar de já não ter a popularidade de antes, está presente com frequência em bailes de formatura e casamentos.

Pagode

2008-02-22T13:48:00.000-08:00

Pagode é um gênero musical brasileiro originado no Rio de Janeiro a partir da cena musical do samba. Estilo musical mais comum nas favelas.
O pagode designa festas, reuniões para se compartilhar amizades, música, comida e bebida. Surge como celebração do samba em meados do século XIX e se consolida no século XX no Rio de Janeiro. Mesmo antes já eram celebradas estas festas em senzalas de escravos negros e quilombos. Com a abolição da escravatura e fixação dos negros libertos no Rio de Janeiro - muitos deles negros bahianos, e que têm uma relação intrinseca com o sincretismo de religiões de origem africana, como o candomblé, a macumba - o pagode se consolida com a necessidade de compartilhar e construir identidade de um povo recém liberto, e que precisa dar outra função ao corpo que até então é somente instrumento de trabalho. Por isso a relação estreita entre música e dança na cultura de origem africana, além do fato de ter a síncopa como principal caracteristica da construção técnica-musical, derivada da percussão marcadora do ritmo.
Antigamente, pagode era considerado como festa de escravos nas senzalas. No final da década de 1970, no Rio de Janeiro o termo passou a ser associado a festas em casas e quadras dos subúrbios cariocas, nos calçadões de bares do Centro do Rio e da periferia, regadas a bebida e com muito samba. A palavra pagode no sentido corrente surgiu de festas em favelas e nos fundos de quintais cariocas que falavam sobre sentimentos (alegrias e tristezas) das pessoas que lá moravam.
O 'samba adquiriu diferentes formatos ao longo de várias décadas, entre os quais, "samba de breque", "samba-canção", "samba-enredo", "samba de partido-alto", , "samba-puladinho", "samba-sincopado" (ou gafieira), "samba de rancho", "samba de roda", "samba com Axé" e Samba-Reggae". O pagode é mais uma forma derivada do samba no final da década de 1970.
Para alguns, o pagode apresenta nítidas diferenciações do samba que era feito até então. Tem andamento mais ligeiro, agressivo, além de introduzir o repique de mão criado pelo músico Ubirany, do grupo Fundo de Quintal, o tantã (criado pelo músico e compositor Sereno, do grupo Fundo de Quintal) e o banjo com braço de cavaquinho (criado por Almir Guineto). É um ritmo de mais festeiro do que o samba tradicional.
Gênero tipicamente popular, o pagode tornou-se logo sucesso nacional em festas nos subúrbios da cidade do Rio de Janeiro, especialmente pela aglutinação espontânea de sambistas em Ramos, Abolição, Madureira, Oswaldo Cruz, Vista Alegre, entre outros.
Os primeiros pagodeiros de destaque foram Almir Guineto, Zeca Pagodinho, Caprí, Deni de Lima, o grupo Fundo de Quintal, Jovelina Pérola Negra, Jorge Aragão, Mauro Diniz e Nei Lopes. Um importante álbum do gênero é "Raça Brasileira", de 1985, que conta com a participação de muitos destes artistas. No ano seguinte, seria lançado o primeiro álbum de Zeca Pagodinho, que obteve vendagens expressivas.
Com o passar do tempo, o gênero passou a aceitar ás vezes instrumentos como o teclado (como em "Parabéns Pra Você", do Fundo de Quintal). E na década de 1990, o pagode de raiz foi perdendo cada vez mais terreno para um variante mais comercial, com grandes índices de vendagem. Grupos não só cariocas, mas também paulistanos tiveram. um êxito, notadamente por tocarem um estilo mais romântico. Hoje, este pagode comercial convive com o de raiz, e ambos têm sucesso comercial no Brasil.

Batuque (Cabo Verde)

2008-02-22T13:39:00.000-08:00

Como género musical, o batuque caracteriza-se por ter um andamento moderato, um compasso de 6/8 ou 3/4, e tradicionalmente ser apenas melódico, isto é, ser apenas cantado, sem acompanhamento polifónico. Comparado com os outros géneros musicais de Cabo Verde, o batuque estrutura-se no canto-resposta, e é o único que apresenta uma polirritmia. De facto, analisando o ritmo, descobre-se que o mesmo é uma sobreposição de um ritmo de 3 tempos sobre um ritmo de 2 tempos.
Na sua forma tradicional, o batuque organiza-se como se fosse um crescendo orquestral. Tem dois movimentos (se é que se pode chamá-los assim):
Antigamente, a peça musical começava com uma introdução na cimboa, que fornecia a linha melódica base. Hoje em dia, o uso deste instrumento está praticamente extinto. O primeiro movimento é chamado, em crioulo, de galion. Neste movimento, uma das executantes (chamadas batukaderas), efectua um batimento polirrítmico, enquanto que as restantes executantes efectuam um batimento de dois tempos, batendo palmas ou batendo num pano. A cantora solista (chamada kantadera proféta) entoa uma melopeia que logo a seguir é repetida (chamado ronca baxon) em uníssono pelas restantes cantoras (chamadas kantaderas di kunpanha). Esses versos, provérbios improvisados, que abordam temas diversos do quotidiano desde o louvar a certas personalidades até críticas sociais, são chamados finason. Essa estrutura de canto-resposta continua até o segundo movimento.
O segundo movimento é chamado txabéta. Este movimento corresponde a um clímax orquestral, em que todas as executantes efectuam o mesmo batimento polirrítmico em uníssono, e todas as cantoras cantam o mesmo verso em uníssono, que funciona como refrão.
Modernamente, o batuque tem sido composto de outra forma por compositores recentes. A música apoia-se num suporte polifónico (sequência de acordes), e apresenta uma estrutura similar aos outros géneros musicais de Cabo Verde, em que as estrofes musicais vão alternando com um refrão.
Como dança, o batuque tradicional desenrola-se segundo um ritual preciso.
Numa sessão de batuque, um conjunto de intérpretes (quase sempre unicamente mulheres) organizam-se em círculo num cenário chamado terreru. Esse cenário não tem de ser um lugar específico, pode ser um quintal de uma casa ou no exterior, numa praça pública, por exemplo.
A peça musical começa com as executantes (que podem ou não ser simultaneamente batukaderas e kantaderas) desempenhando o primeiro movimento, enquanto que uma das executantes dirige-se para o interior do círculo para efectuar a dança. Neste primeiro movimento a dança é feita apenas com o oscilar do corpo, com o movimento alternado das pernas a marcar o tempo forte do ritmo.
No segundo movimento, enquanto as executantes interpretam o ritmo e o canto em uníssono, a executante que está a dançar muda a dança. Neste caso, a dança (chamada da ku tornu) é feita com um requebrar das ancas, conseguido através de flexões rápidas dos joelhos, acompanhando o ritmo.
Quando a peça musical acaba, a executante que estava a dançar retira-se, outra vem substitui-la, e inicia-se uma nova peça musical. Estas interpretações podem arrastar-se por horas.
O batuque é provavelmente o género musical mais antigo de Cabo Verde, mas só há registos escritos acerca do batuque a partir do séc. XIX. Presentemente só se encontra na ilha de Santiago, e é no Tarrafal onde se vive com mais intensidade este género musical. Todavia, há indícios que já existiu em todas as ilhas de Cabo Verde.
Segundo Carlos Gonçalves[3], o batuque não seria um género musical transposto do continente africano.O batuque sempre foi hostilizado pela administração portuguesa, por ser considerado «africano», e pela Igreja, mas foi durante a política do Estado Novo que essa perseguição foi mais forte. O batuque chegou a ser proibido nos centros urbanos, e chegou a estar moribundo a partir dos anos 50. Depois da independência houve um interesse em fazer ressurgir certos géneros musicais. Mas é nos anos 90 que o batuque teve um verdadeiro renascimento, com jovens compositores (Orlando Pantera, Tcheka, Vadú, etc.) fazendo trabalhos de pesquisa e conferindo uma nova forma ao batuque, sendo interpretado por também jovens cantores (Lura, Mayra Andrade, Nancy Vieira, etc.).

Flamenco

2008-02-22T13:33:00.000-08:00

O flamenco é um estilo musical e um tipo de dança fortemente influenciado pela cultura cigana, mas que tem raízes mais profundas na cultura musical mourisca, influência de árabes e judeus. A cultura do flamenco é associada principalmente a Andaluzia na Espanha, e tornou-se um dos ícones da música espanhola e até mesmo da cultura espanhola em geral.

O "novo flamenco" é uma variação recente do flamenco que sofreu influências da música moderna, como a rumba, a Salsa, o pop, o rock e o jazz
Originalmente, o flamenco consistia apenas de canto (cante) sem acompanhamento. Depois começou a ser acompanhado por guitarra (toque), palmas, sapateado e dança (baile). O “toque” e o “baile” podem também ser utilizados sem o “cante”, embora o canto permaneça no coração da tradição do flamenco. Mais recentemente outros instrumentos como o “cájon” (uma caixa de madeira usada como percussão) e as castanholas foram também introduzidos.
Muitos dos detalhes do desenvolvimento do flamenco foram perdidos na história da Espanha e existem várias razões para essa falta de evidências históricas:
Os tempos turbulentos dos povos envolvidos na cultura do flamenco. Os mouros, os ciganos e os judeus foram todos perseguidos e expulsos pela inquisição espanhola em diversos tempos durante a “Reconquista”
Os ciganos possuíam principalmente uma cultura oral. As suas músicas eram passadas às novas gerações através de actuações em comunidade
O flamenco não foi considerado uma forma arte sobre a qual valesse a pena escrever durante muito tempo. Durante a sua existência, o flamenco esteve dentro e fora de moda por diversas vezes.
Granada, o último reduto dos mouros, caiu em 1492, quando os exércitos de Fernando II de Aragão e Isabel I de Castela (os reis católicos) reconquistaram esta cidade após cerca de 800 anos de domínio muçulmano. O Tratado de Granada foi criado para assegurar as bases da tolerância religiosa, conseguindo com isso que os muçulmanos se rendessem pacificamente. Durante alguns anos existiu uma tensa calma em Granada e à sua volta, no entanto, à inquisição não lhe agradava a tolerância religiosa relativamente aos judeus e aos muçulmanos e conseguiu convencer Fernando e Isabel a quebrarem o tratado e a forçar os judeus e os mouros a converterem-se a cristianismo ou deixarem a Espanha de vez. Em 1499, cerca de 50.000 mouros foram coagidos a tomar parte de um baptismo em massa. Durante a rebelião que se seguiu, as pessoas que recusaram baptizar-se ou serem deportadas para África, foram pura e simplesmente eliminadas. Como consequência desta situação, assistiu-se à fuga de mouros, ciganos e judeus para as montanhas e regiões rurais.
Foi nesta situação social e economicamente difícil que as culturas musicais de judeus, ciganos e mouros começaram a fundir-se no que se tornaria a forma básica do flamenco: O estilo de cantar dos mouros, que expressava a sua vida difícil na Andaluzia, as diferentes “compas” (estilos rítmicos), palmas ritmadas e movimentos de dança básicos. Muitas das músicas flamencas aindas reflectem o espírito desesperado, a luta, a esperança, o orgulho e as festas nocturnas durante essa época. Música mais recente de outras regiões de Espanha, influenciaram e foram influenciadas pelo estilo tradicional do flamenco.
Durante a chamada época de ouro do flamenco, entre 1869 e 1910, o flamenco desenvolveu-se rapidamente nos chamados “cafés cantantes”. Os dançarinos de flamenco também se tornaram numa das maiores atracções para o público desses cafés. Ao mesmo tempo, os guitarristas que suportavam esses dançarinos, foram ganhando reputação e dessa forma, nasceu, como uma arte própria, a guitarra do flamenco. Julián Arcas foi um dos primeiros compositores a escrever música flamenca especialmente para a guitarra.
Pintura de Edouard ManetA guitarra flamenca,e a muito parecida guitarra clássica, é descendente do alaúde. Pensa-se que as primeiras guitarras terão aparecido em Espanha no século XV. A guitarra de flamenco tradicional é feita de madeira de cipreste e abeto, é mais leve e um pouco menor que a guitarra clássica, com o objectivo de produzir um som mais agudo.
Em 1922, um dos maiores escritores espanhóis, Federico García Lorca e o compositor de renome Manuel de Falla organizaram a “Fiesta del cante jondo”, um festival de música folclórica dedicada ao “cante jondo”. Fizeram-no a fim de estimular o interesse no flamenco que nessa altura estava fora de moda. Dois dos mais importantes poemas de Lorca, “Poema del cante jondo” e Romancero gitano”, mostram a fascinação que este tinha pelo flamenco.

Xote

2008-02-22T13:27:00.000-08:00

Xote é, atualmente no Brasil, uma modalidade de Forró. O xote se originou a partir de uma dança típica de Portugal do século XIX, trazida ao país pelos colonizadores europeus e, a partir daí, caído no gosto dos escravos brasileiros.
O xote é dançado devagar, é encostar a cabeça no ombro do parceiro, fechar os olhos, e dois pra lá e dois pra cá, é uma dança bem chão, ou seja pés no chão. Os dançarinos usam com roupa as meninas vestidos até o joelho ou tornozelo, bem rodados, fitas e qualquer outras coisas no cabelo enfeitando como rosas, já os homens calças e camisas estampadas, uma bela música de xote devagar e é só dança. O ritmo inspira muita sensualidade e também nos seus movimentos. Xote é uma modalidade do baião, é um ritmo mais lento, romântico, no qual o casal dança lento com poucas evoluções e está sempre com caráter sensual, meio jocoso.
XOTE BRAGANTINO
O "Xote" (Schotinch) tem sua origem na mais famosa dança folclórica da Escócia na segunda metade do século XIX. Aos poucos foi conquistando a Europa. Na Alemanha ganhou um ritmo valsado pela influência da Valsa Vienense. Na Inglaterra a dança era saltitante. Já na França os passos ganharam ritmo semi- clássico, com um andamento um tanto mais lento que o atual. Talvez por causa da indumentária feminina que, naquela época, dificultava os movimentos rápidos. Trazida para o Brasil pelos colonizadores, despertou, desde o início, um grande interesse no povo brasileiro que, por sua vez, também fez seus acréscimos. No Estado do Pará os portugueses cultivavam o chote com bastante entusiasmo em todas as reuniões festivas assistidas de longe pelos escravos africanos. A dança foi aproveitada, de fato, pelos negros em 1798, quando eles fundaram a Irmandade de São Benedito, no município de Bragança, que deu origem à Marujada. Outras danças de origem européia também vieram formar o novo ritmo, mas é no "Xote" que está o maior interesse do povo bragantino nas apresentações públicas da "Marujada". A dança é executada repetidas vezes, valendo acrescentar que até mesmo os jovens bragantinos preferem o "Xote" a qualquer outra dança popular.
Coreografia
Os movimentos coreográficos do "Xote" primitivo praticamente já não existem em Bragança. Lá o povo fez belas adaptações, criando detalhes de impressionante efeito visual, que sempre despertam grande entusiasmo em todas as pessoas que assistem e se empolgam com a graciosa desenvoltura das dançarinas.
Acompanhamento Musical
Utilizando os mesmos instrumentos típicos das demais danças folclóricas paraenses, o "Xote" tem, obrigatoriamente, solos de violino (rabeca) e o canto, puxado por um dos integrantes do conjunto musical.
O Xote gaúcho tem origem no 'schotis' europeu e sofreu aqui algumas mudanças que são naturais a qualquer manifestação cultural que tenha migrado de um continente a outro com características distintas, porém sem perder a essência de seu precursor europeu dotado de inspiradas melodias. É um dos poucos ritmos de andamento quaternário que se tem aqui no RGS, sendo que a melodia está em divisão de colcheias pode em certas partes dobrar para semi colcheias, o que serve para os executantes demonstrarem todo seu virtuosismo, principalmente o acordeon, o violão ou guitarra. Por seu andamento médio, o xote dá condições a que os pares dancem de maneira figurada realizando as mais variadas coreografias. O Xote com sua vivacidade e alegria é um gênero, cantado ou instrumental indispensável nos bailes gaúchos.

Polca

2008-02-22T13:25:00.000-08:00

Polca, estilo musical e de dança, de compasso binário, com uma figuração rítmica característica no acompanhamento. Originou-se na região da Boêmia (Império Austríaco), no início do século XIX, com difusão posterior por toda a Europa e parte da América.
Dança popular da Boêmia (parta do antigo Império Austro-Húngaro integrada à Tchecoslováquia), introduzida nos salões europeus da era pós-napoleônica com o atrativo da aproximação física dos dançarinos, ao prever duas possibilidades de evolução do par enlaçado: rodeando (um giro após seis passos, com meio giro no terceiro, e outro depois dos três últimos), ou, mais animadamente, com rápidos pulinhos nas pontas dos pés. Tudo dentro de um compasso binário simples, de movimento em allegretto, cujo ritmo à base de colcheias e semicolcheias, com breves pausas regulares no fim do compasso, permitia aos pares as novas possibilidades de aproximação dos corpos que viria a chamar popularmente de dançar agarrado.
Interpretada pela primeira vez no Brasil na noite de 3 de julho de 1845 no palco do Teatro São Pedro, no Rio de Janeiro, pelas duplas de atores Felipe e Carolina Cotton e Da Vecchi e Farina – segundo pesquisa de Vicente de Paula Araújo em jornais da época – a polca espalhou-se pelos salões de todo o país como uma espécie de febre que explicaria, inclusive, a criação em 1846 de uma Sociedade Constante Polca na côrte carioca. Cultivada por compositores de teatro musicado e amadores componentes de grupos de choro, a polca acabaria por fundir-se com outros gêneros locais de música popular desde a virada dos séculos XIX/XX, para chegar à era dos discos mecânicos. E isso demonstrado pelo levantamento de centenas de gravações, entre 1902 e 1927, de polcas dobrado, galope, fado, fadinho, lundu, tango e, ainda em criações originais tipo polca militar e polca carnavalesca.
A polca foi revivida após a década de 1930 em composições eventuais agora sob as firmas de polca-choro, polca-maxixe, polca-baião e até numa curiosa experiência de polca-canção. E mais ainda recentemente, alcançaria a glória de receber, em 1950, notícia histórica posta em música, com seu ritmo, na composição de Luís Peixoto e José Maria de Abreu E Tome Polca, gravada pela cantora Marlene.

Bebop

2008-02-22T13:15:00.000-08:00

O Bebop representa uma das correntes mais influentes do Jazz.
O nome "Bebop" provém da onomatopéia feita ao imitar o som das centenas de martelos que batiam no metal na construção das ferrovias americanas, gerando uma "melodia" cheia de pequenas notas. Segundo alguns jazzistas, as melodias ágeis e velozes do seu estilo musical se assemelhavam ao som produzido pelos martelos nas obras das ferrovias.
O bebop privilegia os pequenos conjuntos, como os trios, os quartetos e os solistas de grande virtuosismo. Talvez o elemento que sofreu a maior modificação dentro da revolução bebop tenha sido o ritmo, com a proliferação de síncopas e de figuras rítmicas complexas. O fraseado é flexível, nervoso, cheio de saltos que exigem uma técnica instrumental muito desenvolvida. Além dos fundadores Charlie Parker e Dizzy Gillespie, encontramos entre os expoentes do bebop os músicos que se encontravam regularmente no "Minton´s Playhouse", clube localizado em um bairro de Manhattan em Nova York chamado "Harlem" e na 52nd Street, como o pianista Thelonious Monk, Miles Davis e John Coltrane, os bateristas Kenny Clarke e Max Roach e o guitarrista Charlie Christian; e também o vibrafonista Milt Jackson, o pianista Bud Powell e o trombonista Jay Jay Johnson.
Um clássico do Bebop é Donna Lee, de Charlie Parker.
Várias escolas e estilos jazzísticos se sucederam ao longo do tempo, enriquecendo o estilo e adaptando-o aos diferentes contextos históricos: seguiram-se a sistematização e a organização impostas primeiramente pelas bandas que se iam formando nos diversos centros urbanos dos Estados Unidos e, depois, pelas Big Bands da era do Swing, na década de 1930. O jazz ganha, assim, uma identidade que o vai firmar como um estilo musical autônomo. Assim Bebop. Ele representava uma tentativa de libertar o jazzista das amarras impostas pela música padronizada do swing.
O jazz voltava a ser a música que tocava nos cabarés, nos bordéis e nos inferninhos – lugares que o homem comum sempre freqüentou. Os monstros sagrados do jazz tocavam em bares, casas de shows e cabarés populares.
Com o Bebop, o jazz retoma as suas raízes improvisatórias, já que a era do swing havia transformado o jazz numa grande linha de montagem musical. À música estandardizada característica da era do swing, os Boppers contrapuseram uma música essencialmente dissonante, tortuosa, em que a norma era justamente a subversão da previsibilidade melódica. O bebop representou, assim, a revolução do jazz moderno.

Street Dance

2008-02-22T13:11:00.000-08:00

As primeiras manifestações surgiram na época da grande crise econômica dos EUA, em 1929, quando os músicos e dançarinos que trabalhavam nos cabarés ficaram desempregados e foram para as ruas fazer seus shows.
Em 1967, o cantor James Brown lançou essa dança através do Funk (é preciso deixar bem claro que o funk carioca NÃO É IGUAL ao funk original imortalizado além de James Brown, pelo Le Gusta, Paula Lima, Tim Maia, Ed Motta, Jorge Ben, Seu Jorge, Funk N' Lata, Olodum, Sandra de Sá, Thaide e DJ Hum, Funk dos anos 80 em geral, Aretha Franklin, Marvin Gaye, Funkadelic, entre outros.). O funk carioca é conhecido como "pancadão"
O Breaking, uma das vertentes do Street Dance, explodiu nos EUA em 1981 e se expandiu mundialmente, sendo que, no Brasil, devido à sua cultura, os dançarinos incorporaram novos elementos de dança.
Em janeiro de 1991, foi criado na cidade de Santos, o primeiro curso de “Dança de Rua” no Brasil, idealizado e introduzido pelo coreógrafo e bailarino Marcelo Cirino, baseado em trabalho prático e de pesquisa, desde 1982.
O curso virou projeto e para alguns “religião”, sempre com o apoio da Secretaria de Cultura da Prefeitura Municipal de Santos.
Hoje sua repercussão mundial, retrata o reconhecimento do trabalho e não um simples modismo.
Existem dois tipos de danças de ruas. A dança de rua vinculada ao movimento Hip Hop e a dança de rua vinculada às academias e estúdios de dança, o famoso street dance.
No Street Dance nós podemos caracterizar essas informações abaixo como:
1 - Um trabalho de coordenação motora com ritmo e musicalidade.
2 - Nesse ritmo, dá-se mais atenção aos movimentos fortes e enérgicos executados pelos braços, pernas, movimentos acrobaticos coregrafados, saltos e saltos mortais. Sempre saem bons resultados com grupos grandes (pelas figuras que formam).
3 - No início de sua difusão a maioria dos dançarinos de street dance eram homens, porém hoje encontra-se um maior espaço para todos os gêneros sexuais.
4 - São usadas músicas que tenham batidas fortes e marcantes,algumas músicas eletrônicas e em geral músicas cantadas em cima dos breakbeats.
5 - No Brasil a dança teve seu início marcado pelo grupo Dança de Rua do Brasil que abriu espaço para muitos outros grupos importantes como: Street Soul sob orientação de Ana Cristina (Curitiba-Paraná), Heart Beat e cia. sob orientação de Octávio Nassur (Curitiba Paraná), Companhia de perfomance sob Orientação de Tatiana Sanchis (São Paulo -SP), Ritmos de Rua sob orientação de Edson Guiu (São Paulo - SP), The Face com direção de Haysten,(São Paulo-sp)the master fênix com direção de Max Anderson entre outros.
a Dança de Rua quando vinculada ao movimento Hip Hop toma um outro sentido na história e em sua formação.
Hip (inglês) - quadril // Hop (inglês) - pulo
1 - Existem três estilos de dança dentro do Hip Hop (alguns podem considerar quatro já veremos por que):
a)O Breaking, executados pelos B.Boys ou B.Girls
b)O Locking, executados por lockers
c)O Popping, executado por poppers
2 - O "Break Beat" é a batida de fundo repetitiva muito conhecida pelos Mcs em seus shows, os Djs entram e tocam a música e os dançarinos (b.boys ou b.girls) fazem a sua dança nessa batida da música.
3 - Difere-se do Street Dance pois o Hip Hop utiliza-se das danças sociais conhecidas como, harlem shake, happing feet, monastery e etc, enquanto o Street Dance além desses estilos se utiliza também das linguagens corporais do Jazz, Dança Contemporânea, e outros movimentos conhecidos pelo corpo do dançarino e do coreografo. Em outras palavras, o Hip Hop é um estilo de dança mais dinâmico, já que este veio de festas enquanto o Street Dance de academias se limita mais as coreografias.
4 - Uma das grandes características do Street Dance vinculada ao Hip Hop é a improvisação, que algo momentâneo e acontece com mistura de linguagens entre, encenação teatral, mímica e dança.
5 - Tem seu nascimento nos Estados Unidos da América, o leste e o oeste norte americano tem expoentes diferentes de estilos e de representantes no Street Dance.

Death metal

2008-02-22T13:03:00.000-08:00

O death metal é uma das diversas ramificações do heavy metal. Surgiu simultaneamente em várias partes do mundo, como EUA, Brasil e Suécia, na década de 1980. O estilo tem raízes no thrash metal, porém ele apresenta mais agressividade que seu antecessor, letras com temas niilistas, sobre violência, morte e sobre a fragilidade da vida humana.
O vocal gutural é uma das características mais notáveis das bandas de death metal. Os vocais normalmente são guturais graves (podendo ter algumas variações para guturais agudos).
A bateria é mais cadenciada e faz uso intensivo da técnica de "Blast Beat" (técnicas herdadas do Jazz e Fusion) que emite um som semelhante ao de uma "metralhadora".
As letras das bandas do estilo possuem temas mórbidos relacionados à morte, violência, filmes de terror, filosofia, batalhas épicas,e até mesmo algumas sobre o Satanismo, etc.
O death metal às vezes é confundido com outras formas de metal extremo como o black metal por ambos possuírem algumas características em comum, como o vocal gutural e sua extrema agressividade.
Os primóridos do gênero se encontram nas primeiras bandas que fundiram o peso do Heavy metal com a velocidade e crueza do Punk Hardcore: o Venom, do lado Metal, e o Discharge e a banda da Inglaterra GBH (abreviação de Grievous Bodily Harm), do lado Punk Rock.
Cabe dizer que essas mesmas bandas influenciaram o advento do Thrash metal nos Estados Unidos. Deste gênero, a mais importante para o Death Metal, de longe, é o Slayer. Sua influência é assombrosa na segunda geração do Death Metal, principalmente naquelas do cenário de Tampa Bay, Flórida (Death, Morbid Angel, Deicide, Monstrosity, Cynic e Obituary, entre outros).
Por volta de 1983, bandas como Death, Possessed e Master começaram a se formar. Alguns acham que o death metal feito nesta época tinha influências muito profundas do thrash metal e preferem chamar o estilo musical dos álbuns lançados neste período de pós-thrash. A descrição mais apropriada para o gênero musical destas bandas seria o de um thrash metal mais agressivo, os primeiros exemplos deste gênero são: o álbum Seven Churches de do Possessed (considerado por muitos o primeiro álbum de death metal da história) e diversas demonstrações do Death, que na época ainda se chamava Mantas. Uma das mais importantes destas demos foi a Death by Metal, que muitos acreditam que foi de onde surgiu o nome da banda Death e do estilo musical death metal.
A partir de 1988 a sonoridade destas bandas evoluiu para o death metal, consolidando um novo estilo musical bem diferente do thrash metal.

Death metal melódico

2008-02-22T12:59:00.000-08:00

O Death metal melódico, também chamado de melodic death metal ou melodeath, é um subgênero do death metal. Como o nome sugere, ele é mais melódico, menos brutal e tem mais solos de guitarra do que seu gênero-mãe. Também há presença de vocal limpo em algumas partes de algumas músicas, ao invés do vocal gutural ou rasgado em todas as músicas, como acontece no death metal puro.
As bandas precursoras desta variação do death metal foram o Dismember, Dissection, In Flames, Dark Tranquillity, At The Gates, e Carcass.
A cidade de Gotemburgo, Suécia, é considerada a cidade onde o death metal melódico "mora". Muitas bandas originárias de lá aderiram a esse som e, por isto, o death metal melódico também é muitas vezes chamado de Gothenburg Metal. Algumas bandas dessa cidade são: In Flames, At The Gates, Arch Enemy, Soilwork e Dark Tranquillity.
Existe um grande debate entre os apreciadores de Metal sobre casos de bandas como o Children of Bodom, que fazem um som que alguns chamam de Death Metal melódico, enquanto outros chamam de Power/speed metal extremo, isto é, uma mistura de Power Metal e Speed Metal, só que mais pesados e com uso de vocal gutural ou rasgado. Um dos argumentos dos que defendem este termo para o Children of Bodom é de que há uma grande semelhança entre este e a banda de power metal Stratovarius. Muitas instâncias do som das duas bandas se parecem. Devido a isso, muitos apelidam o Children of Bodom de "Stratovarius do Inferno".
Outras bandas que estão dentro desta discussão são o Kalmah e o Norther.

Gothic metal

2008-02-22T12:50:00.000-08:00

O Gothic Metal, também conhecido como Goth Metal ou Metal Gótico caracteriza-se por seu clima melancólico e um enfoque sombrio em temas como religião, sexualidade e morte. A maioria das bandas do gênero utilizam elementos da Música erudita como coros e orquestras (produzidos, na maioria das vezes, por sintetizadores). Vocais líricos também são utilizados.
O termo foi cunhado por Nick Holmes, vocalista do Paradise Lost.
O Goth Metal é considerado um gênero musical bastante amplo gerando diversas discussões sobre o que é necessário para uma banda ser considerada do estilo Gothic Metal. Alguns pontos comuns entre estas bandas podem ser citados abaixo:

Os violões estão presentes em diversas canções de bandas de gothic metal, principalmente nas bandas que possuem dois guitarristas.
A afinação dos instrumentos de corda tende a ser mais grave que o normal ; variam entre D (Tiamat, Paradise Lost), (My Dying Bride), ou até B (Type O Negative, Lacuna Coil.
Os teclados tem um papel de destaque neste estilo, muitas vezes substituíndo uma das guitarras. Os teclados são também utilizados para simular outros instrumentos em sua maioria de sopro ou de cordas. Os teclados tendem a auxiliar o baixo na criação da atmosfera e clima das canções.
Os vocais podem ser feitos por um vocal tanto masculino quanto feminino, ou mesmo ambos. Os vocais masculinos podem ser tanto de um tenor ou barítono quanto guturais. Já os vocais femininos tendem a ser agudos e operísticos (geralmente soprano), por vezes cantados em um tom regular com vários efeitos de reverberação. Nos backing vocals temos a utilização de coros e de canto gregoriano.
A atmosfera das canções de Gothic Metal é sombria, porém sem a lentidão do Doom metal ou a virtuose do symphonic metal e do power metal (estilos musicais às vezes associados ao Gothic Metal, por causa de bandas como Nightwish e Within Temptation).
Além da sua cadência sombria, a característica mais marcante do Goth metal é sua natureza "progressista". De Fado (Moonspell), Trip Hop (My Dying Bride) à Rock alternativo (Katatonia), os grupos de Gothic metal sempre estiveram dispostos a experimentar para transcender as barreiras do metal underground.
As letras do Gothic Metal abordam geralmente religião, horror, romances e histórias de fantasia que terminam em tragédia para as partes envolvidas. O cenário destas histórias é geralmente medieval ou New Age, mas muitos também se passam na era vitoriana, era romana ou na era moderna. Estas características são notadas em diversas bandas de Gothic Metal porém não são um pré-requisito.
É comum ver álbuns conceituais de Gothic Metal, onde as músicas do álbum são relacionadas de forma a contar uma única história como capítulos de um livro. Isto inspira os fãs a ouvirem o álbum por completo em vez de apenas algumas canções. Os álbuns Seclusion da banda Penumbra e Sufferion - Hamartia of Prudence da banda Silentium são alguns exemplos de álbuns conceituais de gothic metal.
Nos EUA o estilo foi capitaneado pelo Danzig, Shadow Project (a então nova banda de Rozz Williams) e o Type O Negative (à partir do Bloody Kisses). O Christian Death segue logo depois, assumindo definitivamente a influência do Heavy metal com três dos melhores álbums de sua carreira: Sexy Death God (1994), Prophecies (1996) e Pornographic Messiah (1998).
Mesmo tendo o mérito de aparecer ligeiramente antes dos grupos europeus de Goth metal, os representantes do estilo nos EUA tem uma grande desvantagem: eles nunca fizeram parte de uma "cena" coesa, tendo pouco ou nenhum contato entre si (com exceção das brigas entre o Christian Death pós-Williams e o Shadow Project).
O primeiro disco de Gothic Metal - apesar do termo ainda não ter sido cunhado - foi Icon (1993), do Paradise Lost. A banda simplificou suas músicas e se livrou dos riffs de Death metal e dos andamentos lúgubres do Doom metal. Nick Holmes também substituiu o seu vocal gutural por um timbre de voz bem parecido com o de James Hetfield (Metallica).
No mesmo ano é lançado Serenades do Anathema. Apesar de musicalmente situado dentro do Doom / Death Metal, o álbum tinha "Sleepless", um meio termo entre The Cure e Metallica que viria a ser, diretamente ou indiretamente, um modelo a ser seguido no emergente Gothic Metal.
Por último temos o Wildhoney (1994), do Tiamat. Considerado inclassificável quando lançado (não parecia com nada do underground metállico da época), o disco criou um novo precedente no mundo do Heavy metal. Wildhoney juntou mundos díspares - Slayer com Pink Floyd, p. ex. - e acabou sendo um dos álbums que definiu o Gothic metal. Seu clima melancólico, seus experimentalismos floydianos e alternância de Edlund entre seu vocal gutural e seu vocal mais "cantado" ainda servem de referência até hoje para muitas bandas de Gothic Metal.

MPB

2008-02-22T12:47:00.000-08:00

Música popular do Brasil
A Música Popular Brasileira, ou MPB, é um gênero musical brasileiro. Apreciado principalmente pelas classes médias urbanas do Brasil, a MPB surgiu a partir de 1966,com a segunda geração da Bossa Nova. Depois, a MPB passou abranger outras misturas de ritmos como a do Rock e o Samba, dando origem a um estilo conhecido como Samba-Rock, a do Música Pop e do Samba, tendo como artistas famosos Gilberto Gil, Chico Buarque e outros e no final da década de 1990 a mistura da Música latina influenciada pelo Reggae e o Samba, dando origem a um gênero conhecido como Samba-reggae.
Apesar de abrangente, a MPB não deve ser confundida com Música do Brasil, em que esta abarca diversos gêneros da música nacional, entre os quais o Baião, a Bossa Nova, o Choro, o Frevo, o Samba Rock, o Forró, o Samba-reggae e a própria MPB.
A MPB surgiu exatamente em um momento de declínio da Bossa Nova, gênero renovador na música brasileira surgido na segunda metade da década de 1950. Influenciado pelo jazz norte-americano, a Bossa Nova deu novas marcas ao samba tradicional.
Arrastão, Vinícius de Moraes
Mas já na primeira metade da década de 1960, a Bossa Nova passaria por transformações e, a partir de uma nova geração de compositores, o movimento chegaria ao fim já na segunda metade daquela década. Uma canção que marca o fim da Bossa Nova e o início daquilo que se passaria a chamar de MPB é Arrastão, de Vinícius de Moraes (um dos percursores da Bossa) e Edu Lobo (músico novato que fazia parte de uma onda de renovação do movimento, marcada notadamente por um nacionalismo e uma reaproximação com o samba tradicional, como de Cartola).
Arrastão foi defendida, em 1965, por Elis Regina no I Festival de Música Popular Brasileira (TV Excelsior, Guarujá-SP). A partir dali, difundiriam-se artistas novatos, filhos da Bossa Nova, como Geraldo Vandré, Taiguara, Edu Lobo e Chico Buarque de Hollanda, que apareciam com freqüência em festivais de música popular. Bem-sucedidos como artistas, eles tinham pouco ou quase nada de bossa nova. Vencedoras do II Festival de Música Popular Brasileira, (São Paulo em 1966), Disparada, de Geraldo, e A Banda, de Chico, podem ser consideradas marcos desta ruptura e mutação da Bossa para MPB.
Era o início do que se rotularia como MPB, um gênero difuso que abarcaria diversas tendências da música brasileira durante as décadas seguintes. A MPB começou com um perfil marcadamente nacionalista, mas foi mudando e incorporando elementos de procedências várias, até pela pouca resistência, por parte dos músicos, em misturar gêneros musicais. Esta diversidade é até saudada e uma das marcas deste gênero musical. Pela própria hibridez é difícil defini-la.

Bossa Nova

2008-02-22T12:41:00.000-08:00

Movimento renovador da música popular brasileira, surgido no Rio de Janeiro, na década de 1950. Caracterizou-se por harmonias elaboradas e letras coloquiais.
A bossa nova é um movimento da música popular brasileira surgido no final da década de 1950 e início da de 1960. De início, o termo era apenas relativo a um novo modo de cantar e tocar samba naquela época. Anos depois, Bossa Nova se tornaria um dos gêneros musicais brasileiros mais conhecidos em todo o mundo, especialmente associado a João Gilberto, Vinicius de Moraes, Antonio Carlos Jobim e Luiz Bonfá.
A palavra bossa apareceu pela primeira vez na década de 1930, em Coisas Nossas, samba do popular cantor Noel Rosa: O samba, a prontidão/e outras bossas,/são nossas coisas(...). A expressão bossa nova passou a ser utilizada também na década seguinte para aqueles sambas de breque, baseado no talento de improvisar paradas súbitas durante a música para encaixar falas.
Alguns críticos musicais destacam a grande influência que a cultura estadosunidense do Pós-Guerra combinada ao impressionismo erudito, de Debussy e Ravel, teve na bossa nova, especialmente do jazz. Além disso, havia um fundamental inconformismo com o formato musical de época,
Um embrião do movimento, já na década de 1950, eram as reuniões casuais, frutos de encontros de um grupo de músicos da classe média carioca em apartamentos da zona sul, como o de Nara Leão, na Avendia Atlântica, em Copacabana. Nestes encontros, cada vez mais frequëntes, a partir de 1957, um grupo se reunia para fazer e ouvir música. Dentre os participantes estavam novos compositores da música brasileira, como Billy Blanco, Carlos Lyra, Roberto Menescal e Sérgio Ricardo, entre outros. O grupo foi aumentando, abraçando também Chico Feitosa, João Gilberto, Luiz Carlos Vinhas, Ronaldo Bôscoli, entre outros.
Primeiro movimento musical brasileiro egresso das faculdades, já que os primeiros concertos foram realizados em âmbito universitário, pouco a pouco aquilo que se tornaria a bossa nova foi ocupando bares do circuito de Copacabana, no chamado Beco das Garrafas.
Movimento que ficou associado ao crescimento urbano brasileiro -implusionado pela fase desenvolvimentista da presidência de Juscelino Kubitschek (1955-1960)-, a bossa nova iniciou-se para muitos críticos quando foi lançado, em agosto de 1958, um compacto simples do violonista baiano João Gilberto (considerado o papa do movimento), contendo as canções Chega de Saudade (Tom Jobim e Vinicius de Moraes) e Bim Bom (do próprio cantor).
Meses antes, João participara de Canção do Amor Demais, um álbum lançado em maio daquele mesmo ano e exclusivamente dedicado às canções da iniciante dupla Tom/Vinicius, interpretado pela cantora fluminense Elizeth Cardoso. De acordo com o escritor Ruy Castro (em seu livro Chega de saudade, de 1990), este LP não foi um sucesso imediato ao ser lançado, mas o disco pode ser considerado um dos marcos da bossa nova, não só por ter trazido algumas das mais clássicas composições do gênero - entre as quais, Luciana, Estrada Branca, Outra Vez e Chega de Saudade-, como também pela célebre batida do violão de João Gilberto, com seus acordes dissonantes e inspirados no jazz norte-americano - influência esta que daria argumentos aos críticos da bossa nova.
Outras das características do movimento eram suas letras que, contrastando com os sucessos de até então, abordavam temáticas leves e descompromissadas - exemplo disto, Meditação, de Tom Jobim e Newton Mendonça. A forma de cantar também se diferenciava da que se tinha na época. Segundo o maestro Júlio Medaglia, "desenvolver-se-ia a prática do canto-falado ou do cantar baixinho, do texto bem pronunciado, do tom coloquial da narrativa musical, do acompanhamento e canto integrando-se mutuamente, em lugar da valorização da 'grande voz'"[2].
Em 1959, era lançado o primeiro LP de João Gilberto, Chega de saudade, contendo a faixa-título - canção com cerca de 100 regravações feitas por artistas brasileiros e estrangeiros. A partir dali, a bossa nova era uma realidade. Além de João, parte do repertório clássico do movimento deve-se as parcerias de Tom Jobim e Vinícius de Moraes. Consta-se, segundo muitos afirmam, que o espírito bossa-novista já se encontrava na música que Jobim e Moraes fizeram, em 1956, para a peça Orfeu da Conceição, primeira parceria da dupla, que esteve perto de não acontecer, uma vez que Vinícius primeiro entrou em contato com Vadico, o famoso parceiro de Noel Rosa e ex-membro do Bando da Lua, para fazer a trilha sonora. É dessa peça, baseada na tragédia Grega Orfeu, uma das belas composições de Tom e Vinícius, "Se todos fossem iguais a você", já prenunciando os elementos melódicos da Bossa Nova.
Além de Chega de saudade, os dois compuseram Garota de Ipanema, outra representativa canção da bossa nova, que se tornou a canção brasileira mais conhecida em todo o mundo, depois de Aquarela do Brasil (Ary Barroso), com mais de 169 gravações, entre as quais de Sarah Vaughan, Stan Getz, Frank Sinatra (com Tom Jobim), Ella Fitzgerald entre outros. É de Tom Jobim também, junto com Newton Mendonça, as canções Desafinado e Samba de uma Nota Só, dois dos primeiros clássicos do novo gênero musical brasileiro a serem gravados no mercado norte-americano a partir de 1960.
A história da Bossa Nova é a história de uma geração. Uma geração de jovens artistas brasileiros que acreditaram no futuro e conseguiram realizar o sonho de levar sua música aos quatro cantos do mundo.
As primeiras manifestaçôes do que viria a ser conhecido como Bossa Nova ocorreram na década de 50, na Zona Sul do Rio de Janeiro. Ali, compositores, instrumentistas e cantores intelectualizados, amantes do jazz americano e da música erudita, tiveram participação efetiva no surgimento do gênero, que conseguiu unir a alegria do ritmo brasileiro às sofisticadas harmonias do jazz americano.
Ao se falar de Bossa Nova não se pode deixar de citar Antonio Carlos Jobim, Vinicius de Moraes, Candinho, João Gilberto, Carlos Lyra, Roberto Menescal, Nara Leão, Ronaldo Bôscoli, Baden Powell, Luizinho Eça, os irmãos Castro Neves, Newton Mendonça, Chico Feitosa, Lula Freire, Durval Ferreira, Sylvia Teiles, Normando Santos, Luís Carlos Vinhas e muitos outros.
Todos eles jovens músicos, compositores e intérpretes que, cansados do estilo operístico que dominava a música brasileira até então, buscavam algo realmente novo, que traduzisse seu estilo de vida e que combinasse mais com o seu apurado gosto musical.

Lambada

2008-02-22T12:36:00.000-08:00

A lambada é um gênero musical surgido no Pará, na década de 70, tendo como base o carimbó e a guitarrada, influenciada por ritmos como a cumbia e o merengue.
Diversos relatos de paraenses contam que uma emissora local chamava de "Lambadas" as músicas mais vibrantes. O uso transformou o adjetivo em nome próprio, batizando o ritmo cuja paternidade é controversa, motivo de discussão entre músicos e pesquisadores paraenses. Porém, é fato que o músico e compositor de carimbó Pinduca lançou, em 1976, uma música intitulada "Lambada(Sambão)", faixa número 6 do LP "No embalo do carimbó e sirimbó vol. 5". É a primeira gravação de uma música sob o rótulo de "Lambada" na história da música popular brasileira. Há quem sustente a versão que o guitarrista e compositor paraense Mestre Vieira, o inventor da guitarrada , seria também o criador da lambada. Seu primeiro disco oficial, "Lambada das Quebradas", foi gravado em 1976, mas lançado oficialmente dois anos depois, em 1978.
O novo nome e a mistura do carimbó com a música metálica e eletrônica do Caribe caiu no gosto popular, conquistou o público e se estendeu, numa primeira fase, até o Nordeste. O grande sucesso, no entanto, só aconteceu após a entrada de empresários franceses no negócio.
Com uma gigantesca estrutura de marketing e músicos populares, o grupo Kaoma lançou com êxito a lambada na Europa e outros continentes. Adaptada ao ritmo, a música boliviana "Chorando se Foi" tornou-se o carro chefe da novidade pelo mundo. Também há uma vertente que diz que a dança da lambada provém do forró.
Como acontece com certa freqüência em outras situações, a valorização do produto só se deu após reconhecimento no exterior. Seguiu-se um período intenso de composições e gravações de lambadas tanto no mercado interno quanto externo. Os franceses, por exemplo, compraram de uma só vez os direitos autorais de centenas de músicas. Dezenas de grupos e diversos cantores pegaram carona no sucesso do ritmo, como Beto Barbosa, Márcia Ferreira, Manezinho do Sax, outros ainda incrementando suas carreiras, como foi o caso de Sidney Magal, Sandy e Júnior, Fafá de Belém e o grupo Trem da Alegria.
Depois dessa fase de superexposição, como acontece com quase todo fenômeno midiático, deu-se um natural desgaste com a conseqüente queda nas vendas até cessar a produção.Surgida no Pará, a música lambada tem base no carimbó e na guitarrada, influenciada por vários ritmos como a cumbia, o merengue e o zouk.
A lambada dança teve sua origem a partir de uma mudança do carimbó que passou a ser dançado por duplas abraçadas ao invés de duplas soltas. Assim como o forró, a lambada tem na polca sua referência principal para o passo básico, somando-se o balão apagado, o pião e outras figuras do maxixe.
Usa, normalmente, as cabeças dos tempos e o meio do tempo par, se começarmos a dançar no "um", para as trocas de peso (pisa-se no "um", no "dois" e no "e" - que é chamado comumente de contratempo).
A lambada chega a Porto Seguro, e ali se desenvolve. Boas referências foram a Lambada Boca da Barra, em Porto, e o Jatobar no Arraial d'Ajuda, onde desde o início também zouks (lambadas francesas) serviram para embalar os lambadeiros.
Tudo isso acontece na época do apogeu do carnaval baiano, que ditava uma moda atrás da outra, e numa delas, apresentou a lambada ao Brasil. Essa segunda fase da dança durou apenas uma temporada e foi um pouco mais abrangente que a primeira, que só havia chegado até o nordeste. Até esse ponto a lambada tinha como principal característica os casais abraçados. Era uma exigência tão forte que, quando da realização de alguns concursos, aqueles que se separassem eram desclassificados.
No exterior e aqui, a lambada torna-se um grande sucesso e em pouco tempo estava presente em filmes e praticamente todos os programas de auditório aparecendo até em novelas. É a hora dos grandes concursos e shows. A necessidade do espetáculo faz com que os dançarinos criem coreografias cada vez mais ousadas, com giros e acrobacias.

Música Chinesa

2008-02-22T12:30:00.000-08:00

China parece datar de antes da civilização chinesa, e documentos e artefatos fornecem evidência de uma cultura musical bem desenvolvida ainda na Dinastia Zhou (1122 AC - 256 AC).
A Agência de Música Imperial, estabelecida primeiro na Dinastia Qin (221-207 AC), estava muito expandida sob o império do Imperador Han Wu Di (140-87 AC) e ordenou supervisionar a música da corte e a música militar e determinou que a música folclórica estaria oficialmente reconhecida. Em dinastias subseqüentes, a revelação da música chinesa estava fortemente influenciada por músicas estrangeiras, especialmente as da Ásia Central.
A música instrumental é tocada com instrumentos de solo ou conjuntos pequenos de instrumentos de corda, flautas, e vários pratos, gongos, e tímpanos. A escala tem cinco notas. Os tubos de bambu estão entre os instrumentos musicais conhecidamente mais antigos da China. Os instrumentos estão tradicionalmente divididos em categorias baseadas em seu material de composição: pele, abóbora, bambu, madeira, seda, barro, metal e pedra. A música escrita mais antiga é Solidão da Orquídea, atribuído por Confúcio .
Na China antiga a posição dos músicos na sociedade era muito mais baixa que a dos pintores. O estudo da teoria da música não era o bastante. Mas quase todos imperadores levaram as músicas folclóricas seriamente.
Os instrumentos musicais chineses mais antigos que se conhecem hoje são 16 flautas de osso, que foram encontradas num túmulo da Idade de Pedra Polida na província Henan, durante 1996 - 1997. Testes de carbono 14 feitos por arqueólogos as dataram para 8.000 - 9.000 anos atrás! As flautas foram feitas de tíbias de gruas. A maioria delas tem 7 furos, e ao lado de alguns furos, ainda dá para ver as marcas para furar, que dividem as flautas em partes do mesmo comprimento. Há alguns furos que têm um furo menor ao lado, que provavelmente servisse para ajustar a altura dos tons. Isso mostra que as pessoas daquela época já estavam procurando a exatidão da altura dos sons, e tinham certos conhecimentos sobre a relação entre o comprimento de um tubo e a altura de som. A descoberta das flautas deu uma imagem do desenvolvimento da música dessa época, tão diferente da conhecida até então, e isso foi uma surpresa para os pesquisadores.
Além das flautas, encontraram-se mais instrumentos musicais da Idade de Pedra Polida, que são apitos de osso, Xun (um instrumento musical feito de terracota, parecido com a ocarina), sinos de terracota, Qing (um instrumento de percussão, feito de pedra ou de jade), e tambores. Esses instrumentos musicais cobrem um período bem longo e foram encontrados amplamente na China, por isso, eles devem ser os principais instrumentos musicais dessa época. Entre eles, o sino, o Qing e o tambor se desenvolveram muito na história mais tarde. E o apito, o Xun, e outros instrumentos semelhantes à flauta são utilizados até hoje entre o povo, embora eles não se transformassem muito.
Xun é um instrumento interessante. Ele é feito de terracota, tendo a forma de ovo ou variada de ovo. Xun é do tamanho de um punho médio, vazio, tem um furo no topo para tocar com a boca, e um ou alguns na "barriga" para colocar os dedos. Além da flauta, Xun é o único instrumento musical dessa época que tem mais de um tom definido. Os Xun da época primitiva têm 1 - 3 furos, que são 2 - 4 tons. Eles têm menos furos que a flauta, isso provavelmente tem alguma coisa a ver com a forma: é mais difícil calcular os furos dos tons na forma de ovo que na forma de tubo. Do Xun à flauta, pode-se ver o desenvolvimento da escala.
Um outro livro "Lü Shi Chun Qiu" - "A Primavera e o Outono de Lü" - registra vivamente a celebração e o sacrifício feitos depois de uma boa colheita:
"Com a música de Ge Tian, três pessoas pegam rabos de vacas, batem os pés no chão e cantam oito cantos: 'carregar o povo', 'o pássaro negro', 'correr atrás dos matos', 'trabalhar por mais cereais', 'respeitar as regras do céu', 'realizar as funções do imperador', 'obedecer ao moral da terra', 'reunir todos os bichos e os pássaros'."
Neste período, não havia divisão do trabalho com respeito à música e da dança, nem havia músicos profissionais. Estas atividades eram para a sociedade toda. A música e a dança ainda não se separavam da sociedade, nem eram formas artísticas especiais.
A separação aconteceu provavelmente no século 21 a.C., na Dinastia Xia. Fala-se que os imperadores da Dinastia Xia sempre usavam danças e músicas de grande escala para se divertirem, e músicos e dançarinos apareceram na sociedade. Isso é um símbolo que a música e a dança se tornaram um arte na sociedade humana.
Esta época consiste das dinastias Song (960 - 1279), Yuan (1271 - 1368), Ming (1368 - 1644) e Qing (1644 - 1911). Neste período, não só as músicas principais anteriores continuaram se desenvolvendo, mas também nasceram muitos novos tipos de músicas, ambas a música vocal e a música instrumental avançaram muito e formaram a base da música chinesa moderna.
As performances do povo no mercado consistiram de uma boa variedade: diversos tipos de músicas e óperas, cantos, danças, histórias cantadas, comédias, e acrobacias, etc. A música, inclusive o conteúdo e a forma, estava mudando continuamente no mercado.
Um tipo de ópera poética surgiu neste período no norte da China e se chamou Za Ju; era uma combinação de música, dança, canto, comédia e acrobacia. Ele consistia de três partes: a primeira parte era introdutória, que apresentava coisas acontecendo diariamente na vida; a segunda era a parte principal, que apresentava histórias, cantos e danças; a terceira era uma parte engraçada, que consistia de piadas, performances divertidas e acrobacias. As músicas utilizadas em Za Ju vieram de origens diferentes, tanto da música imperial quanto da música folclórica.
No século 12, apareceu no sul da China um novo tipo de ópera, chamada de Nan Xi - "a Ópera do Sul". Essa nova ópera do sul era diferente da do norte, ela abandonou a estrutura de três partes de Za Ju e se concentrou em contar histórias. Em Za Ju, somente o principal personagem podia cantar; em Nan Xi, todos os personagens podiam cantar; aí surgiram outras formas de canto: solo, coro, e diálogos cantados. A forma de expressão musical se ampliou.
Na Dinastia Yuan (1271 - 1368), apareceu uma nova ópera: Za Ju de Yuan, ela era diferente de Za Ju de Song ou de Nan Xi. Za Ju de Yuan consistia de quatro atos e um prólogo. Ambas, a trama e a melodia de Za Ju de Yuan eram bem elevadas. Conduzida pela Za Ju, a arte de ópera chegou a um ponto alto. Muitos libretos dessa época passaram gerações e gerações, e ainda estão vivos no palco.
Mas Nan Xi existia ao mesmo tempo, e uma coisa que deixou Nan Xi mais forte que Za Ju de Yuan foi que em Nan Xi, todos os personagens podiam cantar, quando em Za Ju somente o personagem principal podia. Depois que o governo de Yuan reuniu o norte e o sul, Za Ju de Yuan entrou no sul e quase substituiu Nan Xi. Mas no meio de Yuan, com a forma mais livre, Nan Xi primeiro se misturou com Za Ju e combinou as vantagens das duas. Za Ju começou aí a declinar.
Ao longo do desenvolvimento da arte da ópera, apareceu a primeira monografia sobre a teoria da atuação da ópera, que é Chang Lun - "a Teoria de Cantar", escrito por Yan Nanzhian. E Zhong Yuan Yin Yun - "a Fonética do Centro", escrito por Zhou Deqing, é o primeiro livro sobre a fonologia do norte; ele classificou a pronúncia da língua do norte em quatro tons, que teve grande influência sobre a pesquisa da fonologia e o desenvolvimento da música e da ópera mais tarde.
Até hoje, a música do norte e a do sul da China são diferentes: a música do norte é mais forte e vigorosa, a do sul é mais branda. Esta diferença provavelmente veio dessa época. Algumas músicas de Za Ju de Song foram mantidas e existem na música de hoje do sul.

Música do Japão

2008-02-22T12:26:00.000-08:00

A música japonesa pode ser subdivida em duas vertentes: a clássica e a folclórica. Dentro do ramo clássico temos diversos estilos que surgiram durante as diversas eras culturais da história japonesa.
Durante a era Nara (710-794) houve no Japão um forte intercâmbio cultural com a China. Neste período foi introduzido o Gagaku no Japão, que viria a se tornar a música da côrte japonesa.
O desenvolvimento musical se deu na era seguinte, a era Heian (794-1192). As músicas que vieram do continente asiático passaram por um processo de sofisticação passando a ter características claramente japonesas. O Gagaku passa a ser cultivado pela nobreza. Ela é uma música solene muitas vezes acompanhado de dança, executado com instrumentos de sopro (Sho - harmônica, Hichiriki - flauta vertical de palheta simples, Ryuteki e Komabue - flautas horizontais), intromentos de corda (Sô e Wagon - tipos de koto, harpas horizontais; Biwa - espécie de balalaika) e instrumentos de percussão (Taiko, Kakko, tsuzumi).
Nas eras posteriores Kamakura (1192-1333) e Muromachi (1338-1573) houve o crescimento do teatro. Tendo como base as apresentações comicas populares (sarugaku) e as danças dos camponeses plantadores de arroz (dengaku) surgiu o teatro Nô. As peças eram acompanhadas por um coro de oito vozes (utai) e um conjunto instrumental (Hayashi) formado por uma flauta (Nôkan) e três tambores (ko-tsuzumi, ô-tsuzumi - tambores portáteis pequeno e grande, taiko - tambor fixo). O teatro nô era apreciado pela classe militar de alto escalão, que dominava o Japão na época.
A era Azuchi-Momoyama (1573-1603) apesar de curta foi muito fertil em termos culturais. Foi nesta época que houve o estabelecimento e a consolidação das diversas artes tradicionais do Japão como o Ikebana e a Cerimonia do Chá. Musicalmente houve um grande desenvolvimento nos instrumentos. As flautas antigas evoluiram para o Shakuhachi, o Sô usado no Gagaku com cordas mais flexiveis ficaram mais brilhante e se tornaram os atuais Koto, o antigo Biwa foi substituido pelo Shamisen espécie de banjo com três cordas percutidas por um plectro. A união destes três instrumentos formou o Sankyoku. As eras anteriores foram marcadas pelas guerras internas que terminaram com a entrada da era Edo (1603-1867). Com a ascensão da classe mercantil, o sankyoku adquiriu grande popularidade.
Durante a era Edo, a música para Koto chamado Sôkyoku, era tocado quase que somente pelos cegos, e pelas mulheres e jovens dos comerciantes mais abastados e dos militares de grau mais alto, fazendo parte de sua formação cultural. Na primeira metade do século XX, com o advento das gravações e do rádio, o Sôkyoku, sofreu um processo de popularização principalmente pelas mãos de Michio Miyagi que incorporou técnicas e arranjos inovadores na antiga música do Japão.

Krakowiak

2008-02-22T12:14:00.000-08:00

O Krakowiak é uma das danças folclóricas polonesas mais populares e características, com seu ritmo vivo e selvagem ao mesmo tempo, com passos largos e longos, fáceis. Demonstrando abandono vivo e elegância ao mesmo tempo. A dança de Lajkonik celebra uma lenda antiga onde um soldado polonês se disfarçou como um guerreiro tártaro para enganar as pessoas da cidade de Kraków em acreditar que os tártaros tivessem sido vitoriosos na batalha. Uma vez descoberto como um impostor, as pessoas da cidade dançam Lajkonik ao redor em celebração alegre.
cidade velha famosa de Kraków era uma vez a capital dos reis poloneses. É um centro cultural importante com uma universidade famosa, a Universidade Jagiellonica, fundada em 1364. O Castelo de Wawel, construído entre os 10º o 14º século, era o palácio real.
A dança Kracowiak originou-se na região de Kraków é um das cinco danças nacionais polonesas, as outras quatro são: polonez, mazur, kujawiak e oberek.
A história de Lajkonik começa no ano 1241, que provocou a terceira invasão em Kraków pelos exércitos de Tártaros cruéis do leste. Da torre da Igreja Mariacki, o trompetista soou o trompete dele com o " hejnal " a chamada de hora em hora da cidade. Repetidamente ele tocou o " hejnal, enquanto advertia os cidadãos que uma grande horda de Tártaros estava se aproximando, até que uma seta inimiga perfurou a garganta dele, e interrompeu a chamada. (O " hejnal " ainda é soado Em Kraków a este dia e em comemoração da ação do herói valente, o trompetista rompe a canção dele no meio de uma nota). Depois de um período tenso de espera, apareceu um exército e seu líder vestiu o traje do Tatar Khan, até mesmo com o turbante dele, espada, e cavalo. O desespero virou a alegria quando o comandante foi reconhecido como o chefe da salvação de Kraków que tinha derrotado o Tártaros na batalha.
Cada primavera este evento é celebrado com danças para comemorar esta vitória. O guerreiro tártaro disfarçado com um pano firmado à sua cintura é chamada Lajkonik e está se empinando ao redor, perseguindo as pessoas com o bastão dele.
O traje de Kraków é considerada o traje nacional polonês e é o mais conhecido. O padrão do material listrado vermelho e branco usada originou-se muito antigamente. As argolinhas metálicas presas ao cinto de couro do homem descendem das armadura. O casaco sem manga, " kabat, " vem dos tempos napoleônicos, e imitando decorações militares. O traje é ornamentado com a '' rogatywka'', um chapéu vermelho de 4 cantos, ornamentado com tiras e penas de pavão.
O traje de Kraków da mulher era originalmente bastante simples. Foi embelezado como o conhecemos hoje durante a era Romântica (19º século). Sua beleza está em seus ricos bordados, colete aveludado e saias floridas. O tecido foi trazido do Leste e possuí várias cores. Uma grinalda de flores é usada por uma única mulher, enquanto a mulher casada usa um cocar branco. A primeira tira do grupo de fitas é presa à direita do ombro é um presente de parentes, e o resto vem dos amigos e admiradores.

Tarantela

2008-02-22T12:09:00.000-08:00

A tarantela (em italiano tarantella) é uma dança popular e composição musical, em compasso binário composto (6/8), geralmente em modo menor, de caráter vivo, caracterizada pela troca rápida de casais (diz-se que dançar a tarantella a sós traz má sorte).
Forma-se um círculo dançante, executado no sentido horário até a música se tornar rápida, quando todos trocam de direção. O ciclo ocorre algumas vezes, eventualmente ficando tão rápido que é muito difícil manter o ritmo. Em geral é conduzida por um cantor central e acompanhada por castanholas e tamborim.
Muito em voga entre os séculos XIV e XV na região da Campania, Itália, seu nome provém de Taranto, cidade da região da Puglia, no sul da Itália.
Historicamente, a palavra é associada ao tarantismo, tarentismo ou tarantulismo - manifestação de delírio convulsivo atribuída, segundo a crença popular, à substância tóxica inoculada pela tarântula (Lycosa tarentula), aranha venenosa muito comum na Europa meridional. Segundo a crença popular, a toxina induziria à dança frenética - daí o nome tarantella. De todo modo, vocábulos como tarantela, taranta, tarantismo e similares, derivam do nome da cidade de Taranto, raiz linguística comum e mais antiga.
Existem algumas variações regionais da dança - apuliana,napolitana, siciliana e calabresa.
Dança folclórica, típica das regiões do sul da Itália, cujo nome provém de uma lenda. Conta-se que no século XIV, na Europa, mais precisamente em regiões da Itália, havia muitas aranhas denominadas Tarântulas. Sua picada causava febre alta e delírio, fazendo o doente pular e dançar até esgotar-se, na tentativa de expulsar completamente de seu corpo o mal produzido pelo veneno da aranha.
Com o tempo, a "Tarantella" foi se expandindo pelas outras Regiões da Itália. As danças da Região Norte receberam influência francesa, austríaca, alemã e suíça, enquanto, que as da Região Sul receberam influência espanhola, grega, árabe e cigana.
Hoje, a "Tarantella" se transformou no conhecido ritmo energético e vital, acompanhada ao som do "tamburello" (pandeiros) e também da "macchera" (castanholas).

Samba rock

2008-02-22T12:02:00.000-08:00

Samba rock é um estilo de dança que surgiu dentro dos bailes de música negra realizados na periferia de São Paulo. É difundido pela mídia — erroneamente — que o samba rock é um estilo musical, mas não é! O compositor e cantor Jorge Ben, é citado e conhecido como criador do estilo, mas o próprio artista concedeu entrevistas dizendo que sua música não é samba rock, negando assim o título a ele empregado de "pai do samba rock". Embora tenha no nome a palavra samba, outros ritmos podem permitir aos dançarinos desenvolverem a dança ao som de samba-rock. Como por exemplo: Samba, Jazz, Bossa Nova, Acid Jazz, R&B, Rock & Roll, Soul, Rap, e outros
Hoje em dia é considerado por muitos como um estilo musical derivado do samba com fortes influências do Rock,Funk e Soul. Informado como sendo seu criador o cantor e compositor Jorge Ben e entre seus principais seguidores estão o Trio Mocotó e o cantor Bebeto. Como explicado no paragrafo anterior este tipo de informação esta incorreta.
O nome "samba-rock” foi dito pela primeira vez por Jackson do Pandeiro, na música Chiclete com Banana, de Gordurinha. Jorge Ben nunca o empregou, mas o Trio Mocotó utiliza o termo até hoje, com muito orgulho. O tremendão Erasmo Carlos também contribuiu para o estilo, marcando presença com os clássicos "Mané João" e "Coqueiro Verde", imortalizada para sempre como samba-rock pelo Trio Mocotó.
O samba-rock passou a década de 80 e 90 praticamente fora da mídia. Tivemos sim, o estrondo de Tim Maia "Só Quero Amar" e de Jorge Benjor "W Brasil", mas uma febre de vendas mais ligada aos dois artistas do que a um estilo ou movimento. Mas, o samba-rock nunca desapareceu e esteve sempre firme e forte nos bailes black e bailes "nostalgia", de equipes de som tradicionais como Chic Show, Mistura Fina, Musicália, Os Carlos e várias outras.
samba rock teve origem no Brasil, na “década de sessenta, tendo como base realizar uma dança com ritmos brasileiros contrapondo o estilo de rock que os EUA estavam implementando nos países Sul Americano”. Surgiu, nos guetos e periferias das cidades e morros do Brasil principalmente em São Paulo, a maioria dos praticantes, eram Afro-descendentes. Atualmente, é uma dança que mais vem crescendo e se desenvolvendo em todo Brasil.
O conceito do samba-rock é muito amplo. Tanto que Suingue é só um título provisório, é difícil definir num nome só. Era um projeto que começou pequeno, e acabou virando um trabalho sobre a cultura black dos anos 70 até os dias de hoje no Brasil.

Hip-hop

2008-02-22T11:56:00.000-08:00

Hip-hop é um movimento cultural iniciado no final da década de 1960 nos Estados Unidos como forma de reação aos conflitos sociais e à violência sofrida pelas classes menos favorecidas da sociedade urbana. É uma espécie de cultura das ruas, um movimento de reinvidicação de espaço e voz das periferias, traduzido nas letras questionadoras e agressivas, no ritmo forte e intenso e nas imagens grafitadas pelos muros das cidades.
O hip-hop emergiu no final da década de 1960 nos subúrbios negros e latinos de Nova Iorque. Estes subúrbios, verdadeiros guetos, enfrentavam diversos problemas de ordem social como pobreza, violência, racismo, tráfico de drogas, carência de infra-estrutura e de educação, entre outros. Os jovens encontravam na rua o único espaço de lazer, e geralmente entravam num sistema de gangues, as quais se confrontavam de maneira violenta na luta pelo domínio territorial. As gangues funcionavam como um sistema opressor dentro das próprias periferias - quem fazia parte de algumas das gangues, ou quem estava de fora, sempre conhecia os territórios e as regras impostas por elas.
Esses bairros eram essencialmente habitados por imigrantes do Caribe, vindos principalmente da Jamaica. Por lá existiam festas de rua com equipamentos sonoros ou carros de som muito possantes chamados de Sound System (carros equipados com equipamentos de som, parecidos com trios elétricos). Os Sound System foram levado para o Bronx, um dos bairros de Nova Iorque de maioria negra, pelo DJ Kool Herc, que com doze anos migrou para os Estados Unidos com sua família. Foi Herc quem introduziu o Toast (modo de cantar com levadas bem fraseadas e rimas bem feitas, muitas vezes bem politizadas e outras banais e sexuais, cantadas em cima de reggae instrumental), que daria origem ao rap.
Neste contexto, nasciam diferentes manifestações artísticas de rua, formas próprias, dos jovens ligados àquele movimento, de se fazermúsica, dança, poesia e pintura. Os DJs Afrika Bambaataa, Kool Herc e Grand Master Flash, GrandWizard Theodore, GrandMixer DST (hoje DXT), Holywood e Pete Jones, entre outros, observaram e participaram destas expressões de rua, e começaram a organizar festas nas quais estas manifestações tinham espaço - assim nasceram as Block Parties.
O hip hop como movimento cultural é composto por quatro manifestações artísticas principais: o canto do rap (sigla para rythm-and-poetry), a instrumentação dos DJs, a dança do break dance e a pintura do grafite. O termo música hip hop refere-se aos elementos rap e DJ, sendo hip hop também usado como sinônimo de rap.
No Brasil, o movimento hip-hop foi adotado, sobretudo, pelos jovens negros e pobres de cidades grandes, como Rio de Janeiro, Brasília, Porto Alegre e São Paulo, como forma de discussão e protesto contra o preconceito racial, a miséria e a exclusão. Como movimento cultural, o hip-hop tem servido como ferramenta de integração social e mesmo de ressocialização de jovens das periferias no sentido de romper com essa realidade.
Elementos:
DJ (disc-jockey)
Operador de discos, que faz bases e colagens rítmicas sobre as quais se articulam os outros elementos, hoje o DJ é considerado um músico, após a introdução dos scratches de GradMixer DST na canção "Rock it" de Herbie Hancock, que representa um incremento da composição e não somente um efeito. O break-beat é a criação de uma batida em cima de composições já existentes, uma espécie de loop. Seu criador DJ Kool Herc desenvolveu esta técnica possibilitando B.Boys a dançarem e MCs a cantarem. O Beat-Juggling já é a criação de composições as pelos DJ nos toca-discos, com discos e canções diferentes. Há diversos tipos de DJs: o DJ de grupo, de baile/festas/aniversários/eventos em geral e o DJ de competição. Este por sua vez, faz da técnica e criatividade, os elementos essências para despertar e prender a atenção do público. Um DJ de competição é um DJ que desenvolve e realiza apresentações contendo scratchs, batidas e até frases recortadas de diferentes discos (samples). Esses DJs competem entre si usando todo e qualquer trecho musical de um vinil.
MC (master of cerimonies)
Mestre de Cerimônia, é o porta-voz que relata, através de articulações de rimas, os problemas, carências e experiências em geral dos guetos. Não só descreve, também lança mensagens de alerta e orientação, o MC tem como principal função animar uma festa e contribuir com as pessoas para se divertirem. Muitos MCs no início do hip-hop davam recados, mandavam cantadas e simplesmente animavam as festas com algumas rimas.
Grafite
Expressão plástica, o grafite representa desenhos, apelidos ou mensagens sobre qualquer assunto, feitas com spray, rolinho e pincel em muros ou paredes. Sendo considerado por muitos uma forma de arte, diferente do "picho", que têm outra função de apenas deixar sua marca, o grafite é usado por muitos como forma de expressão e denúncia.

Black Music

2008-02-22T11:44:00.000-08:00

Black Music desde 1940, o jazz começou a se envolver e dividir em diferentes caminhos, mas a idéia principal era procurar por uma música mais dinâmica. Ao mesmo tempo. albums feitos para os negros, também chamados de "albums raciais"( racial albums) passaram a ser chamados de " Rythm and Blues"(R&B). Uma nova geração de músicos que tocavam blues entraram em cena. A maioria cantava músicas gospel e estavam prestes a começarem a tocar soul, quando o R&B cresceu no sul dos Estados Unidos. A música soul pode encontrar suas raízes em 4 pontos: racial, geográfico, hidtórico e econômico. R&B era tocado exclusivamente por músicos negros para uma platéia negra. A soul music nasceu em Memphis. De acordo com Peter Guralnick : "soul é a expressão da solidariedade negra, o orgulho de uma nação que quis acabar com os séculos de segregação e que encontrou através da música sua identidade e espiritualidade." Mais do que qualquer outro gênero da música popular americana, a soul music é o resultado da combinação e junção de vários estilos e subestilos dos anos 50 e 60. A música soul veio da música gospel e do blues, dois estilos de música afro-americano. Com o passar dos anos os brancos também começaram a tocar "soul music" que foi denominada então de "blue eyed soul" . A soul music ditou as regras no cenário musical negro através dos anos 60, quando começou a se ramificar e inspirar outros estilos de música como a música pop e o funk.
Nos anos 60 a música negra tornou-se conhecida quando os cantos religiosos gospel começaram a ser divulgadas nas rádios, passando a ser conhecidas como Soul (alma). Com o seu desenvolvimento alguns cantores começaram a se destacar como Cheryl Lynn, One Way, Anita Becker e o famoso James Brown. Este, com seu estilo único de tocar guitarra acelerou o ritmo do Soul, surgindo o Soul ritmado mais conhecido como Funk Soul. Das rádios, o Funk foi para os bailes e assim começaram a ser desenvolver as danças.
Black Music Nos anos 60 a música negra tornou-se conhecida quando os cantos religiosos gospel começaram a ser divulgadas nas rádios, passando a ser conhecidas como Soul (alma). Com o seu desenvolvimento alguns cantores começaram a se destacar como Cheryl Lynn, One Way, Anita Becker e o famoso James Brown. Este, com seu estilo único de tocar guitarra acelerou o ritmo do Soul, surgindo o Soul ritmado mais conhecido como Funk Soul. Das rádios, o Funk foi para os bailes e assim começaram a ser desenvolver as danças, em suas várias versões. Dos anos 70 até hoje, a Black Music sofreu algumas evoluções enquanto ritmo e também enquanto dança. A Black Music contém muitas variações mas só alguns marcaram realmente época em sua história: Funk Soul: Retrata bem a década de 70, o som psicodélico de James Brown de origem a uma dança com estilo incomparável de deslizar os pés no chão com muita ginga e agilidade. Flash Back Os anos 80 ficaram conhecidos como a época do passo marcado. Após os sucessos dos Jackson Five, nos bailes dançava-se pequenas coreografias criadas pela alegria e empolgação do momento. Charm A melodia rítmica de Érika Badu, R Kelly e Black Street ficou conhecida como Charm que originou o Floreado ou a famosa "lenta" quando dançada a dois em meados dos anos 80. R&B A mistura do Charm com o ritmo contagiante do rap norte americano dos anos 90 fez com que Usher, Snop Dog, Beonce, Nelly e outros lançassem um ritmo envolvente que, quando dançado, revela toda arte e magia de dançar a dois com um contato visual bastante rico e cheio de alegria.

Soul

2008-02-22T11:39:00.000-08:00

O Soul é um gênero de música que nasceu do rhythm and blues e do gospel durante o final dos anos 50 e início dos 60 entre os negros norte-americanos. A música soul normalmente apresenta cantores individuais acompanhados por uma banda tradicionalmente composta de uma seção rítmica e de metais.
O desenvolvimento da música soul foi acelerado graças a duas tendências: a urbanização e a secularização do gospel. Artistas como Ben E. King, Ray Charles, Sam Cooke e os Everly Brothers fundiram a paixão dos vocais gospel com a música cativante e rítmica do R&B, formando assim o soul no final dos anos 50. Socialmente, a grande audiência de adolescentes brancos que ouvia (inicialmente) cópias (ou "covers") brancos do R&B e sucessos de rock começou a demandar gravações dos artistas negros originais, tais como Little Richard e Chuck Berry. No fim dos anos 50, isto fez com que várias gravadoras buscassem versões vendáveis de música. Os mais influentes selos de gravadoras eram a Stax, baseada em Memphis, Tennessee, e a Motown, baseada na região de Detroit.
Durante os anos 60, a música soul era popular entre negros nos EUA, e entre muitos ouvintes influentes espalhados pelos EUA e Europa. Artistas do chamado "Blue eyed soul" ("soul branco"; músicos brancos que tocavam para platéias brancas) tais como os Righteous Brothers alcançaram um grande sucesso em curto prazo, apesar de artistas como Aretha Franklin e o músico James Brown terem provado ser mais duradouros. Outros importantes músicos de soul da época foram Bobby Bland, Otis Redding, Wilson Pickett e Joe Tex. Da mesma forma que o "blue-eyed soul" ou soul branco, surgiu nesta época um grande número de variedades regionais do soul.
No início dos anos 70, o soul foi influenciado pelo rock psicolélico e outras variedades, e artistas como Marvin Gaye (What's Going On) e Curtis Mayfield (Superfly) lançaram declarações, em forma de discos, com duras críticas sociais. Artistas como James Brown conduziram o soul para uma espécie de "jam festival" dançante, resultando nas bandas funk dos anos 70, como o Funkadelic, The Meters e a banda War. Durante os anos 70, algumas figuras do "soul branco" comercial, como Daryl Hall & John Oates alcançaram grande sucesso, e também grupos como The Delfonics e grupos do "soul da Filadélfia". Por volta do fim dos anos 70, a disco' dominava as paradas, e o funk, o "Philly soul" (soul da Filadélfia) e muitos outros gêneros foram influenciados pelo ritmo da discothèque. Um exemplo foi o grupo de "Philly soul" MFSB (produzidos por Kenneth Gamble e Leon Huff) ou o dançante funk de Rick James chamado "You and I", de 1978.

R&B

2008-02-22T11:35:00.000-08:00

Rhythm and blues ou R&B foi um termo comercial introduzido no Estados Unidos no final de 1940 pela Revista Billboard. O termo substituiu race music, que era, em língua inglesa um tanto ofensivo. De certo modo, hoje o rótulo rhythm and blues aplica-se nos EUA a qualquer forma de música pop com artistas negros.

Em suas primeiras manifestações, o chamado rhythm and blues era uma versão negra de um predecessor do rock. Foi fortemente influenciado pelo jazz, particularmente pela chamada jump music (um jazz com predomínio de saxofone e pouca presença de guitarras) assim como pelo gospel. Por sua vez, também influenciou o jazz, dando origem ao chamado hard bop (produto da influência do rhythm and blues, do blues e do gospel sobre o bebop). Os músicos davam pouca atenção às distinções feitas entre o jazz e o rhythm and blues, e geralmente gravavam nos dois gêneros. Várias bandas (como as que acompanhavam os músicos Jay McShann, Tiny Bradshaw, e Johnny Otis) também gravavam rhythm and blues. Mesmo um ícone de arranjos bebop como Tadd Dameron também produziu arranjos R&B para Bull Moose Jackson, e trabalhou dois anos como pianista de Bull Moose após se estabelecer como músico de bebop. Um dos nomes que se destacou neste gênero foi Muddy Waters.
Não foi só no cenário pop dos EUA, mas também no do Reino Unido durante os anos 60, que o R&B atingiu seu auge de popularidade. Sem sofrer o mesmo tipo de distinção racial que limitava sua aceitação nos EUA, os grupos musicais britânicos rapidamente adotaram este estilo de música, e grupos como os Rolling Stones e The Animals levaram o rhythm'n'blues a grandes platéias.
O termo caiu em desuso nos anos 60, e foi substituído por soul e Motown, porém ressurgiu nos últimos anos para designar a música negra norte-americana abrangendo o pop, fortemente influenciado pelo hip-hop, pelo funk, e pelo soul. Neste contexto, só a abreviatura R&B é usada, e não a expressão toda.
O gênero, que os americanos chamam de rhythm and blues, ou R&B, é um dos primos mais próximos do RAP. Em outros tempos, o R&B era considerado um ritmo meloso e sensual, ficando limitado apenas a grupos negros, como música de motel, enquanto o RAP estava atraindo públicos de diferentes guetos, raças e classes sociais e consequentemente vendendo muito mais. Era praticamente uma revolução cultural da black music.

House music

2008-02-22T11:31:00.000-08:00

House music nasceu em Chicago na primeira metade da década de 1980. A origem do nome se deu devido a esse novo estilo de dance music que surgia e começava a ser tocada no night club chamado Warehouse. Os frequentadores da casa iam às lojas de discos a procura das músicas que ouviam no club e pediam por "aquela música da Warehouse", até as lojas começarem a encurtar o nome de Warehouse Music, para apenas HOUSE. Muitos dizem que o House Music é uma vertente da disco music dos anos 70, pois foram estilos de música quase que contemporâneos. Frankie Knuckles é aclamado por muitos como o "pai" da House Music, ele que é um dos pioneiros deste gênero juntamente com outros nomes como Tony Humphries. Atualmente existem muitas sub-vertentes do house, tais como: Funky-House, Tech-House, Disco-House, Progressive-House, Electro-House, Acid House, Soulful House, Neo-Jazz-House entre outros.
O elemento comum de quase toda a "house music" é uma batida 4/4 gerada numa bateria eletrônica, completada com uma sólida (muitas vezes também gerada eletronicamente) linha de baixo e, em muitos casos, acréscimos de "samplers", ou pequenas porções de voz ou de instrumentos de outras músicas. Representa, de certa forma, também uma evolução da disco music dos anos 70. A maioria dos projetos (desenvolvidos por DJs e produtores) e grupos de house music têm como origem a Itália, a Alemanha, a Bélgica, além dos EUA e Reino Unido.
Tudo aquilo que não pudermos classificar como Acid, Deep, etc, será Classic House. Batida seca, 4/4,com "viradas" de muitas batidas, vocais femininos, melodia alegre e com velocidade próximas a 120 a 135 BPM (Batidas por Minuto).

Os principais hits foram:
Everybody Everybody- Black Box
A Little Respect- Erasure
Together Forever- Rick Astley
I Can´t Stand It- Twenty 4 Seven
Girl You Know It´s True- Milly Vanilly
Apesar da House ter seu inicio no verão de 1987, no Brasil ela somente destronou outros ritmos somente em 1989, quando o Mega Hit Pump Up the Jam (Technotronic) invadiu as pistas do Mundo Inteiro, tornando a Dance Music uma mania mundial. Em 1993 essa mesma música retornou as paradas de sucesso no filme Space Jam, provando que a House Music tinha muito mais fôlego que os críticos poderiam imaginar.
Muitos, na época, falaram que a House era um estilo passageiro e que seria apenas mais um modismo, mas passados 20 anos, o ritmo dançante da House Music continua intacto e parece até com mais vigor, agora com o apoio de seus filhotes adolescentes Techno, Psy, Trance e vários outros.
Hoje no Brasil a House Music tem se difundido cada vez mais. Inumeras casas noturnas do país fazem sucesso tocando música House e convidando inclusive varios DJ's de renome internacional que passaram a tocar em terras Tupiniquins. Além disso é o estilo mais tocado em festas caseiras, entre amigos ( chill-out).
Acid break
É a fusão do Acid House com suas sustentação rítmica feita por contrabaixos eletrônicos, sons distorcidos de guitarras dos anos 60 e baterias programadas, normalmente criado com o TB 303 da Roland, com as batidas quebradas do Breakbeat.
Soulful House
O estilo de House com forte influencia da Soul Music americana. Herdeiro do Garage House, tem nos DJs de New York seus maiores representantes.
Deep House
Estilo mais introspectivo de House até ao momento. Como o nome indica, baseia-se em sons profundos e calmos, sobre a batida 4/4 característica do House. É representado por diversas escolas com referencias diferentes, do mais orgânico ( West Coast) ao sintético ( Berlin, Londres).
Electro House
Estilo de House com timbres sujos, sintéticos e sombrios e com linhas de baixo ácidas,característica emprestada do electro da década de 80. sneaky sound system. "Vai tomar no cu" retrata bem a electro house.
Tribal House
O uso de sons tribais (sons da selva) nomeadamente na area da percursão, que é exaustivamente trabalhada. Pensa-se que o tribal surgiu de uma ligação entre a música africana e a electrónica. Pode-se dizer que o Tribal é o casamento da House Music com ritmos africanos, gerando uma mistura de sons alucinante. O Tribal ou House Tribal tem batidas pesadas e fortes, porém menos repetitivas.
Progressive House
Estilo de House que surgiu no inicio dos anos 90. Consiste numa batida 4 por 4 com um bass mais profundo, com uma atmosfera mais melancolica e emocional onde as mudanças na música ocorrem pouco a pouco ( A música vai crescendo durante a sua duração e ganhando mais energia, mais força, dai o nome progressivo).

Trance

2008-02-22T11:27:00.000-08:00

Trance é uma das principais vertentes da música eletrônica, tendo sido desenvolvido no início da década de 1990. O gênero é caracterizado pelo tempo entre 130 e 160 bpm, apresentando partes melódicas de sintetizador e uma forma musical progressiva durante a composição, seja de forma crescente ou apresentando quebras. Algumas vezes vocais também são utilizados. O estilo é derivado do house e do techno[1], tendo pegado uma melodiosidade não característica do techno, com seus sons industriais, e menos orgânicos, além de parecerem menos melódicos.
Em geral, a maioria das canções são calmas e de efeito lento e constante na energia-alma e no estado de pensamento. A tradução literal do termo trance para português é transe (inconsciência). O nome foi recebido devido às batidas repetitivas e pelas melodias progressivas características, que levam o ouvinte a um estado de transe, de libertação espiritual, enquanto ouve.
Pode-se encontrar elementos primitivos da música trance nas raízes religiosas do shamanismo e budismo. Mas o trance da forma moderna, eletrônica e evoluída em conjunto com outras formas de música eletrônica dançante, surgiu na Alemanha no início da década de 1990.
Ao longo da década de 1970, Klaus Schulze gravou vários álbuns de música eletrônica caracterizados pelo ambiente atmosférico e o uso de sequenciadores. Em alguns dos álbuns da década de 1980 a palavra trance era incluída nos títulos, como Trancefer (1981) e En=Trance (1987).
Elementos que tornaram-se característicos da música trance também foram explorados por artistas do gênero industrial da música eletrônica no final da década de 1980. O objetivo era produzir sons de efeitos hipnóticos aos ouvintes, o que também poderia levar à uma alto grau de estado de transe ou euforia.
Esses artistas do gênero industrial eram dissacioados à cultura rave, embora muitos já mostravam interesse no Goa trance, no qual o som é mais pesado comparado ao som que agora é conhecido como trance. Muitos dos álbuns produzidos por artistas industriais eram em sua grande maioria experimentais, e não tinham o intuito de originar um gênero musical com uma cultura associada -- eles permaneceram fiéis às suas raízes industriais. Com o trance dominando à cultura rave, a maior parte desses artistas abandonaram o estilo.
O trance é formado em sua grande parte por batidas retas (4x4), mas algumas vezes ocorre a mistura de batidas do hip hop ou quebra da estrutura 4x4 (quebradas). O baixo pode ter uma base de swing ou preencher totalmente a base remetendo ao full-on. Uma característica marcante do estilo é uso do sintetizador TB-303, que é utilizado para fazer levadas variando constantemente ou não a frequência de corte e com uma ressonância alta ou para produzir sons psicodélicos como "borrachas", "gotas", "bombas".
Nos estilos mais melódicos há o uso constante de pads (notas com alta sustentação, também chamado string) deixando a composição mais atmosférica.

Reggae

2008-02-22T11:17:00.000-08:00

O nome reggae surgiu por causa do som que faz na guitarra. O "re" seria o movimento pra baixo, e o "gae", o movimento pra cima. O mesmo acontece com o ska, o nome é derivado do som que é reproduzido na guitarra.
O reggae é um gênero musical que tem suas origens na Jamaica. O auge do reggae ocorreu na década de 1970, quando este gênero espalhou-se pelo mundo. É uma mistura de vários estilos e gêneros musicais: música folclórica da Jamaica, ritmos africanos, ska e calipso. Apresenta um ritmo dançante e suave, porém com uma batida bem característica. A guitarra, o contrabaixo e a bateria são os instrumentos musicais mais utilizados.O Reggae é um estilo de música originário da Jamaica. Bob Marley, cantor e compositor, é o ícone deste estilo musical. Em sentido mais amplo, Reggae pode referir-se a outros ritmos como ska, rocksteady, dub, dancehall e ragga.
Original da década de 60, o ritmo divide-se em dois subgêneros, o "roots reggae" (o reggae original) e o "dancehall reggae", que é originário da década de 70. O reggae é constantemente associado ao movimento rastafari, que, de fato, influenciou muitos dos músicos apologistas do estilo reggae nas décadas de 70 e 80. De qualquer maneira, o reggae trata de vários assuntos, não se restringindo à cultura Rastafari, como o amor, o sexo e principalmente a crítica social.
O reggae recebeu, em suas origens, uma forte influência do movimento rastafari, que defende a idéia de que os afrodescendentes devem ascender e superar sua situação através do engajamento político e espiritual.
Rastafari é um movimento religioso que proclama Haile Selassie I, imperador da Etiópia, como Jah (Deus para Rasta) reencarnado. Esse termo advém de uma forma contraída. De Jeová encontrado no salmo 68:4 na versão da Bíblia do Rei James, e faz parte da trindade sagrada o Messias prometido. O nome Rastafari tem sua origem em Ras (duque ou chefe) Tafari (príncipe da paz) .
Makonnen, o nome de Haile Selassie I antes de sua coroação. O movimento surgiu na Jamaica entre a classe trabalhadora e camponeses negros.
Em meados dos anos 30, iniciado por uma interpretação da profecia bíblica em parte baseada pelo status de Selassie como o único monarca Africano de um país totalmente independente e seus títulos de Rei dos Reis, Senhor dos Senhores e o conquistador do Leão de Judá.
Alguns historiadores afirmam que o movimento surgiu, e teve posteriormente adesão, por conta da exploração que sofria o povo jamaicano, o que favorece o surgimento de idéias religiosas, vide a Guerra de Canudos e Guerra do Contestado, as quais tiveram seus respectivos líderes messiânicos.
Na década de 1950, começam surgir os grandes nomes do reggae como, por exemplo, Delroy Wilson, Bob Andy, Burning Espear e Johnny Osbourne, e as bandas The Wailers, Ethiopians, Desmond Dekker e Skatalites. Nesta época, grande parte das rádios da Jamaica, de propriedade de brancos, se recusavam a tocar reggae. Somente a partir da década de 1970, o reggae toma corpo com cantores que ganham o mundo da música. Jimmy Cliff e Bob Marley tornam o reggae um estilo musical de sucesso no mundo todo. Em 1971, a música I Can See Clear Now de Johnny Nash, assume o topo na parada musical de várias rádios na Inglaterra e Estados Unidos.
A década de 1970 foi a época dos grandes sucesso do reggae. Várias músicas marcaram época e alcançaram o topo na lista de sucesso das rádios: I Shot the Sheriff (versão de Eric Clapton ), Peter Tosh com Legalize It e No Woman , No Cry de Bob Marley.
Vários cantores e bandas passam a incorporar o estilo reggae a partir da década de 1980. Eric Clapton, Rolling Stones e Paul Simon fazem músicas, utilizando a batida e a sonoridade dançante e suave. Atualmente, vários cantores e bandas fazem sucesso nesse gênero musical : Ziggy Marley, Beres Hammond, Pulse, UB 40 e Big Mountain.
Uma das características que podem caracterizar o reggae é a crítica social, como por exemplo cantar a desigualdade, o preconceito, a fome e muitos outros problemas sociais pra tentar desviar os olhos do povo pra isso, um modo de alertar e incentivar o povo a se mobilizar contra seus problemas.

Música barroca

2008-02-22T11:11:00.000-08:00

A música barroca é o estilo musical correlacionado com a época cultural homônima na Europa, que vai desde o surgimento da ópera no século XVII até a morte de Johann Sebastian Bach, em 1750.
Trata-se de uma das épocas musicais de maior extensão, fecunda, revolucionária e importante da música ocidental, e provavelmente também a mais influente. As características mais importantes são o uso do baixo contínuo, do contraponto e da harmonia tonal, em oposição aos modos gregorianos até então vigente. Na realidade, trata-se do aproveitamento de apenas dois modos: o modo jônio (modo “maior”) e o modo eólio (modo “menor”).
Pela primeira vez na história, música e instrumento estão em perfeita igualdade. Nesse período a instrumentação atinge sua primeira maturidade e grande florescimento. Pela primeira vez surgem gêneros musicais puramente instrumentais, como a suíte e o concerto. Nesta época surge também o virtuosismo, que explora ao máximo o instrumento musical. Johann Sebastian Bach e Dietrich Buxtehude foram os maiores virtuoses do órgão. Jean Philipe Rameau, Domenico Scarlatti e François Couperin eram virtuoses do cravo. Antonio Vivaldi e Arcangelo Corelli eram virtuoses no violino.
O barroco foi a época de máximo desenvolvimento de instrumentos como o cravo e o órgão, mas também surgiram várias peças para grupos pequenos de instrumentos, que iam de três até nove instrumentistas.
Muitas das inovações associadas com a música Barroca foram estimuladas por um desejo contínuo, já evidente durante o Renascimento, de recuperar a música da antiguidade clássica. Os grego antigos haviam escritos repetidamente sobre os poderes da música de incitar paixões nos ouvintes. Entretanto, os poucos manuscritos de música Grega antiga conhecidos na época eram pouco compreendidas, o que permitiu muita especulação sobre a sua natureza. Ao final do século XVI, um grupo de poetas, músicos e nobres, entre eles Vincenzo Galilei, Giulio Caccini e Ottavio Rinuccini, passaram a ser reuinir na casa do Conde Giovanni de Bardi em Florença, com a finalidade de discutir assuntos relacionados às artes, e em especial a tentativa de recriar o estilo de canto dos dramas Gregos antigos. Dos encontros da Camerata Fiorentina, como este grupo passou a ser conhecido, surgiu um estilo musical que estabelecia que o discurso era o aspecto mais importante na música. O ritmo da música deveria ser derivado da fala, e todos elementos musicais contribuiam para descrever o afeto representado no texto. Portanto, este estilo, que logo foi chamado de seconda pratica para contrastar com a polifonia renascentista tradicional ou prima pratica, era composto por um única parte vocal acompanhada por uma parte instrumental.
Esse acompanhamento era chamado de baixo contínuo, e consistia de uma única melodia anotada, sobre a qual um grupo de instrumentos adicionavam as notas necessárias para preencher a harmonia implícita no baixo, frequentemente assinaladas através de cifras indicando os intervalos apropriados. O baixo continuo estabeleceu uma polaridade entre os registros extremos: a melodia aguda e o linha do baixo eram os elementos essenciais, e as partes intermediárias eram deixadas ao gosto dos intérpretes. Nos anos 1630, esta combinação passou a ser designada pelo termo monodia, um estilo que se encontra entre a fala e o canto. Essa flexibilidade permitiu que os solistas ornamentassem as melodias livremente sem precisar se preocupar com regras de contraponto, permitindo assim que demonstrarem suas habilidades virtuosísticas. Para tirar máximo proveito da capacidade de cada instrumento ou da voz, os compositores começaram a desenvolver escritas idiomáticas para cada meio, ao contrário da música renascentista onde as partes poderiam ser executadas intercambiavelmente com instrumentos ou com voz.
A música barroca substituiu o estilo renascentista após o século XVII e dominou a música européia até cerca 1750. Era elaborada e emocional, ideal para integrar-se a enredos dramáticos. A ópera era a mais importante novidade em forma musical, seguida de perto pelo oratório. A música italiana barroca atingiu o auge com as obras de Antônio Vivaldi.
O início do século XVIII foi marcado por dois grandes compositores: Bach e Haëndel. A família de Bach era composta de músicos que atuaram do século XVI ao século, 50 membros desta família Johann Sebastian foi o seu maior representante, e foi com quem a música barroca atingiu o seu ponto culminante. Haëndel desenvolveu-se na Inglaterra, compôs peças musicais de vários gêneros, mas sobretudo grande número de oratórios, onde seu estilo se caracteriza pela grandiosidade.

Música contemporânea

2008-02-22T11:02:00.000-08:00

Embora literalmente música contemporânea seja qualquer música contemporânea àquele que fala, tecnicamente é a música erudita dos séculos XX e XXI, feita após os movimentos impressionista e regionalista. Pode-se dizer ainda que músicas contemporâneas são aquelas cujo compositor encontra-se ainda vivo na época do locutor.

Não há uma tendência uniforme na música contemporânea. Pode-se, contudo, mencionar duas escolas: a da Música de Vanguarda, que compreende sobretudo o experimentalismo, e as tendências neoclássicas e neo-românticas (chamadas "conservadoras"), representadas por compositores como Arvo Pärt e Krzysztof Penderecki, que representam uma reação ao experimentalismo, voltando a adotar a linguagem tonal.
Embora na questão ainda haja grande preconceito, como ocorre quando do nascimento de novas tendências artísticas, também podem-se destacar a música eletrônica, criada na Alemanha da década de 1950 e responsável pela geração de novíssimos e curiosos sons, surgidos eletronicamente ou manipulados através de outros intrumentos ou objetos, que são incorporados à música e explorados em larga escala; e a música aleatória, que, como o nome diz, fica sob a responsabilidade do músico executante, o qual, em alguns casos, só precisa obedecer à idéia mais geral que inspirará a música, como um sentimento ou um acontecimento histórico, sendo necessário, porém, imensa habilidade musical, imaginação e criatividade.
A história da música no século XX constitui uma série de tentativas e experiências que levaram a uma série de novas tendências, técnicas e , em certos casos, também a criação de novos sons, tudo contribuído para que seja um dos períodos mais empolgantes da história da música. Enquanto a música nos períodos anteriores podia ser identificada por um único e mesmo estilo, comum a todos os compositores da época, no século XX ela se mostra como uma mistura complexa de muitas tendências. A maioria das tendências compartilham uma coisa em comum: uma relação contra o estilo romântico do século XIX. Tal fato fez com que certos críticos descrevessem a música do século XX com "anti-romântica". Dentre as tendências e técnicas de composição mais importantes da música do século XX encontram-se:
Impressionismo
O termo foi tomado do estilo de pintura de um grupo de pintores franceses conhecidos como os impressionistas. Em vez de fazerem suas pinturas parecerem 'reais', estes artistas procuravam das meramente de vagos contornos. A intenção da música impressionista era se afastar do pesado estilo romântico alemão. O primeiro compositor impressionista, Claude Debussy, utilizava harmonias e timbres novos trabalhando-os a crias efeitos vagos, fluídos. Outros compositores impressionistas foram: Ravel, Falla e Respighi, entre outros.
Nacionalismo
A corrente nacionalista iniciada durante a segunda metade do século XIX continuou no século XX. Os compositores pesquisavam o folclore de seus países. Nos Estados Unidos: Charles Ives e Aaron Copland. Na Inglaterra: Vaughan Willians. Na Hungria: Béla Bartók e Zoltan Kodaly. Brasil: Villa-Lobos, Camargo Guarnieri, Lourenzo Fernandez. Finlândia: Sibélius.
Atonalidade
Significa ausência de tonalidade. A música atonal evita qualquer tonalidade ou modo, fazendo livre uso de todas as 12 notas da escala cromática. A atonalidade tornou-se a própria essência do estilo dos compositores expressionistas.
Expressionismo
Este é um outro termo tomado da pintura. Com tons extremamente vigorosos, os pintores desta escola jogavam sobre as telas suas experiências e estados de espírito mais íntimos: o mundo tenebroso de seus terrores e as fantásticas visões do subconsciente. Na música, o expressionismo começou como um exagero, em que os compositores passam a despejar em suas obras toda a carga de suas emoções mais profundas. A música expressionista é de estilo atonal, caracterizada por harmonias extremamente dissonantes, melodias frenéticas, contrastes violentos e explosivos, com os instrumentos tocando em seus registros extremos. Compositores: Arnould Schoemberg, Alban Berg e Anton Webern, conhecidos como a Segunda Escola de Viena.
Dodecafonismo ou Serialismo
Tendo abandonado o sistema maior-menor em favor da música atonal, Schoemberg chegou a conclusão de que era necessário formular outro princípio para substituir o da tonalidade. A solução encontrada foi o que chamamos de Serialismo ou Dodecafonismo. Na composição dodecafônica, o compositor ordena, inicialmente, todas as notas da escala cromática, segundo uma ordem de sua própria escolha. Forma, então, uma seqüência de notas, a série fundamental em que vai se basear toda a composição. Todas as 12 notas tem igual importância. Nenhuma deve aparecer fora de sua vez, embora qualquer nota da série possa ser repetida ou usada em qualquer oitava.
Música Concreta
No final da década de 40, o compositor francês Pierre Schaeffer começou a fazer experiências com o que chamou de Musique Concréte - música composta de forma 'concreta' diretamente sobre fitas magnéticas, sem a abstração da simbologia musical. Os sons por ele registrados eram naturais, como o de uma porta batendo, uma rolha saltando de uma garrafa, etc. A composição resultante é uma montagem de sons armazenados em uma fita, que pode ser tocada à vontade, dispensando a figura do intérprete.
Música Aleatória
É baseada na imprevisibilidade tanto no processo de composição como na execução. Em algumas peças nem mesmo as notas são fornecidas, apenas uma série de símbolos para serem livremente interpretados. Tanto John Cage como Stockhausen fizeram amplo uso de processos aleatórios em suas composições. No entanto, se investigarmos melhor estas composições, encontraremos uma série de características ou marcas de estilos que permitem definir uma peça como sendo do século XX.

Grande parte dos teóricos musicais a exemplo de Otto Maria Carpeux (1900-1978) considera que as primeiras sementes do que viria a se chamar música contemporânea ou modernismo na música, deveu-se ao romântico Richard Wagner que com seu Tristão e Isolda (1865) chegou até as últimas possibilidades do cromatismo musical. Se fosse mais longe Wagner atravessaria as fronteiras do sistema tonal chegado a total atonalidade. Se não chegou a tanto, porém, basta dizer que Wagner foi uma influência fundamental na obra de Schoenberg (1874-1951) e na criação do sistema dodecafônico.

Música nativista

2008-02-22T10:52:00.000-08:00

Música nativista
Música nativista é um gênero musical brasileiro característico do Rio Grande do Sul e que tem como temas principais o amor pelas coisas do estado, pelo o cavalo, pelo rio e pela mulher. A música nativista é construída em cima de um andamento mais lento e intimista, com letras bastante elaboradas, conotativas e metafóricas.

A partir de década de 1970 começaram a surgir festivais de música nativista no estado, sendo o primeiro o Califórnia da Canção Nativa, em 1971, em Uruguaiana. Outros festivais são Tertúlia Musical Nativista, em Santa Maria; Festival da Barranca, em São Borja; Coxilha Nativista, em Cruz Alta; Musicanto Sul-americano de Nativismo, em Santa Rosa; Canto sem Fronteira, em Bagé; Tafona da Canção Nativa, em Osório; Acorde da Canção Nativa, em Camaquã; Estância da Canção Gaúcha, em São Gabriel; Semeadura da Canção Nativa, em Tupanciretã; Um Canto para Martin Fierro, em Santana do Livramento; Encontro Internacional de Chamameceros, em São Luiz Gonzaga; Cante uma Canção, em Vacaria; Gauderiada da Canção Gaúcha, em Rosário do Sul; Comparsa da Canção Gaúcha, em Pinheiro Machado; Grito do Nativismo Gaúcho, em Jaguari; e Reponte da Canção, em São Lourenço do Sul; Vigília do Canto Gaúcho de Cachoeira do Sul; Salamanca da Canção Nativa de Quaraí, entre outros. Um dos mais destacados festivais porém acontece na cidade de Lages, em Santa Catarina, a Sapecada da Canção Nativa.
Música nativista abrange os mesmos temas da música gaúcha, o cavalo, o amor pelo rio e pela mulher, porém, é construída em cima de um andamento mais lento, letras bastante trabalhadas, conotativas e metafóricas, muito bem elaboradas.
Em termos rítmicos, podemos dizer que as diferenças são maiores. a música nativa guarda ritmos mais lentos e intimistas.
acordeon (gaita de fole) conhecido como gaita ou cordeona é o principal instrumento musical para o fandango gaúcho, é o primeiro instrumento do conjunto que executa o baile gaúcho. A cordeona no fandango é mais importante do que o canto e o vocal do conjunto, é o tom musical mais alto, é o som mais percebido por quem escuta. Os outros instrumentos somente acompanham a cordeona. Sem gaita não existe fandango .
Guitarra originalmente é um instrumento musical de cordas não eletrificado, possui braço longo e caixa de ressonância de madeira em forma de ´8´. Com fundo chato, também conhecido como VIOLÃO de seis cordas, é o segundo instrumento do conjunto musical de fandango. É de muita importância para quem dança, pois é ele que dita e marca o compasso do ritmo musical.
O pandeiro é o terceiro instrumento do fandango, servindo apenas de acompanhamento dos demais instrumentos, pois de outra forma o conjunto musical corre o risco de transformar alguns ritmos do fandango em outros distantes das características originais e culturais.
É comum aparecer outros instrumentos pouco importantes , Baixo e guitarra elétrica, bateria, bumbo, teclado eletrônico, percussão, são alguns instrumentos nada originais ,devendo ser evitados.

Pasodoble

2008-02-22T10:42:00.000-08:00

Pasodoble é um estilo musical espanhol, surgido no século 16. É uma marcha de compasso 2/4 ou 6/8 e tempo allegro moderato. É utilizada tanto em touradas como em desfiles militares. Popularizada como estilo de dança a partir da década de 20.
Paso Doble - Dança originária da Espanha.
Após a 2ª Guerra Mundial, o Paso Doble foi acento como dança de competição,
Nesta dança a mulher é a "Toureira".
O homem por sua vez é dominado pela mulher, faz movimentos como se fosse o toiro e ambos com muito salero coreografam passos, comparando esta dança a uma tourada de Praça.
A origem deste estilo parece residir na Tonadilla Cénica, um estilo musical tipicamente espanhol, que na primeira metade do do séc. XVIII era utilizado para concluir Autos teatrais ou bailes encenados.
O pasodoble é uma das poucas formas de dança, de par, espanhola que se manteve até aos nossos dias, estando presente em muitas das festas e romarias populares que fazem parte da tradição de muitas regiões espanholas.
Algumas correntes de investigação defendem França como sendo o país originário desta forma musical. Aí terá tido a designação de Pás-redouble, sendo tocado por bandas de música durante desfiles militares desde 1780. Desse país ter-se-á desenvolvido e estendido a outros territórios como marcha de infantaria, regulando o passo dos soldados.
O pasoboble é uma forma de baile muito simples, com figuras livres, sendo muito fácil a sua aprendizagem. Aqui a mulher desempenha um papel importante. Ela é cortejada através de uma série de passos básicos executados pelo seu par.

Rumba

2008-02-22T10:35:00.000-08:00

Teve origem com a chegada de tribos africanas trazidas à Cuba pelos Espanhóis, mais precisamente na região de Quimbundo, Crioulla e Guiné. As danças dessas regiões eram inspiradas nos movimentos de animais (galo), Orixás (Xangô) e em situações do cotidiano.
Tais danças agrupavam uma exagerada combinação de movimentos do corpo em detrimento dos pés. A melodia era considerada menos importante do que o complexo cruzamento de ritmos produzidos pela percussão dos mais variados objetos do dia-a-dia.
uma dança cubana em compasso binário e ritmo complexo que influenciou e foi incorporado ao Flamenco. No flamenco, caracteriza-se por um estilo mais suave e descontraente, de certa forma alegre, e de caracter menos misterioso do que os outros palos flamencos, como seria o caso da bulería, por exemplo. Em termos da melodia, a escala menor harmônica não é tão utilizada quanto nos outros palos, sendo que geralmente uma escala diatônica predomina e interage em breves momentos com a menor harmônica em suas notas ciganas (o que de certo modo ajuda a manter as características do flamenco nesse estilo diferente). Um bom exemplo de Rumba (como palo Flamenco) é a canção "Entre dos Águas" composta por Paco de Lucía. A influência de outros estilos musicais no Flamenco ocorreu majoritariamente no início do século XX, enriquecendo-o e o popularizando no resto do mundo.
A Rumba, ou mais exactamente a Rumba Cubana, é sem duvida, a dança mais popular entre a maioria dos dançarinos latino - americanos. Os princípios que lhe servem de base são espantosamente simples, mas representam um grau de dificuldade que leva muitos anos a aperfeiçoar.
A Rumba Cubana foi consideradas pelos melhores bailarinos como a dança clássica entre todas as latino - americanas. O ritmo da Rumba baseia-se em 4 tempos em cada compasso, dos quais o 4 é o mais forte. O Andamento padrão, é de 27 compassos por minuto.
Origem indígena ,descendência Porto-Riquenha com desenvolvimento em Cuba.

Cha-cha-cha

2008-02-22T10:27:00.000-08:00

O Cha-Cha-Cha é uma derivação do Mambo, criada pelo violinista Enrique Jorrín, que tornou-se popular na década de cinquenta. Inspirado no som dos pés dos dançarinos ao arrastá-los pelo chão, este estilo acabou tornando-se independente, com características próprias de música e dança.O Cha – Cha – Cha é uma dança latino – americana, originária de cuba, tem origem cubana e tornou-se popular durante o anos 50, com bandas como as de Xavier Cugat e Perez Prado. Podemos encontrar o seu ritmo em muita da música popular actual.
Esta dança popular cubana de caráter festivo, derivada da primitiva seção rítmica mambo do danzón, foi criada pelo violinista Enrique Jorrín¹ , que popularizou o cha-cha-chá na década de cinquenta. O termo inspirou-se no som dos pés dos dançarinos quando deslizavam no chão, acabando por se tornar um estilo musical completamente independente do danzón.
O cha-cha-chá é um gênero não só de dança como de canção. O cha-cha-chá, com toda música caribenha, se fundamenta numa forte percussão. Bongôs, congas e timbales se encarregam de marcar o som, sempre com acento musical mais forte na primeira batida de cada compasso. A música, originária de Cuba, deve sua forma principalmente ao compositor Enrique Jorrin, que com sua orquestra improvisava em cima de mambos, convidando seu público a fazer o mesmo na dança. La engañadora, primeiro disco de Jorrin, de 1953, já registrava o ritmo, que acabou batizado de cha-cha-chá em referência ao ruído dos pés das pessoas que dançavam no salão. O cha-cha-chá foi criado numa instrumentação tradicional do começo do século denominada charanga francesa, ou seja, com flauta, violinos e percussão. Essas “raízes francesas” na música cubana são explicadas de maneiras diversas. A tumba francesa, por exemplo, reúne toques de tambor desenvolvidos pelos negros que emigraram no Haiti; já a presença de violinos em Havana recebeu passaporte francês porque era instrumento comum nos Prostíbulos. Violinos e flautas, por serem instrumentos leves e portáteis, animavam as noites nos cabarés de propriedades de madames francesas. Apesar da sua origem de charanga, o cha-cha-chá popularizou-se no mundo com as formações de big band. A forte influência do jazz e a proximidade com os Estados Unidos fizeram com que os cassinos de Havana passassem a empregar big bands, nas quais havia claro predomínio de instrumentos de sopro. Nessa orquestras, o cha-cha-chá adquiriu sua instrumentação mais vigorosa e definitiva. Rapidamente, esse ritmo dançante conquistou os cubanos, tornando-se um hit capaz de concorrer com os outros sons da ilha. Com ele, as orquestras com cantores, recuperaram sua força e ganharam espaço em clubes luxuosos e em disputados canais de televisão. Durante o cha-cha-chá, o envolvimento dos parceiros não é tão íntimo quanto o que ocorre na execução de uma rumba, por exemplo, e os iniciantes dominam com facilidade os passos. A dança se orienta por um movimento chamado Chassé-três passos ligados - que coincide com as batidas de cada compasso da música. As coreografias básicas permitem variações infinitas, o que faz com que cada dançarino possa dar a sua assinatura pessoal ao acompanhar o ritmo.

Frevo

2008-02-22T10:22:00.000-08:00

Palavra Frevo nasceu da linguagem simples do povo e vem de "ferver", que as pessoas pronunciavam "frever". Significava fervura, efervescência, agitação.
O Frevo é um ritmo pernambucano derivado da marcha e do maxixe. Surgido no Recife no final do Século XIX, o frevo se caracteriza pelo ritmo extremamente acelerado. Muito executado durante o carnaval, eram comuns conflitos entre blocos de frevos, em que capoeiristas saíam à frente dos seus blocos para intimidar blocos rivais e proteger seu estandarte. Da junção da capoeira com o ritmo do frevo nasceu o passo, a dança do frevo.
Dançarino de Frevo com a tradicional sobrinha.
A Capoeira é uma luta que influenciou diretamente as origens do Frevo.Até as sombrinhas coloridas seriam uma estilização das utilizadas inicialmente como armas de defesa dos passistas.
A dança do frevo pode ser de duas formas, quando a multidão dança, ou quando passistas realizam os passos mais difíceis, de forma acrobática. O frevo possui mais de 120 passos catalogados.
Pode-se afirmar que o frevo é uma criação de compositores de música ligeira, feita para o carnaval. Os músicos pensavam em dar ao povo mais animação nos folguedos. No decorrer do tempo, a música ganha características próprias acompanhadas por um bailado inconfundível de passos soltos e acrobáticos.
Dança instrumental, marcha em tempo binário e andamento rapidíssimo. Assim o ensaísta Mário de Andrade sumariza o frevo em seu Dicionário Musical Brasileiro (Editora Itatiaia, reedição, 1989). Derivado da polca marcial, inicialmente chamado "marcha nortista" ou "marcha pernambucana", o frevo dos primórdios trazia capoeiristas à frente do cortejo. Das gingas e rasteiras que eles usavam para abrir caminho teria nascido o passo, que também lembra as czardas russas. Até as sombrinhas coloridas seriam uma estilização das utilizadas inicialmente como armas de defesa dos passistas. De instrumental, o gênero ganhou letra no frevo canção e saiu do âmbito pernambucano para tomar o país. Basta dizer que O Teu Cabelo Não Nega, de 1932, considerada a composição que fixou o estilo da marchinha carnavalesca carioca, é na verdade uma adaptação do compositor Lamartine Babo do frevo Mulata, dos pernambucanos Irmãos Valença. A primeira gravação com o nome do gênero foi o Frevo Pernambucano (Luperce Miranda/ Oswaldo Santiago) lançada por Francisco Alves no final de 1930. Um ano depois, Vamo se Acabá, de Nelson Ferreira pela Orquestra Guanabara recebia a classificação de frevo. Dois anos antes, ainda com o codinome de "marcha nortista", saía do forno o pioneiro Não Puxa Maroca (Nelson Ferreira) pela orquestra Victor Brasileira comandada por Pixinguinha.
De instrumental, o gênero ganhou letra no frevo-canção e saiu do âmbito pernambucano para tomar o resto do Brasil. Basta dizer que O Teu Cabelo Não Nega, de 1932, considerada a composição que fixou o estilo da marchinha carnavalesca carioca, é uma adaptação do compositor Lamartine Babo do frevo Mulata, dos pernambucanos Irmãos Valença.[4]

A primeira gravação com o nome do gênero foi o Frevo Pernambucano (Luperce Miranda/Oswaldo Santiago) lançada por Francisco Alves no final de 1930. Um ano depois, Vamo se Acabá, de Nelson Ferreira pela Orquestra Guanabara recebia a classificação de frevo.

Dois anos antes, ainda com o codinome de "marcha nortista", saía do forno o pioneiro Não Puxa Maroca (Nelson Ferreira) pela orquestra Victor Brasileira comandada por Pixinguinha.
Ases da era de ouro do rádio como Almirante (numa adaptação do clássico Vassourinhas), Mário Reis (É de Amargar, de Capiba), Carlos Galhardo (Morena da Sapucaia, O Teu Lencinho, Vamos Cair no Frevo), Linda Batista (Criado com Vó), Nelson Gonçalves (Quando é Noite de Lua), Cyro Monteiro (Linda Flor da Madrugada), Dircinha Batista (Não é Vantagem), Gilberto Alves (Não Sou Eu Que Caio Lá, Não Faltava Mais Nada, Feitiço), Carmélia Alves (É de Maroca) incorporaram frevos a seus repertórios.
Em 1950, inspirados na energia do frevo pernambucano, a bordo de uma pequena fubica, dedilhando um cepo de madeira eletrificado, os músicos Dodô & Osmar fincavam as bases do trio elétrico baiano que se tornaria conhecido em todo o país a partir de 1969, quando Caetano Veloso documentou o fenômeno em seu Atrás do Trio Elétrico.

Cúmbia

2008-02-22T10:18:00.000-08:00

Cúmbia é a música típica nacional da Colômbia. De início, surgiu nos guetos das grandes cidades colombianas, sendo que até hoje é uma categoria popular da música. O ritmo se disseminou por todos ou quase todos países falantes do castelhano na América Latina. Atualmente é considerado o ritmo musical mais popular da Argentina e de outros países vizinhos. A cumbia é um estilo de música tradicional da Colômbia e Panamá, e uma dança popular de distintos países latino-americanos.
Origens culturais: Ritmo Afro-Colômbiano de épocas de escravatura e colonização na Colômbia e Panamá
Instrumentos comuns: gaita macho, gaita hembra, maracas
Popularidade: Alta nos anos 50
Subgêneros: Cumbiamba, Cumbia villera, cumbia mexicana, Cumbia Peruana, Cumbia Andina, technocumbia.
A etimologia do vocábulo é muito controvertida, sem dúvida a hipóteses mais amplamente aceita sobre sua origem é que o termo é de origem bantu e deriva de cumbé, ritmo e dança da zona de Mbata, na Guiné Equatorial.
A Cumbia é um dos principais marcos da expressão africana na América, já que os "fundadores" foram os descendentes de escravos colombianos vindos da África. A palavra cúmbia vem de cumbé, que significa festa. É originaria da parte alta do vale do río Magdalena (Colômbia), da zona geográfica denominada a depressão momposina, e mais precisamente da zona correspondente ao país indígena Pocabuy (incluídas as culturas das sabanas e do Sinú) que esteve conformado pelas atuais populações de El Banco, Guamal, Menchiquejo e San Sebastián no Magdalena, Chiriguaná e Tamalameque no Cesar y Mompós, Chilloa, Chimí y Guatacá no Bolívar, [1] Os africanos que chegaram como escravos a estas regiões, ao contar a historia de seus grupos étnicos e aqueles feitos famosos dignos de guardar na memória, se serviam de certos cantos que distinguiam com o nome de “areítos”, que queria dizer, Bailar cantando: Pondo no alto as candeias, levavam o coreo, que era como a lição histórica que, depois de ser ouvida e repetida muitas vezes,
Podemos citar a vários autores sobre o origem da cumbia: • Don Tomais Carrasquilla: "os tamboriles y caramilhos seguem e seguem; seguem a Gaita Colombiana, seguem o bombo.... Vem depois 'el perillero', logo a 'gaitera' e outras danças menos complicadas; em fim, esses pais da cumbia". • Don Narciso Garay, historiador panamenh: "A palavra Cumbia tem a mesma raiz de Cumbé, ritmo de origem africano registrado pelo dicionário da língua como 'baile de negros'". • José Barros: "a cumbia nasceu na Colômbia no país de Pocabuy formado por El Banco, Chiriguaná, Mompox, Tamalameque, Chilloa, Guamal, Chimí, Guataca. Pocabuy era um país indígena que se estendia o todo o largo do río Tucurinca” (atual Magdalena). • Guillermo Abadia Morales: "O termo cumbia deve ter relação com o termo antilhano 'cumbancha' que em Cuba significa jolgorio ou parranda. Ambas derivam da voz negra 'cumbé' que teve o significado de dança... a cumbia é una tonada musical mas nunca, canto. Segundo ele, predomina nos departamentos de Bolívar, Atlántico, Sucre, Córdoba e alguma parte do Magdalena". • Aquiles Escalante: "A palabra 'cumbia' não é espanhola nem indígena porque não se encontra em nenhum vocabulário da familia Arawak nem Karib e a considera como uma voz africana. Considera Escalante que Kumba era um toponímico e gentilício que foi estendido na África, desde o Norte de Guiné ao Congo". Assim, a maioria de autores discute sobre o local exato de sua origem, mas não há consenso de que é Colombiana, nasceu e cresceu na Costa Atlântica, e que procede de negros e amerindios.
Na região do Caribe há grande variedade de instrumentos que representam a cumbia clássica e a cumbia moderna. Cumbia clássica
A cumbia clásica consta de instrumentos como a kuisi sigí (gaita macho), a kuisi bunzí (gaita hembra) e uma maraca (taní) acompanhadas algumas vezes das suaras (idênticas às gaitas anteriores). Se trata de um estilo zambo que está formado por uma melodia indígena e um ritmo de tambores negros, esta nunca se canta, só dança e toque instrumental.

Grunge

2008-02-22T10:13:00.000-08:00

Grunge é o nome dado ao movimento musical de Seattle iniciado no fim dos anos 80, um movimento que se diferenciava do Rock que era tocado na época. Foi preciso dar um nome a essa explosão musical que estava se tornando a nova moda, e Grunge (que quer dizer sujo em inglês) é esse nome. Grunge é apenas o nome dado pela mídia e adotado pelo público a essa explosão de banda vindas de Seattle e suas proximidades. As bandas na verdade não possuem, necessariamente, semelhança musical, cada uma possui influências diferentes e características particulares, como em qualquer movimento, porém, todas enfrentavam a mesma realidade, existe semelhança nos temas e comportamento destas bandas. Associa-se ao grunge, a mídia principalmente, bandas como Nirvana, Alice in Chains, Soundgarden, Pearl Jam, Stone Temple Pilots, Mudhoney, Temple of the Dog e outras bandas que pegaram carona nesse movimento como L7 e Hole. Na maior parte das vezes as letras são depressivas ou Rmelancólicas como nota-se em Nirvana e Alice in Chains, além de trazer um quê de rebeldia, sempre presente no rock, fazendo assim com que as pessoas que se enquadram nestes termos se identifiquem com a música.

Calça rasgada, jeito largado, camisas de flanela quadriculadas, all stars, era como se apresentavam os jovens no início da década de 90 , sendo esta a imagem que até hoje associam ao movimento. Mas não é necessário estar a carácter de algum estilo para segui-lo. "Muitas pessoas acham respostas na religião, outras nas pessoas em volta... O grunge acha na música.".

Outro ponto que explica a quantidade de bandas na cidade de Seattle pode estar relacionado ao clima sempre chuvoso, transformando as características da cidade em sombria e tediosa. Muitos garotos não tem o que fazer a não ser montar uma banda na sua garagem
O grunge emergiu como um gênero popular, e sua aceitação pelo público é geralmente entendida como uma reação contra o domínio do hair metal. As bandas de hair metal, como W.A.S.P, Poison e Mötley Crüe estavam dominando as paradas, especialmente nos Estados Unidos, por vários anos.

O grunge foi assimilado pela juventude graças ao seu simples caráter desafiador, que era uma provocação às normas da cultura popular da época, vista por muitos como dominada por corporações e superficial.

O Nirvana é geralmente tido como a banda que levou o gênero à consciência popular, (e de certa forma ao contrario da essência despreocupada do grunge, que levou ao rotulo "grunge is dead" pelo próprio Kurt Cobain, (vocalista da banda) em 1991. O sucesso da música "Smells Like Teen Spirit" (do álbum Nevermind) surpreendeu toda a indústria da música. O álbum, segundo da carreira do Nirvana, foi um hit que atingiu o primeiro lugar em todo o mundo. O Pearl Jam, outra banda que começava então a conseguir popularidade, havia lançado seu álbum de estréia, Ten, um mês antes que o segundo álbum do Nirvana, em Agosto de 1991, mas suas vendas só decolaram após o sucesso da banda de Kurt Cobain. Outras bandas populares baseadas em Seattle também serviram como "pilares" do gênero como o Soundgarden, Alice in Chains e Tad, embora bandas de outras regiões, como Stone Temple Pilots, de San Diego, The Nixons, de Oklahoma, o The Smashing Pumpkins, de Chicago, L7 de Hollywood, além de bandas do que seria o embrião do subsequente rótulo pós-grunge como o Silverchair, da Austrália, e a banda britânica Bush também tenham alcançado o sucesso.

Hardcore

2008-02-22T10:07:00.000-08:00

Hardcore é o nome atribuído a uma variação extrema de algo. Hardcore significa literalmente miolo, ou centro, duro. A palavra era usada para designar militantes agressivos e também criminosos.

Hardcore, no contexto punk, refere-se à cena musical surgida internacionalmente através da "segunda onda" do punk, no começo da década de 1980, e mais comumente à um estilo de punk rock caracterizado inicialmente por tempos extremamente acelerados, canções curtas, letras baseadas no protesto político e social, revolta e frustrações individuais, cantadas de forma agressiva.

No final dos anos 70 (pode-se usar 1978 como ano-zero), uma série de bandas, em particular nas cidades costeiras do sul da Califórnia, nos Estados Unidos, em geral adolescentes suburbanos, formaram uma cena punk mais extrema (tanto no aspecto musical como comportamental) comparada às variações de sucesso de outras regiões do país e do resto do mundo. Hardcore significa literalmente "núcleo duro", mas o significado mais adequado em português seria "casca-grossa" e traduzido ao "pé da letra" Notas Pesadas.

A palavra já era usada para designar militantes agressivos, criminosos ou qualquer versão mais extrema ou exagerada de algo e foi adotada por punks como sinônimo de originalidade e radicalismo, tanto em oposição à sonoridade mais lenta e fiel ao Rock and Roll tradicional dos medalhões do punk rock como Sex Pistols, quanto à versão comercial e açucarada do gênero, conhecida como New Wave, que começava a triunfar nas FMs.

Algumas das bandas pioneiras desta cena hardcore inicial da Califórnia, entre 1978 e 1980 foram os Germs, Black Flag, Middle Class, The Adolescents, Suicidal Tendencies, Vicious Circle (que gerou o TSOL) no sul do Estado e, em São Francisco, os Dead Kennedys. Paralelamente, os Bad Brains e os Teen Idles desenvolviam um estilo semelhante do outro lado do país, em Washington D.C.

Qual foi o primeiro disco do gênero é um ponto polêmico, mas dois discos que combinam pioneirismo com uma postura hardcore definida foram os EPs "Out of Vogue" da banda Middle Class (na altura o disco de rock mais veloz de todos os tempos) e "Nervous Breakdown", do Black Flag (menos rápido, mas igualmente agressivo), lançados em 1978. Neste mesmo ano saiu também o EP "Lexicon Devil", dos Germs, que, acelerando o andamento em relação ao primeiro single da banda, serviu como ponte entre a primeira geração do punk de Los Angeles e o Hardcore propriamente dito. O álbum da banda, "GI", sairia no ano seguinte e conteria ainda mais traços do que passaria a se chamar de Hardcore.
O hardcore é uma evolução da música punk na busca de algo mais sério e impactante, depois que o punk e o punk-rock tiveram seu boom em 77.

Como no punk-rock, o baixo é alto à beça. Porém a batida é bem mais rápida e reta. As guitarras ainda são estridentes, mas são mais pesadas e com palhetadas bem mais rápidas. As letras continuam raivosas e irônicas, mas percebe-se um pouco mais de seriedade. E o vocal é muito mais gritado.
O hardcore é um estilo muito mais variado, que abriga várias bandas quem nem mesmo são parecidas. Não que o punk-rock seja padronizado, mas não tem a mesma variedade de sub-estilos (horrível falar isso, mas é pra me fazer entender). Sendo que a escola inglesa é muito diferente da americana.
Apesar do uso do termo Hardcore ter de fato se popularizado nos Estados Unidos, a Inglaterra também desenvolveu sua versão mais ou menos na mesma época. Lá, já no final dos anos 70 nomes como os U.K. Subs já aceleravam o andamento do Punk e bandas como o Crass radicalizavam a política do movimento, prenunciando o que estava por vir e se diferenciando das primeiras bandas, como Sex Pistols e The Clash.

Mas o marco zero do Hardcore britânico de-facto foi o lançamento do EP "Realities of War", do Discharge. Com 4 músicas em 5 minutos e letras curtas e grossas (espécies de hai kais punks) sobre guerra e destruição, era o mais brutal pedaço de vinil já produzido pela cena musical inglesa. A imprensa não entendeu e apesar (ou por causa) das resenhas negativas, o lançamento influenciou rapidamente outras bandas a adotarem música e discurse semelhantes, inicialmente o Disorder (cujo primeiro EP "Complete Disorder" saiu no ano seguinte) e pouco depois Chaos UK, Varukers, Chaotic Dischord, e muitas outras.

Algumas bandas, como Exploited e GBH costumam ser ligadas ao Hardcore britânico, mas o som um pouco mais "ortodoxo", menos direcionamento político e mais "fidelidade" ao punk dos anos 70 tornam sua classificação dentro do gênero um pouco problemática.

Ao contrário do que ocorreu nos EUA, o Hardcore inglês radicalizou tanto na música e política quanto no visual. O couro (ou qualquer outro material) preto, arrebites e espetos tomaram conta da indumentária e os cortes de cabelo passaram a ser ainda mais arrepiados e muitas vezes mais longos, em forma de múltiplos cones.

Metal progressivo

2008-02-22T10:01:00.000-08:00

Trata-se de uma combinação de rock progressivo, muitas vezes abordando faixas de duração pouco usual (algumas chegam até 20 minutos ou ainda mais) com direito a movimentos e diferentes atmosferas dentro deste período e a presença de músicos com competência acima da média, com toda agressividade heavy metal, embora o rock progressivo também tenha coisas mais agressivas até mesmo que o segundo (vide King Crimson).

Sua origem vem do rock progressivo das décadas de 1960 e 1970 como Pink Floyd, Yes, Genesis e Rush. Mas o metal progressivo não desenvolveu seu próprio gênero antes da segunda metade da década de 1980. Pode-se dizer um precursor do prog metal foi o Hig Tide, que publicou dois álbuns, em 1969 e 1970, especialmente seu primeiro álbum “Sea Shanties”. Bandas como Dream Theater, Queensrÿche e Fates Warning colocaram elementos desses grupos de rock progressivo, principalmente a estrutura da composição das músicas, e mesclando com caracteristicas do heavy metal, atribuídas a bandas como Metallica, Megadeth, Deep Purple, Black Sabbath e Iron Maiden. O resultado pode ser descrito como a mentalidade do rock progressivo com estilo de heavy metal. O gênero alcançou seu auge comercial no final da década de 80, quando "Silent Lucidity" do Queensrÿche esteve constantemente nas rádios e na MTV. Não era uma típica música de prog metal, mas fez com que se abrissem as portas para uma nova legião de fãs do Queensrÿche, tendo surtido efeito na popularidade de outras bandas de prog metal da época. Em 1993, "Pull Me Under" do Dream Theater, uma música mais típica de prog metal do que "Silent Lucidity" e ainda numa linha mais próxima ao heavy metal, se tornou popular no rádio e na MTV.

O Metal progressivo (conhecido como Prog ou simplesmente prog metal, onde diferenciamos do rock progressivo) é uma versão pesada do rock progressivo, distingüido pelo uso de estruturas de composição complexas, linhas de tempo diferentes e outras características.

Músicas de longa duração, desde os seus quatro minutos até os discos de uma única faixa; utilização e apropriação de elementos de vários estilos não comumente associados ao rock: a música folclórica (do país da banda em questão), o jazz, a música erudita (incluindo aí o clássico, o barroco, o medieval, o renascentista, o romântico, o moderno e o contemporâneo em todas as suas vertentes), o blues, etc; uma maior complexidade das composições, tanto em termos de melodia quanto de arranjos e ritmo, em comparação ao que normalmente se entende por Rock. Uma busca pela experimentação e por sons exóticos, daí a importância dos teclados e sintetizadores para o estilo; uma variedade de ritmos e tonalidades dentro de uma mesma composição, gerando a tal impressão de música "difícil e/ou pretensiosa" e o rompimento com o caráter dançante do rock."

Outras características do estilo: "movimentos que formam um todo orgânico, com crescendos, solos coletivos e finais falsos como alternativas ao formato-canção."

Música celta

2008-02-22T09:52:00.000-08:00

O termo música celta refere-se aos estilos populares da Irlanda, Escócia, País de Gales e Bretanha, que usavam as formas tradicionais de danças e os improvisos dos trovadores. É caracterizada pelo ritmo vigoroso das danças, a utilização de flautas e de rabecas, e o uso de línguas locais nas letras das músicas.

Somente a partir dos anos 1960, com o Movimento Nacional Irlandês, o universo "celta" popularizou-se nos Estados Unidos e marcou o cenário pop das décadas de 60, 70 e 80. Nos anos 1990, explodiu nas paradas mundiais com o New Age e artistas como Enya.
As subdivisões mais comuns são: New Age, Tradicional, Fusion e Folk.
Os instrumentos usados são todos modernos, tendo quase todos sido inventados ou transformados no Século XVII e XVIII. A música folclórica irlandesa conservou fortes traços da música barroca, onde a "música celta" tem as suas verdadeiras raízes. E através desta herança rica e ímpar, a Irlanda lega ao mundo esplendorosas sonoridades, todas com um estilo único e incomparável, alguns exemplos de musicas célticas atuais são de bandas como Era conhecida pela música Ameno. Além da flauta, violino, harpa e concertina (conhecidas na maior parte do mundo), ainda existe um importante instrumento de percussão pouco conhecido, chamado bodhrán.

O termo música celta é muito controverso, pois os celtas como povo identificável não existem mais. Existem, sim, os povos em que a influência dos celtas é mais visível, como nas chamadas sete nações celtas: Escócia, Irlanda, Pais de Gales, Bretanha (região da França) , Galícia (Espanha) , Cornualha (Inglaterra) e a Ilha de Mann (Grã Bretanha) , assim como os paises que sofreram influência desses povos, tais como os EUA e o Canadá (em sua região Norte). Confunde-se muitas vezes a new age com a música celta, mas o fato é que esse estilo tem muito pouco em comum com a música tradicional. A música tradicional celta é composta por danças tais como as reels, as jigas, valsas, marchas, entre outras, que podem ser tocadas por violinos, acordeons, flautas, whistles (espécie de flauta irlandesa) , banjo (usado mais nos EUA) , gaitas de foles, bodhran (instrumento de percussão).

Música medieval

2008-02-22T09:46:00.000-08:00

Melodia gregoriana - A rápida expansão do cristianismo exige um maior rigor do Vaticano, que unifica a prática litúrgica romana no século VI. O papa Gregório I (São Gregório, o Magno) institucionaliza o canto gregoriano que se torna modelo para a Europa católica. A notação musical sofre transformações, e os neumas são substituídos pelo sistema de notação com linhas. O mais conhecido é o de Guido d'Arezzo (995? 1050?). No século XI, ele designa as notas musicais como são conhecidas atualmente: ut (mais tarde chamada dó), ré, mi, fá, sol, lá, si.

A música mais antiga que conhecemos, tanto sacra como profana, é feita de uma única melodia, sem acompanhamento ( cantochão ) . Eram melodias que fluiam livremente, quase sempre dentro da extensão vocal de uma oitava, desenvolvida com suavidade, sem grandes saltos. Com rítmos irregulares;a linha melódica obedecia os acentos naturais das palavras latinas.

música medieval, em tese, acompanha essa cronologia e que foi produzida por praticamente mil anos. Assim, ela nasceria com as primeiras manifestações artísticas de uma nova cultura, fundamentada na síntese das sociedades romana e germânica, ambas articuladas pela Igreja.

A crise dessa sociedade marcaria também o declínio da música medieval. Comparável aos documentos históricos medievais em geral, o corpo de peças musicais do período aumenta à medida que se aproxima o seu fim. Tal fato relaciona-se principalmente ao desen-volvimento dos sistemas de notação musical (portanto é uma questão de registro, não devendo se confundir com um retrato da intensidade da prática musical vigente).
Cantochão é um tipo de música muito simples: sem acompanhamento na sua primeira fase, apenas uma melodia, ritmo irregular. As melodias, dificilmente saiam de uma oitava.Não utiliza instrumento nenhum.É o tipo de música que servia para cantos da igreja.

O surgimento e desenvolvimento da polifonia escrita e das primeiras notações musicais no Ocidente deram-se na Idade Média. Freqüentemente, o caráter litúrgico ou paralitúrgico e festivo ligam a música aos ritos religiosos (a exemplo do cantochão e do calendário gregoriano), ou àqueles de reminiscência pagã (como as festas da chegada da Primavera).

É também nessa era que o amor profano se expressa em todo seu refinamento na arte dos trovadores e que a monofonia atinge a maturidade no Ocidente.

O período da música medieval é marcado pela estrutura modal praticada nas himnodias e salmodias, no canto gregoriano, nos organuns polifônicos, nas composições polifônicas da Escola de Notre-Dame, na Ars Antiqua e Ars Nova e ainda na música dos trovadores e troveiros.

Os sistemas de notação impulsionam a música polifônica, já em prática na época como a música enchiriades, descrita em tratado musical do século IX, que introduz o canto paralelo em quintas (dó-sol), quartas (dó-fá) e oitavas (dó-dó). É designado organum paralelo e no século XII cede espaço ao organum polifônico, no qual as vozes não são mais paralelas, mas sim independentes umas das outras. O Organum é a evolução do cantochão. Os compositores passaram a ornamentar mais as suas músicas usando mais de uma linha melódica dando origem ao organum:

Organum Paralelo: Era acrescentado uma linha melódica, a vox organalis (voz organal)duplicava a vox principalis (voz principal, que conservava o cantochão) em intervalos de quartas ou quintas.

Organum Livre: a vox organalis começou a se libertar da vox principalis, deixou de copiá-la diferenciando-se apenas com quintas ou quartas e passou a abaixar enquanto a voz principal se elevava (movimento contrário), conservava-se fixa enquanto a voz principal se movia (movimento oblíquo), seguia a mesma direção da voz principal mas não exatamente pelo mesmo intervalo (movimento direto). Mas o estilo de nota contra nota (enquanto uma voz canta em semínima a outra também em semínima...) continuava.

Organum melismático: o estilo nota contra nota foi abandoado. Uma melisma é quando uma sílaba é cantada por um grupo de notas, por isso Organum Melismático.

Carimbó

2008-02-22T09:26:00.000-08:00

A mais extraordinária manifestação de criatividade artística do povo paraense foi criada pelos índios Tupinambá que, segundo os historiadores, eram dotados de um senso artístico invulgar, chegando a ser considerados, nas tribos, como verdadeiros semi-deuses.
Inicialmente, segundo tudo indica, a "Dança do Carimbó" era apresentada num andamento monótono, como acontece com a grande maioria das danças indígenas. Quando os escravos africanos tomaram contato com essa manifestação artística dos Tupinambá começaram a aperfeiçoar a dança, iniciando pelo andamento que , de monótono, passou a vibrar como uma espécie de variante do batuque africano.

Por isso contagiava até mesmo os colonizadores portugueses que, pelo interesse de conseguir mão-de-obra para os mais diversos trabalhos, não somente estimulavam essas manifestações, como também, excepcionalmente, faziam questão de participar, acrescentando traços da expressão corporal característica das danças portuguesas. Não é à toa que a "Dança do Carimbó" apresenta, em certas passagens, alguns movimentos das danças folclóricas lusitanas, como os dedos castanholando na marcação certa do ritmo agitado e absorvente.

O Carimbó é considerado um estilo musical de origem indígena, porém, como diversas outras manifestações culturais brasileiras miscigenou-se e recebeu outras influências. Seu nome, em tupi, refere-se ao tambor com o qual se marca o ritmo, o Curimbó. O Carimbó tem influência negra, presente no ritmo percussivo e influências portuguesas(os estalos dos dedos e palmas em algumas partes da dança) e européias em geral, recebendo a carga melódica do colonizador. Surgida em torno de Belém na zona do salgado (Marapanim, Curuça, Algodoal...) e na Ilha de Marajó, passou de uma dança tradicional para um ritmo moderno, influenciando a lambada e o zouk.

Na forma tradicional, é acompanhada por tambores feitos com troncos de árvores. Aos tambores se dá o nome de "curimbó", uma corruptela da palavra Carimbó. Costumam estar presentes também os maracás.

Nos anos 60 e 70, adicionaram-se ao carimbó instrumentos elétricos (como guitarras) e influências do merengue e da cúmbia. O ritmo tornou-se popular no Nordeste do Brasil e gerou a lambada, que espalhou-se para o resto do mundo (que ironicamente foi popularizada por um grupo boliviano, Los K'jarkas).

A formação instrumental original do carimbó era composta por dois curimbós: um alto e outro baixo, em referência aos timbres (agudo e grave) dos instrumentos; uma flauta de madeira (geralmente de ébano ou acapú, aparentadas ao Pife do nordeste), maracás e uma viola cabocla de quatro cordas, posterioomente substituída pelo banjo artesanal, feito com madeira, cordas de náilon e couro de veado. Hoje o instrumental incorpora outros instrumentos de sopro, como flautas, clarinetes e saxofones.

Sendo a música preferida pelos pescadores marajoaras (ainda não conhecida como carimbó) o ritmo atravessou a baía de Guajará com esses pescadores e veio dar em praias do salgado paraense. Em alguma região próxima às cidades de Marapanim e Curuçá, o gênero se solidificou, ganhando o nome que tem hoje. Maranhãozinho, no município de Marapanim; e Aranquaim, em Curuçá, são dois dos sítios que reivindicam hoje a paternidade do gênero "Carimbó", sendo o primeiro o mais provável deles. Em Marapanim, na região do Salgado, nordeste paraense, o gênero é bastante cultivado, acontecendo anualmento o "Festival de Carimbó de Marapanim - O Canto Mágico da Amazônia", no mês de novembro.

Funk

2008-02-22T09:21:00.000-08:00

O Funk é um estilo bem característico da música negra norte-americana, desenvolvido por artistas como James Brown e por seus músicos, especialmente Maceo Parker e Melvin Parker.

O funk pode ser melhor reconhecido por seu ritmo sincopado, pelos vocais de alguns de seus cantores e grupos (como Cameo, ou os Bar-Kays). E ainda pela forte e rítmica seção de metais, pela percussão marcante e ritmo dançante, e a forte influência do jazz (como exemplos, as músicas de Herbie Hancock, George Duke, Eddie Harris e outros).

Os músicos negros norte-americanos primeiramente chamavam de funk à música com um ritmo mais suave. Esta forma inicial de música estabeleceu o padrão para músicos posteriores: uma música com um ritmo mais lento, sexy, solto, orientado para frases musicais repetidas (riffs) e principalmente dançante. Funky era um adjetivo típico da língua inglesa para descrever estas qualidades. Nas jam sessions, os músicos costumavam encorajar outros a "apimentar" mais as músicas, dizendo: Now, put some stank (stink/funk) on it!" (algo como "coloque mais 'funk' nisso!"). Num jazz de Mezz Mezzrow dos anos 30, Funky Butt, a palavra já aparecia.

Devido à conotação sexual original, a palavra funk era normalmente considerada indecente. Até o fim dos anos 50 e início dos 60, quando "funk" e "funky" eram cada vez mais usadas no contexto da soul music, as palavras ainda eram consideradas indelicadas e inapropriadas para uso em conversas educadas.

A essência da expressão musical negra norte-americana tem suas raízes nos spirituals, nas canções de trabalho, nos gritos de louvor, no gospel e no blues. Na música mais contemporânea, o gospel, o blues e suas variantes tendem a fundir-se. O funk se torna assim um amálgama do soul, do jazz e do R&B.

Nos anos 70, George Clinton, com suas bandas Parliament, e, posteriormente, Funkadelic, desenvolveu um tipo de funk mais pesado, influenciado pela psicodelia. As duas bandas tinham músicos em comum, o que as tornou conhecidas como 'Funkadelic-Parliament'. O surgimento do Funkadelic-Parliament deu origem ao chamado P-Funk', que se referia tanto à banda quanto ao subgênero que desenvolveu.

Outros grupos de funk que surgiram nos anos 70 incluem: B.T. Express, Commodores, Earth Wind & Fire, War, Lakeside, Brass Construction, KC & Sunshine Band, Kool & The Gang, Chic, Fatback, The Gap Band, Instant Funk, The Brothers Johnson, Skyy, e músicos/cantores como Jimmy "Bo" Horne, Rick James, Chaka Khan, Tom Browne, Kurtis Blow (um dos precursores do rap), e os popstars Michael Jackson e Prince.

Nos anos 80 o funk tradicional perdeu um pouco da popularidade nos EUA, à medida em que as bandas se tornavam mais comerciais e a música mais eletrônica. Seus derivados, o rap e o hip hop, porém, começaram a se espalhar, com bandas como Sugarhill Gang e Soulsonic Force. A partir do final dos anos 80, com a disseminação dos samplers, partes de antigos sucessos de funk (principalmente dos vocais de James Brown) começaram a ser copiados para outras músicas pelo novo fenômeno das pistas de dança, a house music.

Nesta época surgiu também algumas derivações do funk como o Miami Bass, DEF, Funk Melody e o Freestyle que também faziam grande uso de samplers e baterias eletrônicas. Tais ritmos se tornaram combustível para os movimentos Break e Hip Hop.

Os anos 80 viram também surgir o chamado funk-metal, uma fusão entre guitarras distorcidas de heavy-metal e a batida do funk, em grupos brancos como Red Hot Chili Peppers e Faith No More.

No Brasil, o Funk americano recebeu muitas influências e modificações, tornando-se uma vertente totalmente nacional, é o Funk carioca, que nasceu nos bailes dançantes das favelas e morros da cidade do Rio de Janeiro e se propagou para o resto do Brasil e do mundo.

Chorinho

2008-02-22T09:17:00.000-08:00

Na segunda metade do século XIX, surge o Choro ou Chorinho, a partir da mistura do lundu, da modinha e da dança de salão européia. Em 1899, a cantora Chiquinha Gonzaga compõe a música Abre Alas, uma das mais conhecidas marchinhas carnavalescas da história.
O Choro, popularmente chamado de chorinho, é um gênero musical, uma música popular e instrumental brasileira, com mais de 130 anos de existência. Os conjuntos que o executam são chamados de regionais e os músicos, compositores ou instrumentistas, são chamados de chorões. Apesar do nome, o gênero é em geral de ritmo agitado e alegre, caracterizado pelo virtuosismo e improviso dos participantes, que precisam ter muito estudo e técnica, ou pleno domínio de seu instrumento. O choro é considerado a primeira música popular urbana típica do Brasil e difícil de ser executado.

O conjunto regional é geralmente formado por um ou mais instrumentos de solo, como flauta, bandolim e cavaquinho, que executam a melodia, o cavaquinho faz o centro do ritmo e um ou mais violões e o violão de 7 cordas formam a base do conjunto, além do pandeiro como marcador de ritmo.

A história do Choro provavelmente começa em 1808, ano em que a Família Real portuguesa chegou ao Brasil. Em 1815 a cidade do Rio de Janeiro foi promulgada capital do `Reino Unido do Brasil, Portugal e Algarves´. Em seguida passou por uma reforma urbana e cultural, quando foram criados cargos públicos. Com a corte portuguesa vieram instrumentos de origem européia como o piano, clarinete, violão, saxofone, bandolim e cavaquinho e também músicas de dança de salão européias, como a valsa, quadrilha, mazurca, modinha, minueto, xote e principalmente a polca, que viraram moda nos bailes daquela época. Esta última foi apresentada ao público em Julho de 1845.

A reforma urbana, os instrumentos e as músicas estrangeiras, juntamente com a abolição do tráfico de escravos no Brasil em 1850, podem ser considerados uma “receita” para o surgimento do Choro, já que possibilitou a a emergência de uma nova classe social, a classe média, composta por funcionários públicos, instrumentistas de bandas militares e pequenos comerciantes, geralmente de origem negra, nos subúrbios do Rio de Janeiro. Essas pessoas, sem muito compromisso, passaram a formar conjuntos para tocar de “ouvido” essas músicas, que juntamente com alguns ritmos africanos já enraizados na cultura brasileira, como o batuque e o lundu, passaram a ser tocadas de maneira a brasileirada pelos músicos que foram então batizados de chorões.

Embora não se possa fixar uma música ou uma data para o surgimento de um gênero musical, pois se trata de um processo lento e contínuo, dentre esses músicos se destacou o flautista Joaquim Antônio da Silva Calado e seu conjunto, surgido por volta de 1870, que ficou conhecido como "O Choro de Calado". Esse flautista era professor da cadeira de flauta do Conservatório Imperial, portanto tinha grande conhecimento musical e reunia os melhores músicos da época, que tocavam por simples prazer. O conjunto de Calado era composto de dois violões, um cavaquinho e sua flauta, que era o instrumento de solo. Devido ao fato das flautas serem de ébano, essa formação era também chamada de “pau-e-corda”. No conjunto de Calado os instrumentistas de cordas tinham liberdade e todos eram bons em fazer, de propósito, improvisos sobre o acompanhamento harmônico e modulações complicadas com o intuito de "derrubar" os outros músicos. Ou seja, foi desenvolvido um novo diálogo entre solo e acompanhamento, uma característica do Choro atual. Logo, outros conjuntos com essa mesma formação apareceram.

Desse modo, Joaquim Calado é considerado um dos criadores do Choro, ou pelo menos um dos principais colaboradores para o surgimento do gênero.

Fado

2008-02-22T09:10:00.000-08:00

Palavra fado vem do latim fatum, ou seja, "destino". De origem obscura, terá surgido provavelmente na primeira metade do século XIX.

Uma explicação popular para a origem do fado de Lisboa remete para os cânticos dos Mouros, que permaneceram no bairro da Mouraria, na cidade de Lisboa após a reconquista Cristã. A dolência e a melancolia, tão comuns no Fado, teriam sido herdadas daqueles cantos. No entanto, tal explicação é ingénua de uma perspectiva etnomusicológica.

Mais plausivelmente, a origem do fado parece despontar da imensa popularidade nos séculos XVIII e XIX da Modinha, e da sua síntese popular com outros géneros afins, como o Lundu, no então rico caldo de culturas presentes em Lisboa, tendo como resultado a extraordinária canção urbana conhecida como "fado".

Na segunda metado do século XIX, surge em Lisboa, embalado nas correntes do romantismo, uma melopeia que tanto exprimia a tristeza unânime de um povo e a desilusão deste para com o ambiente instável em que vivia, como abria faróis de esperança sobre o quotidiano das gentes mais desfavorecidas e, mais tarde, penetrava ainda nos salões da aristocracia, tornando-se rapidamente uma expressão musical nacional.

Porém, a sua origem histórica, sem grandes aprofundamentos, tem para uns autores filiação mourisca ou africana, e para outros surge como importação do Brasil, sob o espectro da tradição do lundum, que terá encontrado a expressão máxima com o acompanhamento da guitarra.

Segundo o musicólo Rui Vieira Nery, a história do fado tem início bem longe de Lisboa. Em 1808, com o exército francês, juntamente com os aliados espanhois, já em território português, o rei D. João VI vê-se obrigado a partir com a sua família para o Brasil, sendo seguido prontamente pela corte. Depois da partida da corte para a antiga colónia, parte da população decide migrar para o mesmo local.

O retorno destes emigrantes a Lisboa, juntamente com a expressão musical dos britânicos, espanhóis e franceses que se haviam estabelecido na cidade, depois daquele período turbolento, cria uma espécie de «movimento cultural» popular, que logo receberia o nome de fado. Começou por ser cantado nas tabernas e nos pátios dos bairros populares, como Alfama, Castelo, Mouraria, Bairro Alto, Madragoa, mas logo tomou importância nacional.

O fado era na altura considerado uma expressão artística herética. As suas origens boémias e ordinárias, baseadas nas tabernas e bordéis, nos ambientes de orgia e violência dos bairros mais pobres e violentos da capital, tornavam o fado condenável aos olhos da Igreja, que desde cedo tento impedir a evolução de tal movimento.

Porém, é com a penetração da fidalguia nos bairros do castelo, com a presença constante dos cavalheiros e mesmo fidalgos titulares, que o fado se torna presença nos pianos dos salões aristocráticos. Tais nobres que se aventuravam naquele ambiente bairrista foram traduzindo as melodias da guitarra para as pautas das damas de sociedade, que até ali só investiam nas modinhas. Tal investidura levou a que o fado, ao passar da década de 1880, se tornasse assíduo dos salões.
O Fado é um estilo musical português. Geralmente é cantado por uma só pessoa (fadista) e acompanhado por guitarra clássica (nos meios fadistas denominada viola) e guitarra portuguesa.

Os temas mais cantados no fado são a saudade, a nostalgia, o ciúme, as pequenas histórias do quotidiano dos bairros típicos e as lides de touros. Eram os temas permitidos pela ditadura de Salazar, que permitia também o fado trágico, de ciúme e paixão resolvidos de forma violenta, com sangue e arrependimento. Letras que falassem de problemas sociais, políticos ou quejandos eram reprimidas pela censura.

Tango

2008-02-22T09:05:00.000-08:00

A música do tango não tem uma origem muito clara. De acordo com estudos que não dispõem de numerosa documentação, o tango descenderia da habanera e se interpretava nos prostíbulos de Buenos Aires e Montevidéu, nas duas últimas décadas do século XIX, com violino, flauta e guitarra (violão). O escritor e polemista argentino Jorge Luis Borges afirmou que por suas características o tango só poderia ter nascido em Montevidéu ou Buenos Aires. O bandoneón, que atualmente caracteriza o tango, chegou à região do Rio da Prata por volta do ano 1900, nas maletas de imigrantes alemães. Não existem muitas partituras da época, pois os músicos de tango não sabiam escrever a música e provavelmente interpretavam sobre a base de melodias já existentes, tanto de habaneras como de polcas.
Originariamente, o tango nasce no final do século XIX de uma mistura de vários ritmos provenientes dos subúrbios de Buenos Aires. Esteve associado desde o princípio com bordéis e cabarés, âmbito de contenção da população imigrante massivamente masculina. Devido a que só as prostitutas aceitariam esse baile, em seus começos era comum que o tango fosse dançado por um casal de homens.

Mas o tango como dança não se limitou às zonas baixas ou a seus ambientes próximos. Estendeu-se também aos bairros proletários e passou a ser aceito "nas melhores famílias", principalmente depois que a dança teve sucesso na Europa.

A melodia provinha de flauta, violino e violão, sendo que a flauta foi posteriormente substituída pelo "bandoneón" (espécie de sanfona). Os imigrantes acrescentaram ainda todo o seu ar nostálgico e melancólico e desse modo o tango foi se desenvolvendo e adquirindo um sabor único.

Carlos Gardel foi o inventor do tango-canção. Falecido em 1935 aos 45 anos de um acidente aéreo, ele foi o grande divulgador do tango no exterior. Nos anos 60, porém, o gênero foi ignorado fora da Argentina. Ressurgiu renovado por Astor Piazzolla, quem lhe deu uma nova perspectiva, rompendo com os esquemas do tango clássico.
O tango é um estilo musical e uma dança a par. Tem forma musical binária e compasso de dois por quatro. A coreografia é complexa e as habilidades dos bailarinos são celebradas pelos aficionados. Segundo Discépolo, "o tango é um pensamento triste que se pode dançar". Sua origem encontra-se na área do Rio da Prata, na América do Sul, nas cidade de Buenos Aires e Montevidéu.

Há diferentes tendências em seu estilo. O tango-canção, tango canyengue, o tango milonga, tango romanzae o tango jazz. Hoje em dia é possível até encontrar estilos como tango rock e eletrotango, ou tango eletrônico. O eletrotango pode ser conferido nos trabalhos dos grupos Bajofondo Tango Club e Gotan Project.

Música clássica

2008-02-22T08:59:00.000-08:00

A música clássica ou música erudita (do latim, eruditus, "educado" ou "instruído") é um termo amplo utilizado costumeiramente para se referir à música produzida (ou baseada) nas tradições da música de concerto e eclesiástica ocidental, englobando um período amplo que vai, aproximadamente, do século IX até a atualidade. As normas centrais desta tradição foram codificadas entre 1550 e 1900, o chamado período de prática comum.

Quando utilizado como sinônimo para música artística ocidental, o termo abrange uma série de estilos musicais, desde intricadas técnicas composicionais (como a fuga)[2] até simples entretenimento (operetas).

O termo "música clássica" só apareceu no início do século XIX, numa tentativa de se "canonizar" o período que vai de Bach até Beethoven como uma era de ouro.[5] Na língua inglesa, a primeira referência ao termo foi registrada pelo Oxford English Dictionary, em cerca de 1836.[6][7] Certos musicólogos divergem na definição do termo, considerando que o termo "música clássica" deveria ser reservado exclusivamente à música erudita produzida no período designado por Era Clássica ou classicismo, entre o período barroco e o romantismo, que se estende de 1750 (com a morte de Johann Sebastian Bach) a 1809, caracterizando-se pela busca do equilíbrio das estruturas, da simetria das frases, da lógica dos desenvolvimentos articulados com a concisão do pensamento.[carece de fontes?] Outros acham que o termo "erudito" é inadequado, por julgarem se referir à um tipo de música destinado a ser inacessível às massas, preferindo o uso mais idôneo do termo "clássico", pela mesma razão que se fala em "literatura clássica" contudo sem levar em consideração o período na qual foi escrita.

A música erudita começou por se afirmar em relação à música popular por ter a característica de ser escrita, utilizando Notações musicais, enquanto que a música popular era transmitida oralmente, de raiz, nada obstando a que essa fosse, posteriormente, transcrita para notação musical. Ainda que se distingam diferenças nas diversas interpretações de uma obra musical dita erudita - os admiradores da música erudita dão, hoje em dia, grande importância aos intérpretes, e não apenas aos compositores, dando preferência a este ou aquele maestro ou soprano - a música clássica é concebida de forma abstracta, que pretende transcender as contingências próprias de cada interpretação particular. Uma das características da música erudita é o peso que a tradição tem no repertório. O seu público, atualmente, procura, essencialmente, obras que aspiram à intemporalidade, havendo mesmo um sentimento comum de aversão a modas, como é comum na música popular, no qual as melodias mais valorizadas podem, em muitos casos, ter fama efémera. É importante lembrar que a música erudita já foi popular um dia: em torno dos séculos XVI ao XIX, a música erudita era na Europa o que a MPB representa para nós hoje.

O classicismo surge em meados do século 18.Haydn passa a usar formas mais econômicas de expressão.Carl Philip Emanuel Bach (filho de Johann Sebastian) depura a sinfonia do maneirismo.Gluck impõe o primado da música orquestral sobre as improvisações vocais da ópera napolitana.Essas inovações serviram de base ao mais genial compositor do período, Mozart.Coube a ele levar a nova linguagem ao extremo.A exemplo de Bach com o barroco, Mozart foi ao mesmo tempo, para o classicismo, o mais representativo e o grande coveiro: para não repeti-lo, era preciso inventar outra coisa.Beethoven foi um dos que entenderam o recado.
As regras clássicas de composição eram rígidas, e o compositor deveria obedecer a elas. Os compositores românticos abandonaram essas fórmulas pois queriam transportar para a música suas paixões e aflições, mas também seu nacionalismo e suas aspirações políticas. O romantismo criou uma profusão de novas formas de expressão: o moderno sinfonismo que começa com Beethoven, o lied (canção) que se consolida com Schubert.A música torna-se uma mercadoria. No lugar dos pequenos conjuntos a serviço de igrejas ou aristocratas, surgem as orquestras e as companhias de ópera financiadas com a venda de ingressos ao público.

O compositor polonês Chopin inspirou-se em danças populares, despertando, com sua música, o amor patriótico e o sentimentalismo. Uma das preocupações do músico alemão Beethoven.foi tentar aproximar sua música do gosto popular, já que o seu público se ampliava.

Outros nomes importantes da música romântica são Liszt e Wagner. Este último destacou-se sobretudo pelas óperas que compôs. Algumas de suas obras expressam um estranho fascínio pela morte. É dele a frase: "...mesmo quando a vida nos sorri, estamos a ponto de morrer".

Nacionalismo, sentimentalismo e pessimismo são, pois, características do Romantismo na música.

Ao que o público em geral chama de Música Clássica correspondem, na verdade, uma série de estilos musicais diferentes, que têm a sua origem em vários períodos da história, tanto da música, como da Humanidade. Uma das classificações mais utilizada divide a história da música nos períodos: Medieval, Renascentista, Barroco, Clássico, Romântico e Moderno. A data precisa de início e final de cada período é fonte de aceso debate acadêmico e muitos admitem (talvez com razão) que não existe nunca um tempo preciso, mas sim um largo intervalo entre eles. É também próprio dizer que esses estilos mudam em diferentes locais, a diferentes ritmos, portanto uma data pode não ser necessariamente válida para todas as regiões da Europa. Posto isto, aqui se encontram as datas *aproximadas* que limitam cada um dos períodos. Alguns deles defasados, como podemos ver, visto que alguns compositores adotam novos estilos antes que outros os implantem. Antigo: 1100-1300 Medieval: 1300-1430 Renascença: 1430-1600 Barroco: 1600-1750 Clássico: 1750-1827 Romantismo: 1810-1900 Moderno: 1890+. Esta decomposição tenta categorizar as mudanças fundamentais na atitude e no estilo de determinados compositores e pode ser também um excelente indício de que se uma pessoa gosta da música de um compositor de determinado período, existem grandes hipóteses para que essa mesma pessoa goste da música de outros compositores do mesmo período. No entanto, não há nada de mais gratificante do que experimentar a música de *todos* os períodos.

Rap

2008-02-22T08:56:00.000-08:00

A origem do Rap remonta à Jamaica, mais ou menos na década de 60 quando surgiram os Sound Systems, que eram colocados nas ruas dos guetos jamaicanos para animar bailes. Esses bailes serviam de fundo para o discurso dos ‘toasters’, autênticos mestres de cerimónia que comentavam, nas suas intervenções, assuntos como a violência das favelas de Kingston e a situação política da Ilha, sem deixar de falar, é claro, de temas mais prosaicos, como sexo e drogas. No início da década de 70 muitos jovens jamaicanos foram obrigados a emigrar para os EUA, devido a uma crise económica e social que se abateu sobre a ilha. E um em especial, o DJ jamaicano Kool Herc, introduziu em Nova Iorque a tradição dos Sound Systems e do canto falado, que se sofisticou com a invenção do scratch, um discípulo de Herc. O primeiro disco de Rap que se tem notícia, foi registrado em vinil e dirigido ao grande mercado (as gravações anteriores eram piratas) por volta de 1978, contendo a célebre King Tim III da banda Fatback. O Rap, assim como o pagode, é um ritmo mais comum entre os pobres.
"Ancestral directo" do Rap pode ser considerado o Funk, ou o Jazz, músicas negras norte-americanas que apresentam elementos semelhantes. Outro rítmo ao qual o Rap é tributário é o Toast, que consiste em versar sobre uma versão instrumental ou de uma versão DUB de alguma canção Reggae, sempre no ritmo da batida. Essa tradição foi levada aos Estados Unidos por imigrantes jamaicanos, como o DJ Kool Herc. Nos Estados Unidos, a base de Reggae foi substituída por uma batida tirada do Funk, através da utilização de dois discos idênticos dos quais era aproveitada apenas a parte instrumental da música, chamada Break.

As primeiras gravações de Rap datam do início dos anos 1970, com alguns grupos como os Last Poets e Gil Scott Heron. Nessa época, trata-se simplesmente da declamação de um texto sob o ritmo das batidas de tambores africanos, sendo a negritude o tema de predilecção.

Na actualidade, os MCs utilizam, como base, batidas de outras músicas habilmente extraídas pelos DJs, ou bases montadas electronicamente, ou, ainda, instrumentos tocados por músicos.

Uma característica muito presente no Rap são os samples, que são "pedaços" de outras músicas "reutilizados" para construir uma nova. Os samples tanto podem ser da parte instrumental de uma música como podem ser de vocais.
O Gangsta Rap (Rap Gângster) surgiu nos Estados Unidos no meio dos anos 80, com letras duras e brutais o gangsta rap logo ganhou espaço na midia mundial. Entre os maiores gangsta rappers destacam-se Tupac e Noutorius B.I.G. que entre as suas rimas falavam das desigualdades e do racismo alem do odio que sentiam um pelo outro. Desde então o mundo do gangsta rap evoluiu muito e hoje em dia os rappers podem falar e fazer musicas falando de tudo, ou seja, poucos ainda valorizam as raízes culturais, e os que valorizam esse lixo racista e conceituoso, que foi criticado por Spike Lee por fazer crer que ler e estudar é coisa de branco. Outro grupo que se destacou (e ainda se destaca) quando o gangsta rap estava surgindo foi o N.W.A. - Niggas With Attitude, formado em 1986 por Dr. Dre, MC Ren, Eazy-E, Ice Cube e nas pickups, o DJ Yella. O grupo se tornou notório pelas suas letras pesadas, especialmente como "Fuck tha Police", de 89, que resultou no FBI enviando uma carta de aviso para a Ruthless Record, sugerindo que o grupo tomasse mais cuidado com o que dizia.

Música Gospel

2008-02-22T08:51:00.000-08:00

Trata-se de uma palavra de origem inglesa, que significa Evangelho (traduzida do latim evangelium e do grego euaggélion). Exemplo: The Gospel According to St. Matthew (o Evangelho Segundo São Mateus). Exemplo da Bíblia inglesa: “And he said unto them, Go ye into all the world, and preach the gospel to every creature” (Mk. 16:15). Tradução: “E disse-lhes: Ide por todo o mundo, pregai o evangelho a toda criatura” (Mc. 16:15).
Desde os primórdios, a música que fale sobre o Deus bíblico sempre existiu na tradição dos hebreus(prova disto, é o livro de Salmos do antigo testamento). A partir de Jesus, as músicas religiosas passam a conter mensagens do evangelho. A música gospel sempre existiu, talvez não com essa denominação específica. O início do destaque desse estilo musical teve origem afro-americana, nascido nas fazendas de escravos no sul dos Estados Unidos. Os escravos cantavam músicas religiosas com mensagens escondidas em suas letras. As mensagens poderiam conter informações sobre terrenos, quais estradas e rios evitar e números de homens patrulhando tais estradas e rios. Essas canções eram cantadas pelos escravos presos, durante a noite, quando se sabia que havia escravos em fuga a fim de orientá-los rumo ao norte livre. Esse costume continuou quando os escravos foram libertados invadindo igrejas e templos afro-americanos por todo os Estados Unidos.
O gospel em sua forma original era geralmente interpretada por um solista, acompanhado de um coro e um pequeno conjunto instrumental. Grandes intérpretes da música norte-americana começaram assim, como cantores de gospel nas igrejas. É o caso de Mahalia Jackson, Bessie Smith e Aretha Franklin, além de Ray Charles. O gospel ajudou a moldar toda a música negra dos Estados Unidos neste século: ragtime, blues e jazz. E foi também influenciado por ela, assumindo formas às vezes surpreendentes em se tratando de música religiosa. É o caso dos quartetos gospel, surgidos após a Segunda Guerra Mundial, com suas música gritada, sua dança cheia de sacolejos e roupas extravagantes. Nesta fonte foi "beber" o rock dos anos 50, desde Bill Haley e seus cometas passando por Jerry Lee Lewis e principalmente Elvis Presley.

Atualmente nos Estados Unidos e em outros países, o Gospel está incluído como uma categoria tradicional de música cristã.

Comercialmente e na forma que tem atualmente, a música cristã estourou nos Estados Unidos a partir dos anos 70. O rock, em mais uma volta da história, passa a ser o carro chefe da música cristã. Todavia, outros ritmos como o funk e o reggae também são por ela adotados. O que a define não é o gênero musical, mas a mensagem: justiça social, o evangelho de Cristo, harmonia entre os homens. Bandas como Stryper (heavy metal), de Los Angeles, tocam música cristã, ou Gospel. Grandes espetáculos se organizam por todo o país e cada vez mais emissoras de rádio criam programações gospel. Hoje o prêmio Grammy, considerado o Oscar da música, inclui a categoria gospel, além da música cristã para premiar seus talentos com o Prêmio Dove Awards.

A "música cristã" no Brasil é generalizada erroneamente como "gospel". O Gospel em alguns países é tido como um estilo musical, e não engloba a música cristã como um todo como no Brasil e outros países. O termo trazido ao país virou sinônimo de todo tipo de música cristã, significando até mesmo, nos dias atuais, um estilo de vida ou "jeito de ser".

O termo "gospel" foi usado pela primeira vez no Brasil nos anos 80 pela Gravadora Gospel Records, pioneira neste segmento. Sendo Estevam Hernandes Filho patentiador desta marca em território nacional, Estevam tem todos os direitos sobre a marca "gospel".

A música cristã protestante no brasil tem origens mais antigas, remontando ao final do século XIX e início do século XX, com a vinda de missionários estrangeiros, principalmente batistas e presbiterianos americanos. As igrejas protestantes então adotaram muitos hinos de origem estrangeira, alguns com a influência americana do "gospel". Hinários inteiros foram traduzidos e editados, como o "Salmos e Hinos" , "Harpa Cristã" e "Cantor Cristão". A partir do final da década de 60, grupos nacionais como Vencedores por Cristo (VPC), entre outros, começaram treinamentos de formação de músicos e viagens para divulgação, começando então a influenciar o estilo de músicas de todas as igrejas evangélicas do Brasil

Xaxado

2008-02-22T08:46:00.000-08:00

Xaxado é uma dança popular criada no Sertão pernambucano, muito praticada pelos cangaceiros da região, como comemoração de vitórias. O nome é devido ao barulho das sandália dos cangaceiros contra a areia do sertão.

Nome foi dado devido ao som do ruído que as sandálias dos cangaceiros faziam ao arrastarem sobre o solo durante as comemorações celebradas nos momentos de glória do grupo de "Lampião", considerado entre outras denominações o "Rei do Cangaço. É dançada somente por homens, razão pela qual nunca se tornou uma dança de salão. Primeiramente a melodia era apenas cantada e o tempo forte marcado pela batida de um rifle no chão, as letras eram e continuam satíricas. O grande divulgador do xaxado foi Luís Gonzaga, que conseguiu que este gênero fosse tocado nas rádios, televisões e teatros.
A origem da palavra é uma onomatopeia do barulho xa-xa-xa feito pelos dançarinos quando arrastam as alpercatas no chão. A origem do xaxado também existe controvérsias, alguns afirmam que ele nasceu em Pernambuco, mas existem dúvidas de quem teria sido seu criador, alguns historiadores afirmam que sua origem é portuguesa e outros que sua origem é indígena. O xaxado foi divulgado pelos cangaceiros que usavam a dança como grito de guerra ou para celebração de vitórias, o rifle era a substituição da mulher, porque a dança era tipicamente masculina. Com o passar dos anos as mulheres conseguiram seu espaço na brincadeira.
Os movimentos da dança são apresentados em fila (influência indígena), sem volteio, avançando o pé direito em três e quatro movimentos para os lados e puxando o esquerdo, num rápido e arrastado sapateado.

Música country

2008-02-22T08:42:00.000-08:00

A Música Country nasceu da influência de escravos com suas canções de Guerra, o profundo senso religioso do Sul dos Estados Unidos e dos trabalhadores do campo. Também os imigrantes franceses e italianos contribuíram na sua formação, mas suas principais raízes são compostas pelas velhas canções inglesas. Por se tratar de um gênero representado pelos homens do campo é muito associado a vestes e instrumentos rústicos como o Banjo, Bandolim, Rabeca, Violão, Washboard, etc. As primeiras gravações datam de meados de 1922, quando a gravadora Victor lançou no mercado norte americano o som de Uncle Eck Robertson e Henry Gilliard. Nos EUA, Jimmie Rodgers é conhecido como o Pai da Música Country, que durante sua pequena carreira influenciou grandes nomes como Hank Williams e a lenda da Música Country Willie Nelson. Porém, o grande nome da Música Country foi Hank Williams, autor do clássico Jambalaya que é executado em todos os países do mundo como a música que mais representa esse estilo. Hank Williams teve uma carreira meteórica, morrendo aos 30 anos de idade em decorrência de Coma Alcoólico. Suas músicas até hoje são regravadas e executadas em todo mundo. Outros grandes nomes da Música Country são: Waylon Jennings, Johnny Cash, Bill Monroe, Patsy Cline, George Jones, Loretta Lynn, Emmylou Harris, Dolly Parton, Roy Clark, Don Williams, Merle Haggard, Doc Watson, e mais recentemente Shania Twain, Alan Jackson, Clint Black, George Straits, Faith Hill, Kathy Mattea, Suzy Bogguss, Brooks & Dunn, Billy Ray Cyrus, Garth Brooks, Travis Tritt, LeAnn Rimes e Tracy Lawrence.

A "capital" estadunidense da música country é Nashville, Tennessee, pois é lá onde se encontrava a sede de diversas gravadoras do gênero, e onde se realizaram os mais famosos festivais desse estilo musical.

Música country, antes conhecida como música country e western music ou country-western, é um estilo musical popular criado no sul dos Estados Unidos, com raízes na música folk, espiritual e blues.

Bolero

2008-02-22T08:37:00.000-08:00

Uns dizem que ele nasceu na Inglaterra passando pela França e Espanha com nomes variados ( dança e contradança ) onde viajou para o México e finalmente chegou a Cuba por volta de 1880.

Outros dizem ter nascido na Espanha no fim do século XVIII ( durante a mudança da época moderna para a contemporânea). Originado do Fandango ( outra dança espanhola de origem árabe muito popular que fez sucesso no Brasil ), o Bolero ficou marcado pelo acompanhamento das castanholas, do canto, das guitarras e do tamborim.

Suspeita-se que seu nome deriva da palavra espanhola “volero” ( de volar= voar ) ou das bolinhas que eram usadas presas nos vestidos das dançarinas ciganas, que pareciam voar enquanto dançavam. E foi inspirado numa dança típica desses ciganos, fazendo uma variação baseada nas seguedilhas que Sabastian Cerezo cria o Bolero em 1780.

Dizem também, ter surgido em Cuba junto com a Rumba Caribenha e o Reggae jamaicano e que tempos depois foi popularizado através do México. O primeiro que se recorda foi escrito em Cuba, em 1910, por José Pepe Sáchez. Por esse motivo diz-se que cuba é a “mãe” do Bolero.

alguns dizem que o Bolero é oriundo da Espanha; outros, que surgiu na Inglaterra, passou pela França, fortaleceu-se na Espanha, viajou para o México e finalmente chegou a Cuba. Sabe-se que o bolero influenciou o mambo, o cha cha cha e a salsa.

O Bolero é sinônimo de Romantismo e deve ser dançado com a alma, a música é o instrumento da inspiração e o corpo o instrumento de interpretação da melodia.

Merengue

2008-02-22T08:35:00.000-08:00

O merengue é uma dança nacional dominicana, mas também conhecida em Porto Rico, Haiti, Venezuela e Colômbia, na qual um dos pés marca o tempo e o outro é arrastado no chão. Em sua origem foi uma dança crioula, e sua primeira referência escrita data do século XIX. O estilo mais popular do merengue é habitualmente interpretado por um amplo conjunto de instrumentos que inclui vários saxofones, acordeões, trompetas e teclados, com vocalistas divertidos. Ao nível coreográfico, o merengue apresenta passos fáceis e rápidos, dançados por casais entrelaçados.

Aparentemente essa última versão é a mais próxima da verdade. Entre 1838 a 1849, a dança chamada Upa Habanera (Upa de Havana) fez seu caminho no Caribe sendo benvinda em Porto Rico. Um dos passos desta dança era chamado de merengue e isso denominou a dança quando aportou em solos dominicanos. Permaneceu desconhecida para muitos até que o coronel Alfonseca escreveu letras para a nova música. Em 1844, o merengue ainda não era popular, mas em 1850 estava em voga, tirando o lugar antes ocupado pela tumba. Nesta época, os jornais de São Domingos iniciaram uma campanha contra o merengue em favor da tumba. A alta sociedade não o aceitava pois as letras eram vulgares, descendiam de negros africanos e não tinham caráter religioso. Mas aos poucos, o merengue foi ganhando espaço.

No começo do século 20, alguns músicos tentavam introduzir o merengue nos salões de bailes, porém ainda encontravam resistência da alta sociedade que não aceitava as letras das músicas. Em 1930, Rafael Trujilo usou as músicas em sua campanha presidencial através das rádios. Uma família aristocrática pediu para Luiz Alberti para escrever uma letra decente e fez “Compadre Pedro Juan” que não foi só aceita pela sociedade como tornou-se um sucesso. A partir daí, o ritmo tornou-se muito popular e passou a ser dançado em muitos lugares do Caribe e América do Sul. Atualmente, o merengue, assim como a sua prima salsa, sofreu influências norte americanas, como a de big bands. Os instrumentos mudaram, mas o ritmo continua inconfundível. A dança é muito alegre e contagiante, com passos fáceis que permitem a cada dançarino se expressar através de seu gingado.

Mambo

2008-02-22T08:27:00.000-08:00

A história do mambo moderno tem início em 1939 quando Orestes López e Cachao López escreveram uma danzón (estilo com origens na contradanza espanhola e a contredanse francesa) chamada "Mambo", com o uso de ritmos derivados da música africana. A contradanza chegou a Cuba no século XVIII, onde se tornou conhecida como danza. A chegada dos negros haitianos no final do século mudou a contradanza, acrescentando a ela o cinquillo (também encontrado em outro descendente da contradanza, o Tango argentino).

Nasceu em Cuba e virou uma salada musical. Tem como antepassados os ritmos afro-cubanos derivados de cultos religiosos no Congo. Seu nome vem da gíria usada pelos músicos negros("Estás Mambo"-tudo bem com você?-) que tocavam El Son nas charangas(bandas locais cubanas). Perez Prado adicionou metais nas charangas e foi de fato o primeiro a rotular essa nova versão de El Son de Mambo. Invadiu os E.U.A. nos anos 50.Cantores mais famosos: Prez Prado, Xavier Cugat, Tito Puente e Beny Moré.
Cuba possui vários rítmos herdados de seus colonizadores como: salsa e merengue, influências africanas, rumba e principalmente o mambo que alega-se ser formado em Cuba por Orestes e Israel López (ex-integrantes da banda "Arcano y sus maravillas") em 1938. E mais tarde foi modificado pelo famoso músico Dámaso Pérez Prado (considerado el rey del mambo) o qual separou os rítmos sincopados e o jazz pois dizia que era muito complicado de dançar o mesmo e partir de 1951 o mambo se popularizou por todos os mundos.

Salsa

2008-02-22T08:25:00.000-08:00

A música hoje chamada salsa é uma mescla de ritmos afro-caribenhos, tais como o son montuno, o mambo e a rumba cubanos, com a bomba e a plena porto-riquenhas. A salsa nasceu em Cuba, por volta dos anos 60, e é uma espécie de adaptação do mambo da década de 1950. Recebeu ainda influências do merengue (da República Dominicana), do calipso de Trinidad e Tobago, da cumbia colombiana, do rock norte-americano e do reggae jamaicano. Hoje, é uma mistura de sons e absorve influências de ritmos mais modernos como rap ou techno. A dança é caracterizada pelo compasso quaternário.

Salsa, em castelhano, significa "tempero", e a adoção do nome quis transmitir a idéia de uma música com "sabor". O movimento que originou este novo estilo de música latinoamericana começou em Nova Iorque, quando um grupo de jovens músicos começou a mesclar sons e ritmos visando criar uma sonoridade que tivesse um "sabor" latino-americano.

A salsa debutou no hotel Saint-George, do Brooklyn (Nova Iorque), onde o grupo Lebron Brothers, de origem porto-riquenha entusiasmou o público no início dos anos 70. Daí se espalhou entre as comunidades latino-americanas nos EUA e Porto Rico, depois a Cuba, Venezuela, Colômbia e outros países de língua espanhola. Nomes como Tito Puente, Celia Cruz, Johny Pacheco se tornaram expoentes do gênero.

O excessivo comercialismo em fins dos anos 70 converteu a salsa numa fórmula que apenas imitava a si mesma. Nos anos 80, a salsa é invadida pelo merengue da República Dominicana, e também pela música disco'. Neste momento, surge uma nova geração de músicos como Frankie Ruiz, Eddie Santiago e Luis Henrique, que começam a mudar o panorama da música latina criando a chamada "salsa erótica" - para muitos, uma traição do próprio caráter da salsa, machista, forte, ligada às ruas. No entanto, esta salsa erótica ou sensual trouxe nova atenção ao gênero.

Na década de 1980 a salsa se espalhou pelo México, Argentina, Europa e chegou ao Japão, onde surgiu a Orquestra de La Luz, banda onde todos os integrantes são japoneses. Enquanto isto, o ritmo do merengue se tornava mais e mais popular em países como Porto Rico, e era o ritmo que embalava as discotecas de música latina.

Um país no qual se produziu, nos últimos anos, uma expansão da salsa com maior vigor é a Colômbia, destacando-se Joe Arroyo, o grupo Niche e a orquesta Guayacán. Entre os híbridos mais recentes da salsa, destacam-se os chamados "mereng-house", a "salsa merengue" e "salsa gorda".

No Brasil, a salsa foi difundida pelo bailarino Fernando Claumann. A salsa nasceu em Nova Iorque nos finais dos anos 60, nos chamados "Barrios Latinos" pelos emigrantes cubanos e porto-riquenhos.

Forró

2008-02-22T08:20:00.000-08:00

O forró e o samba, possuem as mesmas raízes, ou seja, ambos se originaram da mistura de influências africanas e européias. "Na música nordestina, um toque indígena, uma pitada européia, um tempero africano; é só degustar..." já citava um dos especialistas no assunto.

Porém, a origem da palavra forró é controversa. É certo que o ritmo nasceu no Nordeste e foi apresentado ao Sul do país por Luiz Gonzaga nos anos 40. Mas quando, onde e como ele apareceu lá no sertão ainda é, de certo modo, um mistério que vem dividindo muitos estudiosos e músicos.

Há a versão mais popular de sua origem, até transformada em canção por Geraldo Azevedo em 1982, "For All" Para Todos: a de que o nome viria dos dizeres "For All" (em inglês "para todos"). A frase vinha escrita nas portas dos bailes promovidos pelos ingleses em Pernambuco, no início do século, quando eles vieram para cá construir ferrovias. Se a placa estivesse lá era sinal de que todos podiam entrar na festa, regada a ritmos dançantes que prenunciavam o forró de hoje, e essa era a versão defendida por Luiz Gonzaga. Nestes bailes tocavam todos os tipos de música e também o ritmo precursor do forró atual.

A segunda versão é dada pelo historiador e pesquisador da cultura popular Luís da Câmara Cascudo, que diz que a origem é o termo africano "forrobodó", que significaria festa, bagunça.

Possui semelhanças tanto com o Toré e o arrastar dos pés do índios quanto com os ritmos binários portugueses e holandeses, com o balançar dos quadris dos africanos. A dança do forró têm influência direta das danças de salão européia.

O forró é especialmente popular nas cidades de Juazeiro do Norte, Caruaru, Mossoró e Campina Grande, onde é símbolo da Festa de São João, e nas capitais Fortaleza, João Pessoa, Aracaju, Natal e Recife onde são promovidas grandes festas que duram a noite toda. Forró também é o nome dado a estas festas.
Na etimologia popular (ou pseudoetimologia) é freqüente associar a origem da palavra forró à expressão da língua inglesa for all ("para todos"). Para essa versão foi construída uma engenhosa história: no início do século XX, os engenheiros britânicos, instalados em Pernambuco para construir a ferrovia Great Western, promoviam bailes abertos ao público, ou seja for all. Assim, for all passaria a ser, no vocabulário do povo nordestino, forró (a pronúncia mais próxima). Outra versão da mesma história substitui os ingleses pelos estadunidenses e Pernambuco do início do século XX pela Natal do período da Segunda Guerra Mundial, quando uma base militar dos Estados Unidos foi instalada na cidade.

Apesar de jocosa a versão, não há sustentação para tal origem do termo, pois 1937, cinco anos antes da instalação da referida base, a palavra forró já se encontrava registrada na história musical através da gravação fonográfica de “Forró na roça”, canção composta pelos autores Manuel Queirós e Xerém.
Forró é uma dança composta de gêneros musicais que predomina principalmente na região Nordeste do Brasil mas se espalha com sucesso por todo território nacional.

Composto basicamente de xote, baião, xaxado e coco o forró também apresenta outra divisão: forró eletrônico, forró pé-de-serra e forró universitário.

Maracatu

2008-02-22T08:14:00.000-08:00

O maracatu é um ritmo tradicional do Nordeste do Brasil. Em Recife e Olinda, no coração de Pernambuco, desenvolveu-se há mais de 400 anos. Música e tradição dos escravos, um traço da cultura negra no Brasil.Um ritmo de origem africana, com elementos indígenas e portugueses, e que tinha no passado uma característica altamente religiosa.

Baseado em elementos religiosos e profanos das antigas festas coloniais de Coroação dos Reis Negros, eleito pelos escravos com a função simbólica de líder. Não se pode afirmar ao certo qual o significado da palavra Maracatu, alguns pesquisadores acreditam que é de origem indígena. Maracá, instrumento musical. Catu, bom, bonito. Outros acreditam que o nome Maracatu vem de Luanda, um nome africano.

Mas o desfile do Maracatu é uma grande cerimônia de coroação, da rainha e do rei, que são acompanhados por sua corte: príncipe, princesa, duques, baronesas, diversos elementos fazem o séqüito desta tradição. Durante o desfile, levam a boneca calunga, que simboliza as rainhas mortas. Desde o século 17, o maracatu é tocado mais ou menos como hoje, mas pela ausência de registros, tem uma história e um passado de difícil reconstituição.
Na linguagem popular, a palavra maracatu é empregada para expressar confusão; desarrumação; fora de ordem, dando respaldo origem dessa palavra. O maracatu surgiu da miscigenação das culturas indígena e africana, uma mesclagem de seus tambores, e nasceu com a decadência dos folguedos do Auto dos Congos, no século XIX, de onde foi herdada a tradição do cortejo.

Muito além do ritmo de tambores, o Maracatu tem como seguidores os devotos dos Cultos Afro-brasileiro da linha Nagô. No
cortejo, que é um verdadeiro espetáculo, se usa uma boneca chamada Calunga, que encarna a divindade dos orixás recebendo em sua cabeça os axés e a veneração do grupo. O tirador de loas é o cantador das toadas, que os integrantes respondem ou repetem ao seu comando.
Rei, rainha, dama-de-honra da rainha, dama-de-honra do rei, príncipe, princesa, ministro, embaixador, duque, duquesa, conde, condessa, vassalos, damas-de-passo, porta-estandarte, escravo sustentando a umbrela ou pálio (chapéu-de-sol que protege o casal real e que esta sempre em movimento), guarda-coroa, corneteiro, baliza, secretário, lanceiros, brasabundo (uma espécie de guarda costa do grupo), batuqueiros (percurssionistas), caboclos de pena e baianas.

Punk rock

2008-02-22T08:09:00.000-08:00

Punk rock é um movimento musical que surgiu com força na Inglaterra em meados de 1976 e em 1974 nos Estados Unidos (embora seus precursores possam ser encontrados no fim dos anos 60). Basicamente, as primeiras bandas de Punk Rock foram bandas inglesas e americanas como: The Damned, The Ramones (principal responsável pelo sucesso do estilo), New York Dolls, Sex Pistols , The Stooges, The Clash, Black Flag, Dead Kennedys, Stiff Little Fingers e Dead Boys, também Discharge, Varukers com um som mais puxado para o hardcore old school.
O primeiro aspecto cultural punk desenvolvido foi o estilo musical. A música punk desde suas origens até os dias de hoje passou por diversas mudanças e sub-divisões, englobando características que vão do pop-rock irônico e politicamente indiferente ao ruidoso discurso político panfletário. Apesar disso, nos diversos estilos de música punk o caráter anti-social e/ou socialmente crítico é bastante recorrente e a ausência destas características é vista por alguns como justificativa para o não-reconhecimento de uma banda como sendo do estilo punk. Estilos muito distintos do punk-rock também são desconsiderados com freqüência.
O rock estava perdendo popularidade, sua vertente mais popular na época era o rock progressivo. Um grupo de bandas começou a tocar em lugares pouco populares, as bandas eram: Iggy Pop and the Stooges, The Voidoids e Johnny Thunders and the Heartbreakers, entre outras. Tinham como influencia a música hippie e propagavam um estilo fácil, com letras sobre diversão, drogas e coisas da adolescência. Esse grupo de bandas ficou semi-conhecido, não o suficiente para ser lembrado. Assim, surgiu outra banda com influecia das outras já citadas anteriormente. A banda se chamava Ramones, que possuía um estilo ainda mais fácil que o de suas influências. Essa banda foi essencial para a popularização desse novo estilo chamado punk rock. O punk perdeu popularidade nos anos 90, quando os Ramones se separaram. Hoje em dia, o punk rock está sendo confundido com o movimento punk. O movimento é considerado, pelos próprios astros do rock punk, uma massa destrutiva que afeta principalmente à eles mesmos.

Denomina-se cultura punk os estilos dentro da produção cultural que possuem certas características comuns àquelas ditas punk, como por exemplo o princípio de autonomia do faça-você-mesmo, o interesse pela aparência agressiva, a simplicidade, o sarcasmo niilista e a subversão da cultura. Entre os elementos culturais punk estão: o estilo musical, a moda, o design, as artes plásticas, o cinema, a poesia, e também o comportamento (podendo incluir ou não princípios éticos e políticos definidos), expressões linguísticas, símbolos e outros códigos de comunicação.

A partir do fim da década de 1970 o conceito de cultura punk adquiriu novo sentido com a expressão Movimento Punk, que passou a ser usada para definir sua transformação em tribo urbana, substituindo uma concepção abrangente e pouco definida da atitude individual e fundamentalmente cultural pelo conceito de movimento social propriamente dito: a aceitação pelo indivíduo de uma ideologia, comportamento e postura supostos comum a todos membros do movimento punk ou da gangue ou ramificação/submovimento que ele pertence. O movimento punk é uma forma mais ou menos organizada e unificada, com o intuito de alcançar objetivos —seja a revolução política, almejada de forma diferente pelos vários subgrupos do movimento, seja a preservação e resistência da tradição punk, como forma cultural deliberadamente marginal e alternativa à cultura tradicional vigente na sociedade ou como manifestação de segregação e auto-afirmação por gangues de rua. A cultura punk, segundo esta definição, pode então ser entendida como costumes, tradições e ideologias de uma organização ou grupo social.

O estilo punk-rock tradicional caracteriza-se pelo uso de poucos acordes, em geral power chords, solos breves e simples (ou ausência de solos), música de curta duração e letras sarcásticas que podem ser politizadas ou não, em muitos casos uma manifestação de antipatia à cultura vigente. Estas características não devem ser tomadas como uma definição geral de punk-rock pois bandas e variações bem difundidas do gênero apresentam características muitas vezes antagônicas a estas, como por exemplo as músicas longas e complexas do Television, o experimentalismo cacofônico do Crass, a tendência de sociabilização das bandas de hardcore moderno e o discurso sério de algumas bandas politizadas.

Death metal

2008-02-22T08:04:00.000-08:00

O death metal é uma das diversas ramificações do heavy metal. Surgiu simultaneamente em várias partes do mundo, como EUA, Brasil e Suécia, na década de 1980. O estilo tem raízes no thrash metal, porém ele apresenta mais agressividade que seu antecessor, letras com temas niilistas, sobre violência, morte e sobre a fragilidade da vida humana.

O vocal gutural é uma das características mais notáveis das bandas de death metal. Os vocais normalmente são guturais graves (podendo ter algumas variações para guturais agudos).
A bateria é mais cadenciada e faz uso intensivo da técnica de "Blast Beat" (técnicas herdadas do Jazz e Fusion) que emite um som semelhante ao de uma "metralhadora".
As letras das bandas do estilo possuem temas mórbidos relacionados à morte, violência, filmes de terror, filosofia, batalhas épicas,e até mesmo algumas sobre o Satanismo, etc.
A origem do termo Death Metal é controversa - assim como qual seria a primeira banda do gênero.

Consta que a primeira aparição do termo foi numa entrevista com o Venom. Quando perguntados sobre que tipo de música eles tocavam, os membros do grupo responderam: "Nós somos Black Metal, Death Metal, Speed Metal...". Uma outra aparição pioneira do termo foi a coletânea Death Metal (1984), lançada pela gravadora alemã Noise. Ela incluía canções do Helloween, Hellhammer e Running Wild. Por último, a última música do disco Seven Churches (de 1985), do Possessed, tinha o título de "Death Metal". Apesar disso, a banda se auto-intitulava Speed Metal na época.

Em relação às bandas, na Europa o Bathory, o Sodom e Celtic Frost tomaram o termo para si. Nos Estados Unidos surgiam o Mantas (futuro Death) e o Master. A última tinha gravado um disco para a gravadora Combat em 1985; porém nunca foi lançado. Apesar disso, as demonstrações do Master foram bastante influentes no underground americano, assim como o Deathstrike, projeto paralelo do líder da primeira banda.
Por volta de 1983, bandas como Death, Possessed e Master começaram a se formar. Alguns acham que o death metal feito nesta época tinha influências muito profundas do thrash metal e preferem chamar o estilo musical dos álbuns lançados neste período de pós-thrash. A descrição mais apropriada para o gênero musical destas bandas seria o de um thrash metal mais agressivo, os primeiros exemplos deste gênero são: o álbum Seven Churches de do Possessed (considerado por muitos o primeiro álbum de death metal da história) e diversas demonstrações do Death, que na época ainda se chamava Mantas. Uma das mais importantes destas demos foi a Death by Metal, que muitos acreditam que foi de onde surgiu o nome da banda Death e do estilo musical death metal.

Black Metal

2008-02-22T08:01:00.000-08:00

O Black Metal é um subgênero do metal. Este subgênero evoluiu do thrash metal no início dos anos 80 paralelamente ao death metal, um outro gênero do metal extremo. Este novo estilo é ainda mais agressivo que o thrash metal e incorpora em suas letras temas como Satanismo e Paganismo (em particular a mitologia nórdica).
As canções de black metal costumam apresentar uma ou mais das seguintes características:

Utilização de tons menores visando à criação de atmosferas musicais sombrias, frias, obscuras e melancólicas.
Guitarras rápidas usando a técnica de palhetadas em tremolo.
Letras de cunho anti-cristão ou ligadas ao Paganismo, Satanismo, Mitologia e Ocultismo em geral. Existem ainda bandas em que as letras são ligadas ao Niilismo, Anti-Humanismo, algumas até mesmo à Depressão, Suicídio ou doenças mentais. Vale notar que bandas como Deicide, Immolation e Slayer possuem algumas músicas com letras referentes a alguns desses temas, porém estas bandas são consideradas respectivamente bandas de Death Metal (Deicide e Immolation) e Thrash Metal (Slayer).
Bateria rápida e agressiva, geralmente usando a técnica de "blast beats". A bateria também pode assumir uma sonoridade mais seca e vagarosa de forma a criar diferentes atmosferas para a canção.
Os vocais geralmente são guturais e agudos, mas existem muitas bandas que utilizam estilos vocais bastante variados, ainda sempre "rasgados".
Utilização ocasional de teclados, Harpas, violinos, órgãos e coros são relativamente comuns, proporcionando à música uma sonoridade de orquestra. As bandas que se utilizam de teclados ou instrumentos sinfônicos são consideradas bandas de Symphonic Black Metal.
Produção musical limitada e gravação de álbuns com baixa fidelidade. Este expediente é utilizado intencionalmente como uma afirmação contra a canção "mainstream" ou para criar atmosferas diferentes na canção. Este efeito de "subprodução" é obtido cortando-se as freqüências mais altas e as mais baixas, deixando apenas as freqüências médias. Poucas bandas pioneiras do estilo ainda se utilizam de tal recurso, pois sua produção musical limitada era causada principalmente por seus baixos orçamentos.
A Primeira Onda do Black Metal refere-se às bandas, classificadas como Trash Metal em um primeiro momento, que tiveram influência sobre a própria sonoridade do Black Metal.

O termo "black metal" foi cunhado pela banda britânica Venom a partir de seu álbum Black Metal, de 1982. Embora o estilo musical deste álbum fosse melhor enquandrado no Trash Metal, tanto as letras quanto as figuras do encarte continham grande ênfase em temas satânicos e ocultistas. As músicas não eram bem trabalhadas em muitos aspectos. As guitarras e vocais sujos não contavam muito com a melodia, mas com um som cru. Os membros do Venom adotaram pseudônimos (a formação original era Cronos, Mantas e Abaddon), algo que não era comum entre as bandas de metal da época.

Outra banda que pode ser considerada pioneira no gênero é a sueca Bathory, cujo único integrante era Thomas Forsberg (sob o pseudônimo Quorton). O Bathory focou-se em uma produção crua para combinar com o vocal rude e o ritmo rápido. Esta banda também foi a primeira a adicionar elementos da mitologia nórdica aos temas ocultistas, tanto nas letras quanto na arte do álbum. Essa mistura tornar-se-ia influente o suficiente para dar origem ao que é conhecido como Viking Metal, bandas cujo foco é justamente a mitologia nórdica.

Thrash Metal

2008-02-22T07:54:00.000-08:00

Guitarras distorcidas, som rápido e pesado, com forte presença e influência do Hard Core. Pode-se dizer que o Trash Metal é realmente a fusão do Heavy Metal com o Hard Core. As letras são na maioria das vezes protestos contra governos, políticos, religião e também falam de esportes radicais como skate, surf e bike. Este estilo musical fez a cabeça de muitas bandas Punk das antigas e acabou por converter várias delas de Punk para Trash Metal, por motivos não somente ideológicos mas sobretudo comerciais.
O Thrash metal, muitas vezes chamado erroneamente de trash metal, é uma subdivisão do heavy metal. Suas origens remontam ao fim da década de 70 e começo da década de 80, quando um grande número de bandas começou a incorporar elementos da NWOBHM com a nova música punk e hardcore que surgia, criando assim um novo estilo. Este novo gênero é muito mais agressivo do que o speed metal, considerado seu predecessor.
Basicamente o Thrash Metal se define em:

A bateria usa-se rapidamente e geralmente tem Bumbo Duplo como no Speed metal
Os riffs geralmente usam palhetadas em tremolo
Os vocais variam muito de acordo com a banda, desde agudos para vocal gutural
É de consenso geral que o thrash metal começou no início dos anos 80. O ano de 1981 é visto por alguns como um ano crítico para o gênero embora existam influências anteriores, por exemplo:

O riff de "Symptom of the Universe", música de Black Sabbath de 1975, é possivelmente um dos primeiros riffs que podem ser considerados thrash metal, outras músicas como "Into the Void" e "Children of the Grave" ambas de 1971 também tiveram influência no estilo.

Os precursores do speed metal, Judas Priest apresentaram algumas ideias thrash no seu álbum Stained Class de 1978 incluíndo o riff de "Saints in Hell" ou a estrutura geral de "White Heat, Red Hot". A versão ao vivo de "Tyrant" no álbum Unleashed in the East de 1979 é muito mais próxima do thrash metal do que a sua versão original de 1976 (presente no álbum Sad Wings of Destiny), combinando a velocidade do baterista Les Binks com uma maior distorção nas guitarras.

Thrash metal influenciou diretamente muitas bandas que seguiriam outros gêneros do metal, o Death, o Possessed e o Hellhammer (que mais tarde se tornaria o Celtic Frost), são alguns exemplos disso. O Possessed foi uma das primeiras bandas de death metal, lançando uma demo em 1984 com um thrash metal de sonoridade mais obscura. Esta sonoridade evoluíria para o que hoje chamamos death metal. Um dos melhores exemplos deste gênero é o clássico álbum da banda intitulado Seven Churches, de 1985. O álbum Energetic Disassembly (1985) da banda Watchtower quebrou barreiras em termos de técnica e influências de jazz na composição das músicas. Este tipo de trabalho continuou com bandas de thrash metal como Coroner e também com algumas bandas de death metal como Atheist e Cynic, bem como os futuros álbuns do Death. Algumas bandas combinavam o speed metal com o thrash metal, como or exemplo o Megadeth, e também as bandas Helstar, Testament, e Heathen, que ficaram conhecidas por seus complexos solos de guitarra.

Heavy metal

2008-02-22T07:48:00.000-08:00

O Heavy Metal é proveniente da Inglaterra, sendo gênero que nasceu com base no Hard Rock inglês e considerado por muitos como o vovô do metal, pois foi à partir do mesmo que surgiram todos os outros sub-gêneros (Thrash metal, Black Metal e etc).O heavy metal e o hard rock são próximos, tendo várias bandas que tocam ambos, como Black Sabbath. O Metal se caracteriza pela predominância sonora de guitarras amplificadas, por vezes sob o efeito de pedais de distorção, com ritmos rápidos, amplificados. Outras características marcantes do metal são a velocidade, distorção e peso do som, que também é marcado por virtuosos e longos solos de bateria, baixo e, principalmente, guitarra caracteristica que foi marcada nos shows do Deep Purple e Rainbow.

Há de se notar que a velocidade não é característica de todos os sub-gêneros do metal. Doom metal, por exemplo, é marcado pelo peso e lentidão.

Atualmente, as bandas que mais se caracterizam quando alguém refere-se a Heavy metal são Iron Maiden e Judas Priest, ambas bandas pioneiras do movimento NWOBHM.

Ao contrario do que muitos pensam, o Heavy Metal não pode ser diretamente relacionado ao Rock and Roll, ja que estes tem diferenças significativas, tanto no sentido lirico como no sentido instrumental.

Sonoramente o heavy metal se caracteriza por riffs de guitarra complexos, geralmente solos (longos ou curtos a maioria longo) e refrões bastante marcantes. As músicas se alternam entre levadas rápidas e cadenciadas, com andamentos na forma de palhetadas "cavalgadas", corridas, e Power chords. Um elemento que deixa claro o heavy metal como evolução do Rock and Roll é a predominância de escalas pentatônicas, imortalizada por bandas como Black Sabbath, Judas Priest, Metallica e as bandas da New Wave of British Heavy Metal (NWOBHM) pricipalmente o Iron Maiden. O heavy metal se diferencia de outros gêneros onde se utilizam largamente guitarras distorcidas porque a guitarra carrega grande importância na melodia da musica, enquanto que em outros gêneros (como Punk Rock) a guitarra é um instrumento que apenas acompanha a melodia e serve para dar textura a musica.

O heavy metal também possui nas letras uma de suas maiores riquezas. Usam-se temas como protestos contra elementos repressores da sociedade, protesto contra religiões opressoras, os medos e o lado obscuro do ser humano, musicalização de contos, poemas, a história de civilizações, momentos ou heróis da humanidade, trabalhos conceituais, humor, fuga da realidade e psicodélica, referências mitológicas. Encontram-se ainda letras sobre o louvor ao próprio heavy metal e ao Rock, como forma de transmissão da paixão e da fidelidade ao estilo.

A primeira vez que o termo Heavy Metal foi utilizado, foi em um programa de TV inglês, que quando Black Sabbath foi se apresentar, o apresentador do programa disse que o Black Sabbath nunca faria sucesso com uma música ridícula que parecia um monte de metal pesado batendo e rangendo fazendo um som horrivel, foi daí que surgiu o termo Heavy Metal que significa Metal pesado, como o apresentador disse.

Hoje em dia é um estilo musical complexo, difícil de se definir, pois pode ser subdividido em diversos subgêneros distintos, bastante diferentes uns dos outros, tanto lírica quanto musicalmente, tendo como característica comum o peso das músicas.

Música sertaneja

2008-02-22T07:36:00.000-08:00

No Brasil, chama-se música sertaneja o estilo musical autoproclamado herdeiro da "música caipira" e da Moda de viola que se caracterizava pela melodia simples e melancólica.

O adjetivo "sertanejo", originalmente, se refere a tudo que é próprio dos "sertões", ou seja, do Povo Caipira do interior do Brasil na área que abrange o interior de São Paulo e os estados de Minas Gerais, Goiás, Mato Grosso, Mato Grosso do Sul e Paraná.

Era chamado de "Caipira" o tipo de música composto e executado por artistas das zonas rurais: a antiga Moda de viola. Os caipiras utilizavam instrumentos artesanais e típicos do Brasil-colônia como viola, acordeão e gaita. Cornélio Pires é primeiro grande promotor da música caipira, foi ele o primeiro a conseguir, em 1928, que a música caipira entrasse para a discografia brasileira. Assim gravando vários discos popularizou a música caipira no Brasil.

No entanto, a partir da década de 1980, tem início uma exploração comercial massificada do estilo "sertanejo" . Surgem inúmeros artistas, quase sempre em duplas, que são lançados por gravadoras e expostos como produto de cultura de massa. Estes artistas passam a ser chamados de "duplas sertanejas". Começando com Chitãozinho & Xororó e Leandro & Leonardo, uma enxurrada de duplas do mesmo gênero segue o fenômeno, que alcança o seu auge entre 1988 e 1990.

Em seguida, começa uma decadência do estilo na mídia. A música sertaneja perde bastante popularidade, mas continua sendo ouvida principalmente em áreas rurais do Centro-Sul do Brasil.

No entanto, no início da década de 2000, inicia-se uma espécie de "revival" desse estilo, principalmente devido à sucesso de duplas como Bruno & Marrone e Edson & Hudson e mais tarde Guilherme & Santiago, e sua ampla divulgação na mídia, sobretudo a televisiva.

Ao longo desta evolução, evitou-se cuidadosamente o termo "caipira" que era visto com preconceito nas cidades grandes. O estilo "sertanejo", ao contrário da música caipira, tem pouca temática rural para poder agradar habitantes de cidades grandes. A temática da música sertaneja, é, em geral, o amor não correspondido e o marido traído.

A música rural que mantém seus temas, (feita por Cornélio Pires, João Pacífico, Tonico & Tinoco, Alvarenga & Ranchinho, Pena Branca & Xavantinho, Teixeirinha, Zé Fortuna & Pitangueira, entre outros), para se diferenciar da música sertaneja, passa a se denominar então de "música de raiz", querendo dizer com isso que está ligada verdadeiramente às suas raízes rurais e à moda de viola e a terra, ao sertão, pois o termo "bens de raiz" significa as propriedades agrícolas.

Em 1961, virou sucesso mundial a música: "Coração de Luto" do cantor e compositor gaúcho Teixeirinha, a música contribuiu para a expansão da música caipira para outros países.

Recentemente o compositor Renato Teixeira compôs a música "Rapaz Caipira", como crítica aberta à "música sertaneja" e fazendo renascer a expressão "música caipira".

Samba

2008-02-22T07:34:00.000-08:00

O Samba é a principal forma de música de raízes africanas surgida no Brasil. O nome "samba" é, provavelmente, originário do nome angolano semba, um ritmo religioso, cujo nome significa umbigada, devido à forma como era dançado.

O primeiro registro da palavra "samba" aparece na Revista O Carapuceiro, de Pernambuco, em 3 de fevereiro de 1838, quando Frei Miguel do Sacramento Lopes Gama, escreve contra o que chamou de "samba d'almocreve".

Em meados do século 19, a palavra samba definia diferentes tipos de música introduzidas pelos escravos africanos, desde o Maranhão até São Paulo.

O samba carioca provavelmente recebeu muita influência de ritmos da Bahia, com a transferência de grande quantidade de escravos para as plantações de café no Estado do Rio, onde ganhou novos contornos, instrumentos e histórico próprio, de forma tal que, o samba moderno, como gênero musical, surgiu no início do século 20 na cidade do Rio de Janeiro (a capital brasileira de então). Muitos pesquisadores apontam para os ritmos do maxixe, do lundu e da modinha como fontes que, quando sintetizadas, deram origem a ao samba moderno.

O termo "escola de samba" é originário deste período de formação do gênero. O termo foi adotado por grandes grupos de sambistas numa tentativa de ganhar aceitação para o samba e para a suas manifestações artísticas; o morro era o terreno onde o samba nascia e a "escola" dava aos músicos um senso de legitimidade e organização que permitia romper com as barreiras sociais.

O samba-amaxixado Pelo telefone, de domínio público mas registrado por Donga e Mauro Almeida, é considerado o primeiro samba gravado, embora Bahiano e Ernesto Nazaré tenham gravado pela Casa Édison desde 1903. É deles o samba "A viola está magoada". Há registros também do samba "Em casa de Baiana" (1913), de autoria de Alfredo Carlos Brício. Porém ambos não fizeram muito sucesso, e foi a composição registrada por Donga que levou o gênero para além dos morros. Donga chegou a anunciar "Pelo telefone" como "tango-samba", no Jornal do Brasil de 8 de janeiro de 1917.

Nos anos trinta, um grupo de músicos liderados por Ismael Silva fundou, na vizinhança do bairro de Estácio de Sá, a primeira escola de samba, Deixa Falar. Eles transformaram o gênero, dando-lhe os contornos atuais, inclusive coma introdução de novos instrumentos, como o surdo e a cuíca, para que melhor se adequasse ao desfile de carnaval. Nesta mesma época, um importante personagem também foi muito importante para a popularização do samba: Noel Rosa. Noel é responsável pela união do samba do morro com o do asfalto. É considerado o primeiro cronista da música popular brasileira. Nesta época, a rádio difundiu a popularidade do samba por todo o país, e com o suporte do presidente Getúlio Vargas, o samba ganhou status de "música oficial" do Brasil.

Nos anos seguintes o samba se desenvolveu em várias direções, do samba canção às baterias de escolas de samba. Um dos novos estilos foi a bossa nova, criado por membros da classe média, dentre eles João Gilberto e Antonio Carlos Jobim.

Nos anos sessenta os músicos da bossa nova iniciaram um movimento de resgate dos grandes mestres do samba. Muitos artistas foram descobertos pelo grande público neste momento. Nomes como Cartola, Nelson Cavaquinho, Zé Keti e Clementina de Jesus gravaram os seus primeiros discos.

Nos anos setenta o samba era muito tocado nas rádios. Compositores e cantores como Martinho da Vila, Bezerra da Silva, Clara Nunes e Beth Carvalho dominavam as paradas de sucesso.

No início da década de 1980, depois de um período de esquecimento onde as rádios eram dominadas pela música de discoteca e pelo rock brasileiro, o samba reapareceu no cenário brasileiro com um novo movimento chamado de pagode. Nascido nos subúrbios cariocas, o pagode era um samba renovado, que utilizava novos instrumentos, como o banjo e o tantã, e uma linguagem mais popular. Os nomes mais famosos foram Zeca Pagodinho, Almir Guineto, Grupo Fundo de Quintal, Jorge Aragão e Jovelina Pérola Negra.

Em meados de 1998 surgiu uma tendência para o samba que agora seguiria para direção das influências das músicas caribenhas. Nesse tempo, bandas baianas e também cariocas laçaram novidades como o Samba-reggae, hoje a principal variante do Pagode baiano. Assim, tanto o Samba de Roda quanto a Axé Music, estavam caminhando para a decadência e com pouca vendagem de discos. No início do Século XXI, em concorrência com a popualridade dos Pagodes carioca e paulista, o Samba-reggae, um gênero originalíssimo, tem ganhado popularidade. Grandes bandas tem matido o estilo como Olodum, Terra Samba, Refla, Cidade Negra e até o Só Pra Contrariar.

Atualmente o Samba é o gênero musical mais popular no Brasil e também popular em outras regiões do mundo como no Japão. Alguns artistas brasileiros como Nelson Sargento, Monarco e Wilson Moreira produzem Samba para japoneses.

Blues

2008-02-22T07:31:00.000-08:00

O blues é uma forma musical vocal e/ou instrumental que se fundamenta no uso de notas tocadas ou cantadas numa frequência baixa, com fins expressivos, evitando aquelas notas da escala maior, utilizando sempre uma estrutura repetitiva. Nos Estados Unidos surgiu a partir dos cantos de fé religiosa, chamadas spirituals e de outras formas similares, como os cânticos, gritos e canções de trabalho, cantados pelas comunidades dos escravos libertos, com forte raiz estilística na África Ocidental. Suas letras, muitas vezes, incluíam sutis sugestões ou protestos contra a escravidão ou formas de escapar dela.

O Blues tem exercido grande influência na música popular ocidental, definindo e influenciando o surgimento da maioria dos estilos musicais como o ragtime, jazz, rhythm and blues, rock and roll e música country, além de ska-rocksteady, soul music e influenciando também na música pop convencional e até na música clássica moderna.

O blues sempre esteve profundamente ligado à cultura afro-americana, especialmente aquela oriunda do sul dos Estados Unidos (Alabama, Mississipi, Lousiana e Georgia), dos escravos das plantações de algodão que usavam o canto, posteriormente definido como "blues", para embalar suas intermináveis e sofridas jornadas de trabalho.

As raízes na cultura africana são evidentes tanto em seu ritmo, sensual e vigoroso, quanto na simplicidade de suas poesias que basicamente tratavam de aspectos populares típicos como religião, amor, sexo, traição e trabalho. Com os escravos levados para a América do Norte no início do século XIX, a música africana se moldou no ambiente frio e doloroso da vida nas plantações de algodão. Porém o conceito de "blues" só se tornou conhecido após o término da Guerra Civil quando sua essência passou a ser como um meio de descrever o estado de espírito da população afro-americana. Era um modo mais pessoal e melancólico de expressar seus sofrimentos, angústias e tristezas. A cena, que acabou por tornar-se típica nas plantações do delta do Mississippi, era a legião de negros, trabalhando de forma desgastante, sobre o embalo dos cantos, os "blues".

Blues é também o nome do estilo de dança informal conhecido por “swing dancing”, estilo sem padrões fixos e principalmente baseado no contacto, sensualidade e improvisação.

Jazz

2008-02-22T07:11:00.000-08:00

O jazz é uma manifestação artística-musical originária dos Estados Unidos da América. Tal manifestação teria surgido por volta do início do século XX na região estadunidense de Nova Orleans e em suas proximidades, tendo na cultura popular e na criatividade das comunidades negras que ali viviam um de seus espaços de desenvolvimento mais importantes.

O Jazz se desenvolveu com a mistura de várias tradições musicais, em particular a afro-americana. Esta nova forma de se fazer música incorporava blue notes, chamada e resposta, forma sincopada, polirritmia, improvisação e notas com swing do ragtime. Os instrumentos musicais básicos para o Jazz são aqueles usados em bandas marciais e bandas de dança: metais, palhetas e baterias. Uma pequena banda de músicos, a maioria deles vindos de Nova Orleans, tiveram participação importante no desenvolvimento e disseminação do Jazz.

As origens da palavra Jazz são incertas. A palavra tem suas raízes na gíria norte-americana e várias derivações têm sugerido tal fato. O Jazz não foi aplicado como música até por volta de 1915. Earl Hines, nascido em 1903 e mais tarde se tornou celebrado músico de jazz, costumava dizer que estava "tocando o piano antes mesmo da palavra "jazz" ser inventada". Durante seu desenvolvimento inicial, o jazz também incorporava hinos religiosos da Nova Inglaterra e das músicas populares Norte americanas dos séculos XIX e XX, baseados em tradições musicais européias.
Enquanto o jazz pode ser de difícil definição, improvisação é claramente um dos elementos essenciais.O blues mais antigo era comumente estruturado sob o repetitivo padrão chamada e resposta, elemento comum em músicas tradicionais. Uma forma de música tradicional que aumentou em parte devido as canções de trabalho e field hollers. No blues mais antigo a improvisação era usada com bastante propriedade.

Essas características são fundamentais para a natureza do jazz. Enquanto na música clássica européia elementos de interpretação, ornamento e acompanhamento são,às vezes, deixados a critério do intérprete, o objetivo elementar do intérprete é executar a composição como está escrita. No jazz, entretanto, o músico irá interpretar a música de forma peculiar, nunca executando a mesma composição exatamente da mesma forma mais de uma vez.

Dependendo do humor e da experiência pessoal do intérprete, interações com músicos companheiros, ou mesmo membros do público, um intérprete/músico de jazz pode alterar melodias, harmonias ou fórmulas de compasso da maneira que achar melhor. No Dixieland Jazz, os músicos revezavam tocando a melodia, enquanto outros improvisavam contramelodias. A música clássica européia tem sido conhecida como um meio para o compositor. Jazz ,contudo ,é freqüentemente caracterizado como um produto de criatividade democrática, interação e colaboração, colocando valor igual na contribuição do compositor e do intérprete.

O conceito de improvisação, em si, não apresenta grandes dificuldades para ser entendido, embora exija anos e anos de dedicação para ser posto em prática. Trata-se de tecer - em tempo real, no exato momento em que se está tocando - variações em torno de algo que serve de base: a linha de uma canção que serve de tema, uma sequência de acordes, alguns intervalos melódicos, uma tonalidade.

As variações têm uma longa tradição na música clássica ocidental: grandes compositores escreveram ciclos de variações, explorando até o limite o potencial de seus temas. Na Renascença já era habitual tomar como tema uma canção popular e fazer variações sobre ela. Isto era chamado na Inglaterra de divisions on grounds e na Espanha de diferencias sobre bajos ostinados. Os instrumentistas, que freqüentemente eram também compositores, competiam entre si, cada um tentando sobrepujar os rivais em virtuosismo e engenhosidade.

Definir o swing é algo muito mais difícil. Trata-se de algo que engloba o fraseado, o ritmo, o ataque das notas. O swing não se escreve numa partitura, por mais detalhada e precisa que seja a sua notação. A definição dada por André Francis, em seu livro Jazz, é bastante interessante: "tocar com swing, swingar, significa trazer à execução de uma peça um certo estado rítmico que determine a sobreposição de uma tensão e de um relaxamento". Esta é a dialética do swing, por assim dizer: dar flexibilidade a um ritmo, dar "balanço" a uma frase, e contudo manter a precisão, preservar o foco da música, evitando que ela perca o caráter incisivo.

Podemos usar uma analogia sugerida por Charles Mingus para caracterizar o swing: vamos partir de uma música na qual os tempos estão precisamente definidos. Em seguida delimitamos um "halo", uma pequena região ao redor da posição original de cada nota: a nota, agora, pode cair em qualquer ponto dessa região, a critério do executante. A música como um todo, portanto, oscila caprichosamente dentro dessas regiões de "incerteza". É importante que o âmbito dessas pequenas regiões não ultrapasse aquele ponto no qual o ritmo deixa de ser swingado para se tornar impreciso. Como se determina esse ponto? Os bons músicos de jazz têm uma intuição desenvolvida a tal ponto que mantêm esse jogo de precisão e imprecisão perfeitamente sob controle, o tempo todo - e o resultado, todos nós conhecemos: o deleite de escutar uma interpretação cheia de swing.

Rock and roll

2008-02-22T07:06:00.000-08:00

Rock and Roll (também escrito Rock n' Roll) é um gênero de música que emergiu e se definiu como estilo musical no sul dos Estados Unidos durante a década de 50, rapidamente se espalhando pelo resto do mundo. Evoluiu mais tarde para diversos sub-géneros no que hoje é definido simplesmente como "rock".

Atualmente, a palavra "rock and roll" tem diversos significados, seja para definir o rock tradicional ao estilo dos anos 50, ou para definir o rock surgido posteriormente, e até mesmo certas vertentes da música pop. Desde finais da década de 50 até atualmente,o rock é o estilo musical mais popular do mundo.

Os instrumentos mais comuns no Rock'n'roll são a bateria, guitarra elétrica, o baixo e muitas vezes um piano ou teclado, embora no início, o principal instrumento tenha sido o saxofone, posteriormente substituído pela guitarra no final dos anos 50.

O Rock'n'Roll nasceu da mistura de 3 (três) gêneros musicais distintos da música americana: blues, country e jazz.

Estilos de Rock:

Rockabilly: Conhecido como country-soul, foi o estilo de Rock de Carl Perkins, Gene Vincent, Eddie Cochran, Johnny Burnette e Dorsey Burnette.

Elvis em Jailhouse Rock (1957)Country rock:É bastante parecido com o Rockabilly, e as suas maiores estrelas foram Bill Haley, Jerry Lee Lewis, Johnny Cash e Bob Luman.
High-School rock: Um estilo de Rock racista. Veio para substituir a música negra, aproveitando suas batidas animadas e as melodias contagiantes. As grandes gravadoras lançaram cantores e cantoras brancas, todos eles bonitinhos e bem educados, quase sempre regravando sucessos dos negros.
Classic rock: Este tipo de Rock é uma mistura de vários outros tipos de músicas sejam elas Rock'n'Roll ou não. Os seus maiores representantes foram Elvis Presley,Chuck Berry, Little Richard, Bo Diddley, e Buddy Holly
New Orleans Dance Blues: Gênero em que predominavam baladas, tendo o piano como instrumento principal. Little Richard e Fats Domino destacaram-se.
Chicago R&B (rhythm and blues): É basicamente uma versão negra do rockabilly, que tinha Chuck Berry e Bo Diddley como mestres.
Grupo vocal: Sem instrumentos, podem ser comparados às "boys bands" de atualmente. Eram bandas em que era usado somente a voz, sem instrumentos. Frankie Lymon and the Teenagers era o grande sucesso da época.

A Música

2008-02-22T07:00:00.000-08:00

A música, segundo a teoria musical, é formada de três elementos principais. São eles o ritmo, a harmonia e a melodia. Entre esses três elementos podemos afirmar que o ritmo é a base e o fundamento de toda expressão musical.

Sem ritmo não há música. Acredita-se que os movimentos rítmicos do corpo humano tenham originado a musica. O ritmo é de tal maneira mais importante que é o único elemento que pode existir independente dos outros dois: a harmonia e a melodia.

A harmonia, segundo elemento mais importante, é responsável pelo desenvolvimento da arte musical. Foi da harmonia de vozes humanas que surgiu a música instrumental.

A melodia, por sua vez, é a primeira e imediata expressão de capacidades musicais, pois se desenvolve a partir da língua, da acentuação das palavras, e forma uma sucessão de notas característica que, por vezes, resulta num padrão rítmico e harmônico reconhecível.